La Máquina a Tiempo

noviembre 24, 2011

Sueño de una noche de Invierno / A Midwinter Night’s Dream

Filed under: Ciencia Ficción — halsivon @ 8:29 pm

Heliconia Invierno de Brian Aldiss demuestra que si  hay tercero malo, pero no sólo a través de este libro se  aprecia y enaltece Heliconia Verano.   No me malentiendan: el cierre del ciclo Heliconia no pudo ser más pertinente y decente. El libro es precioso, pero no le llega ni a los talones a Heliconia Verano en cuanto a riqueza narrativa, complejidad y estructura de los personajes, escenarios presentados, arcos argumentales y Ciencia Ficción. Es gracias a Heliconia Invierno que aprendí a querer Heliconia Verano, que cuando lo he leído por primera vez me parecía un gran título por sí mismo. Hay momentos incluso en que la segunda entrega llega a desprenderse de sus dos pares, para ser independiente , y sin exageraciones, y sin subestimar los anteriores trabajos (léase Primavera) , Heliconia bien pudo haaberse quedado allí. Aldiss comete muchos errores argumentales en Invierno , es evidente su animosaidad en contra de dicha estación, pero el libro es tan correcto en cuanto a la metáfora de lo que el invierno supone  emocional y personalmente para el autor, que menoscaba su propio trabajo. El texto es como el Monstruoso Libro de los Monstruos de Harry Potter: es el gélido , apático , gris y entumecido libro de Invierno, sólo hace falta que al abrir la tapa una fría escarcha le envuelva a uno. Aldiss se queda sin ya nada que oferecer en esta entrega , todo ya lo había dicho, y acaso pretende salvar la partida ofreciéndonos su peculiar perspectiva de lo que ocurría en la Tierra mientras el Gran Año Heliconiano estaba por cumplirse. Este ha sido su gran desaguisado;  no lo necesitaba , hubiera sido mucho más preferible una mejor óptica de lo sucedido en el Avernus y los exiliados de Aganip, que traer a colación una Tierra que jamás le interesó en el pasado narrado en el Saga Heliconia.  El Avernus no pudo ser más metafórico y correcto para con la intención de finalizar Heliconia: si Avernus muere, las transmisiones y de paso, nuestro interés para con Heliconia muere con la mítica estación, por otro lado , su manejo para con su final es digno de una producción  Hentai. Me gustaba que el Avernus, cuyo nombre proviene precisamente del Averno, uno de los infiernos griegos, ofreciera un tipo de Infierno diferente, donde el del  tedio , la rutina, la claustrofobia y el estoicismo gris aprisionase y alienase a sus habitantes, en lugar de convertirse en un infierno del Bosco de manera tan literal; hasta en ello el autor vulnera su propia obra anterior.  Como ya no tiene nada que contar, pretende convencer con una humanidad descarnada e idílica , tan pálida y aburridora  como los geonautas que con tanto ahínco exhibe. Sólo el episodio en la Rueda de Kharnabhar hace lo que la propia Rueda hace con Luterin, salvarlo, y en esta caso, la Rueda salva el libro: es quizá el único aporte importante en cuanto a narrativa y contexto se refiere, una prisión móvil que expía los pecados del protagonista para darle la madurez necesaria para formar un hogar en el cada vez más inhóspito invierno en compañía de Toress Lahl, quizá , la mejor protagonista femenina que vez haya  creado Aldiss,  incluso por encima de figuras de la talla de Shay Tal o MyrddenIngala. Ella es uno de los errores argumentales de los que hablaba al principio: si el autor se hartaba de comparar a los heliconianos con los humanos terrestres, ningún ejército llevaría a sus mujeres al frente de batalla, sobre todo cuando corre el peligro  que ha corrido esta protagonista, el de convertirse en una esclava del vencedor. La tenacidad y entrega, obediencia y determinación de Toress hacia su Amo, y luego su esposo , dan notable ejemplo de la profundidad de este personaje, cualidades que carecieron en casi todos los protagonistas  del libro, empezando por el mismo Luterin  antes de la Rueda.  Los Phagors, aquellos némesis que cobraron relieve en Verano , se ven absolutamente diluidos en Invierno; descubiertos sus misterios, el autor ya nada más tenía que ofrecer por ellos en esta edición, la cual paradójicamente era su estación y momento.  Sin la Rueda, el libro hubiera sobrado , al no poder darle un final digno a una gran saga literaria como lo es Heliconia.

Brian Aldiss Helliconia Winter shows that there its a bad third , and  only through this book I do appreciates and praises Helliconia Summer. Do not misunderstand me,  Heliconia closing cycle  could not be more decent, the book is beautiful, but has anything to do against of  Helliconia Summer in wealth , narrative ,complexity and character’s structure , scenarios presented, arcs plot and Science Fiction. Thanks to Helliconia Winter, I learned to love Summer, I read that when I first looked like a great title for himself. There are times that even the second Book are independant from the two others,, and without exaggeration, without underestimating his previous work (meaning Spring), Heliconia chrooting well to have stayed there. Aldiss  makes many plot mistakes in  Winter, is obviously that he is  against this season, but the book is so right about the metaphor of what the winter its emotionally and personally to the author, who undermines his own work. The text is like the Cloverfield Monster Book of Harry Potter: the cold, apathetic, numb gray Winter’s book, it only takes that opening the lid to wrap a cold frost one. Aldiss loses nothing in this release, offering features, everything had already said, and perhaps intended to save the game by offering his unique perspective of what was happening on Earth as the Great Year Heliconiano was to be fulfilled. This was his big mess, he did not need it, it would have been much better a better perspective of what happened in the Avernus and Aganip exiles, who bring up an Earth that never interested him in the past told in the Helliconia Saga . The Avernus could not be more metaphorical and correct for the intended to put an end : If Avernus dies, theincoming transmissions and incidentally, our interest in Heliconia dies with the legendary space station, on the other hand, handling to its final its look like a Hentai production. I liked the Avernus from before, whose name derives precisely from the underworld, one of the  Greek’s Hells, offered a different kind of punishment where the boredom, routine, claustrophobia and gray stoicism  imprisoned and alienate its inhabitants, instead of become a  Bosco’s Hell so literally, up in it the author undermines his own earlier work. As he has nothing more to tell, trying to convince  us a about a stark and idyllic mankind, so pale and tired as the Geonauts  that he is so proud to  exhibits. Only  Kharnabhar Wheel’s episode itself does what it does with Luterin, to save, and in this case, the wheel saves the entire book, and  its perhaps the only significant contribution in terms of narrative and context taht Aldiss offers in   this mobile prison atones for the sins of the protagonist to give the necessary maturity to make a home in the increasingly inhospitable winter with Toress Lahl,  with perhaps the best female character that the author ever created , even above great women   like Shay This or Queen MyrddenIngala . She is one of the plot mistakes of those what I  spoke at the beginning: if the author was tired of comparing heliconians with earth humans, no army would take their women to the frontline of battle, especially when the danger that has suffered this character, that of becoming a slave of the winner. The Toress tenacity and dedication,determination  and obedience to her Master, and later  her husband are notable example of the depth of this character, qualities they lacked in almost all the protagonists of the book, starting with  Luterin himself, before the Wheel. The Phagors, those that claimed relief nemesis in summer, are quite diluted in Winter: been discovered they  mysteries, the author had nothing more to offer for them in this edition, which ironically was their station and time. Without the wheel, the book would would be wothless, unable to give a fitting end to a great book series such as Helliconia.

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noviembre 8, 2011

El Corazón de la Noche / The Night’s Heart

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 8:32 pm

M. Night shyamalan  podría ser considerado como el peor Director de Cine Comercial  por una sola circunstancia: su total incapacidad de realizar y hacer filmes perdurables, duraderos y con suficiente  conmoción como para que alguien quiera ver una de sus películas más de una ocasión. Su fórmula, basada en despistar el suficiente tiempo al espectador, para luego derribarlo por Knock-Out en el último asalto,  hace que sus trabajos sólo puedan ser vistos por una vez.  No sucede así con el filme Dark City de Alex Proyas (The Crow), el cual, y siguiendo pasos similares , se convierte en un filme de ciencia ficción de Culto , entretenido y memorable, con una excelente puesta en escena , la cual , en definitiva , hace a esta producción. Situada en una Ciudad contaminada, lustrosa pero con cierto arraigo nostálgico por los años 30 , nos presenta a una particular visión de la vida citadina , enclaustrada en sí misma , absorta por los problemas del día a día, inmutable como la noche que no parece terminar jamás, y todo esto es una cruel broma perpetrada por un gang de telépatas cuadriculados , cuya motivación constante de la búsqueda de la psique y la naturalexa humana les hace experimentar con los habitantes de esta sempiterna ciudad sin que estos se percaten; Sólo John Murdoch (Rufus Sewell), asesino de prostitutas serial , permanece despierto para descubrir lo que oculta Dark City, al tiempo que  describe una épica huída detectivesca muy al estilo de John Dillinger,  con un escenario que recuerda esa Chicago señorial de Al Capone.  La contraposición de memorias es relevante para Murdoch, que no comprende el cómo posee el cuerpo de un asesino, cuando todo lo que desea es  llegar a la playa de su infancia en la que entre otras cosas, pasó su Luna de Miel con su esposa, clásica y brillanetmente interpretada por Jennifer Connelly.  pronto se percataría de que la claustofóbica ciudad,  con edificios barrocos y  avenidas que no parecen ir a ningún sitio,  corresponden al patio de juegos de los telépatas, entidades estrictas y prácticas, carentes de toda compasión y virtudes humanas , los cuáles funcionan de metáfora para las hostiles y frías condiciones de las ciudades norteamericanas en muchas de sus épocas, especialmente en la Depresión.  Por otro lado, el significado que Murdoch otorga a la Playa Shell, aquel olvidado pero siempre añorado lugar de la infancia habla mucho , sobre todo para un hombre al que le imputan dos cargos por homicidio justo al comienzo del filme: el protagonista siente que ha perdido su infancia , y que no la perdió por voluntad propia , sino por los crueles designios de los telépatas , que allí en la playa está el último recodo honesto y cuerdo de lo que queda de la humanidad en una ciudad estéril, inmutable y asfixiante. Es aquí donde la trascendencia humana , encarnada en Murdoch, cobra forma física ,  la evolución del hombre acosado por circunstancias que no puede controlar lo transforma en mucho más que un simple humano y lo eleva hasta convertirse en dios. Murdoch es acusado injustamente de matar mujeres, pero en su épica investigación descubre más que su propia inocencia, descubre  la fórmula para conquistar todas las fronteras y derribar todos los obstáculos, aunque parezca imposible, algo que sólo los hombres podemos hacer.

 

M. Night Shyamalan might be considered the worst commercial Filmmake for one simple fact: his complete inability to perform and make films lasting durable and shocking films, enough for anyone to want to see one of his films more than once. His formula, based on long enough mislead the viewer, then shot down him by KO at the last assault, makes his works can be seen only once. That doesnt happens with the  Dark City film by Alex Proyas (The Crow), which, following similar steps, it becomes a science fiction film of Worship, entertaining and memorable, with excellent staging, which in ultimately makes this production. Located in a polluted city, but with a glossy nostalgia rooted in the 30’s, it shows a particular vision of the city life, cloistered itself, absorbed in the problems of everyday, immutable as the night that does not seem to end never, and this is all a cruel joke perpetrated by a gang of telepaths beings, whose  constant motivation and search for the human nature and psyche , makes them throws the experience with the inhabitants of this eternal city,without their aknowledgement; only John Murdoch ( Rufus Sewell), serial murderer of prostitutes, awakes to discover what hiddens the  Dark City, involved into an epic  detective search , much like John Dillinger’s , with a scenario reminiscent of the   Al Capone’s Chicago. The contrast of memories is relevant to Murdoch, who does not understand why he possesses the body of a murderer, when all what he wants its to reach the beach of his childhood in which, among other things, spent his honeymoon with his wife, performed so  classicly by  Jennifer Connelly. Soon he (Murdoch) would realize that the claustrophobical city with baroque buildings and avenues that seem to go anywhere, are the playground of the telepaths, very strict managers ,  unable to feel and experiences  all compassion and human virtues, which function as a metaphor for hostile and cold conditions in many American cities of their times, especially in the 30’s Depression. On the other hand, the meaning that gives Murdoch Shell Beach, this forgotten but always missed childhood rather than talk a lot, especially for a man who accused  of murder twice at the very beginning of the film: the protagonist feels that he has lost his childhood, and lost not by choice but by the cruel designs of the telepaths, there on the beach is the last turn honest and sane for the rest of humanity in a barren city, immutable and stifling. This is where human transcendence embodied in Murdoch, takes shape, the evolution of man beset by circumstances and an enviromente that he can not control what becomes more than a mere human and rises to become a god. Murdoch is wrongly accused of killing women, but in his epic investigation reveals more than his own innocence, find the formula to conquer all boundaries and tear down all obstacles, even if seems  impossible, something that only Men we can do.

octubre 25, 2011

El Marte / The Mars

Filed under: Ciencia Ficción — halsivon @ 5:39 pm

 

Han pasado ya varios años desde que leí Marte Rojo, de Kim Stanly Robisnon. Lo volví a leer, para intentar rescatar lo inrescatable: Marte Rojo siempre me ha parecido uno de los libros más tediosos de toda la historia de la Ciencia Ficción, pero no sabía el porqué. En mis relecturas, intentaba dilucidar qué tenía este libro que le hacía tan popular, incluso entre grandes bloggeros de Ciencia Ficción, como mi colega “F” del blogg Macrocaos, quién mencionara alguna vez que Marte Rojo era EL Libro de Ciencia Ficción.  Debido quizá a esos estándares en el que Marte Rojo era elevado, no sólo por “F”, sino por la crítica especializada y el Premio Nébula, leí tal adefesio como si se tratase de un “deber moral”.  Y con dicha motivación sufrí de una lectura pasimoniosa y bastante repetitiva, las múltiples voces de lso primeros 100 llegados a MArte , resultan ser todas Una sola, la de Kim Stanley Robinson, lo cual prueba que el gran científico no siempre es el gran escritor de ciencia ficción; y es que ahí reside el problema, aunque en la época en la que ha llegado Marte Rojo a mis manos  por primera vez no lo sabía: Marte Rojo es un Libro de Ciencia Ficción, pero no es Literatura de Ciencia Ficción. La Falta evidente de esas maravillas y detalles que hacen la literatura, tales como el uso de metáforas, poesía y ensoñaciones o caracterizaciones  que enriquezcan y enaltezcan lo narrado y descrito, (y en el caso del Planeta Rojo, y su relación y experiencias para  con los protagonistas), brilla por su ausencia. Si acaso existe una sola escena conmovedora en todo el Libro, la cual fue la expedición al polo Norte marciano. Por lo demás, Robinson se limita a ser un documentalista gris; Marte Rojo sufre de Hiperrealismo, pero el Hiperrealismo en sí no es un problema, de lo contrario no existirían maravillas como Sector-9 de Neill Blomkamp; pero su uso aquí ni siquiera es descarado, es gris y pertinente, e incluso desauciado en las voces y pensamientos de los protagonistas, los primeros 100 marcianos + el coyote, los conservacionistas estrictos y los terraformadores ambiciosos, Robinson sólo pone el el telón un voz con diferentes puntos de vista, lo cual le daría mérito como ensayista ( no tengo nada contra El ensayo, de hecho , para mí es el Más Literario de los Géneros) , si tan sólo fuera verdad lo que menciona en Marte Rojo. Si, hay ciencia ficción, mucha tecnología, detallada en lo más mínimo, pero nula literatura, por lo cual su aporte desde mi punto de vista sólo es enciclopédico.  Ni siquiera la belleza de Marte es retratada con justicia, Robinson pretende que ésta, a través de los ojos de los conservacionistas, derive en una nueva raza de MArcianos amantes de su planeta,  rebeldes y opositores de los terrestres, avatares de todos los males existentes y posibles, contra la santidad inmaculada de un planeta estéril , pobre y fracasado. Marte Rojo como libro si es , en efecto, una Metáfora del Planeta Marte: estéril, pobre y Fracasado.

 

It’s been passed several years since I readed Red Mars by Kim Stanly Robinson. I re-read it to try to rescue what it cannot be rescued: Red Mars has always seemed one of the most tedious and boring books in the history of science fiction, but did not know why. In my re-reading, i was trying to figure out what this book had taht made it so popular, even among great Science Fiction bloggers, as my colleague “F” from Macrocaos blogg, who ever mentioned that Red Mars was THE Book of Science Fiction. Perhaps because of these standards in the Red Mars was so high, not only for “F”‘s opinion, also by the critics and the Nebula Award; I readed this monstrosity as if it were a “moral duty”. And with such a reading motivation suffered and quite repetitive boreness, the multiple voices of the  first 100 humans in  Mars, turn out to be all just one voice, the one from Kim Stanley Robinson, which proves that the great scientist is not always the great writer,and  its where   lies the problem, although at the time the Red Mars has come to my hands for the first time I did not know: Red Mars is a science fiction book, but it is not science fiction literature. The apparent lack of these wonders and details that make the literature, such as the use of metaphors, poetry and dreaming or characterizations that enrich and exalt what its narrated and described (and in the case of the Red Planet, and its relationship and experiences with the protagonists), is conspicuous by its absence. If anything there is one poignant scene in the whole Book, which was the Martian North Pole’s expedition. Furthermore, Robinson was limited to being a gray documentary,  Red Mars are ill of Hyperrealism , but the Hyperrealism itself its not a problem, otherwise there would be no wonder as Sector-9 movie picture by  Neill Blomkamp; ​​but its use in Red Mars is not even Sassy, ​​its gray and irrelevant, and even kileed by the voices and thoughts of the protagonists, the first 100 Martians plus The Coyote; the strict conservationists and ambitious terraformers , Robinson puts the curtain just a one voice with different points of view, which would give him credit as an essayist (I have nothing against Essay literary genre, in fact, to me is the ultimate literary genre), if only it were true what he mention in Red Mars. Yes, there is science fiction, a lot of technology, detailed in the least, but no literature, so its contribution from my point of view is only encyclopedic. Not even the beauty of Mars is portrayed fairly, Robinson claims that it, through the eyes of conservationists, resulting in a new race of Martians who love their planet and rebels and opponents of the earthlings, avatars of all existing evils  possible, against the immaculate holiness of the Red Planet. Red Mars as a book if it is, in effect, a metaphor of the Planet Mars itself: barren, poor and failed.

octubre 1, 2011

El Homo Extra / The Homo Ludens

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 7:35 pm

Gattaca de Andrew Niccol es uno de esos  filmes que requiere tenacidad y paciencia, tanto al verlo como al disfrutarlo.  Su narrativa es tan simple y antiséptica , como el mundo perfecto (emulando a Aldous Huxley) que describe: Un futuro Anacrónico, con ciertos visos a la estética retro de los años 40 y 50, en donde la segregación genética hace lo que no pudo hacer la racial, la sexual o la lingüistica, separar a los genéticamente superiores del resto. El propio Aldous Huxley ya había estado tentado por estos temas, añadiendo a su vez, toda una perspectiva degenerativa lúdica en su distopía; pero Gattaca no es una distopía, es una utopía bastante higiénica, en donde el protagonista está para probarse a sí mismo , y al indiferente y cruel mundo que le somete, que el potencial de los hombres es infinito. La puesta en escena, en primera persona narrando como el sueño de un hombre por conquistar un espacio que ya es sólo dominio de los genéticamente superiores, nos somete a ciertos impactos emocionales, bastante tenaces , en los cuáles Vincent (Ethan Hawke) dibuja un mundo pare el cual él no tiene cabida, ni en el contexto laboral, ni en el contexto genetista. Se vale de la desgracia de un Nacido in vitro (Jude Law), para poder realizar sus sueños, quien en últimas se convertiría en su mejor amigo, a falta de comprensión , y sobre todo, amor (del cual incluso su propia familia le negó).  La ambientación gráfica y visual brilla por hermosos y conmovedores claroscuros: las escenas claves están en los atardeceres y amaneceres, metáforas del cambio interior y exterior al que Vincent se somete para cumplir sus sueños, incluso a costa de su propia vida e integridad emocional y física. La trascendencia del Hombre y la de sus infinitas capacidades se ponen de manifiesto, en cada obstáculo que se le presenta Vincent sale airoso por su tenacidad, su negativa a rendirse, su comrpomiso con la realización de su sueño, que incluso logra que gane la admiración y el respeto de los genéticamente superiores.  Cabe destacar el limpio manejo en todo, Niccol pone de relieve en su filme, lo que el contexto puritanista del mundo perfecto de Gattaca exhibe, incluso a la hora del viaje espacial.  Un gran filme, con una enseñanza ulterior: Nunca subestimes el potencial del Hombre.

Andrew Niccol’s Gattaca is one of those films that requires persistence and patience, so as to enjoy seeing it. Its narrative is so simple and antiseptic, such as pretty described Perfect World (emulating Aldous Huxley’s book at the same name): An Anachronistic future, with some retro overtones to the aesthetics of the 40’s and 50’s, where does the genetic segregation  do what racial, sexual or linguistics cant done: genetically superior beings  above from the rest ones. Aldous Huxley himself had been tempted by these issues, adding in turn all degenerative playful perspective in his dystopia, but  Gattaca is a very hygienic utopia, where the protagonist is to prove himself and the indifferent and cruel world that he submits, that themen potential its infinite. The staging, first-person recounting the dream of a man (Vincent) to conquer a space domained  only by the genetically superior beings;Vincent (Ethan Hawke) is  quite tenacious  , and he  draws a world  which he has no place, nor in the employment context, in the geneticist one. He uses the misfortune of a Born in vitro (Jude Law), to realize his dreams, who ultimately became his best friend, in a world where a lack of understanding, and above all, love (which even his own family denied to him ). The graphics and visual ambience shines with beautiful and methaphoric: the key scenes are in the sunsets and sunrises, visual representations of inner and outer change that Vincent is submitted to fulfill his dreams, even at the expense of their own life and emotional and physical integrity . The significance of men and their infinite capabilities are evident in every obstacle that presents itself out gracefully Vincent for his tenacity, his refusal to surrender, his compromise with the achieve of his dream, which even manages to win the admiration and respect for the genetically superior beings.The film includes a clean throughout, Andrew Niccol highlighted in his film, what the context of Puritanism  its exhibited withoin a  perfect world, even when space travel. A great film, with a further teachingh: Never underestimate the potential of man.

septiembre 11, 2011

El Rostro del descontento Popular / The Face of the Popular Discontent.

Filed under: Cine,Comic — halsivon @ 7:48 pm

 

Es realmente difícil encontrar una filme tan influyente para la juventud actuaal como V de Venganza, de los Hermanos Wachowski, basado en el tebeo del mismo nombre de Alan Moore.  Influyente en cuanto a la rapidez con la que su volátil flama revolucionaria enciende los espíritus de marginados e inconformes en los cinco continentes. El tebeo y el filme siguen pasos similares, en los cuáles el mensaje anarquista y antiautoritarista es puesto de manifiesto, secundado con otras innobles causas identitarias, como que la existencia del  Reino Unido es  culpa exclusiva de la “totalitaria” Inglaterra, enemiga tradicional de todos los pueblos libres de la Tierra, pero en especial de Escocia, Gales e Irlanda, y de Inglaterra misma. La naturaleza de V, que es a la vez  una mezcla de  intelectual de izquierdas con peleador artes marciales, con frases rocambolescas y citas románticas, se abre paso entre enemigos , que no son otros que los Gobiernos, las autoridades policiacas, o cualquier otra institución creada para conservar el órden entre este elixir sagrado llamado anarquismo bruto. La defensa que hacen diferentes grupúsculos de protesta, y la identificación física a través de la célebre máscara de Guy Fawkes , para con el personaje de V, se basa más en las hormonas y la rebeldía propias de la juventud, que en una lucha auténtica por los derechos individuales y civiles.  De eso saca usufructo la izquierda mediática, y la cultura popular , siempre con el enemigo presente, que no son otros que los Gobiernos, cualquier clase de Gobierno, sea este bueno , malo o perverso, excepto el gobierno de izquierdas, que está por encima moral, intelectual y políticamente que los otros. Y puede ser cualquier gobierno, a la izquierda mediática poco le importa que este sea elegido democráticamente, si es de derechas o socialdemócrata,  no merece compasión por parte de esa masa virginal llamada “el pueblo”, que sale a la calle a protestar, por que hay que protestar siempre por algo.  V lucha contra un dictador que no duda en someter y asesinar a sus detractores y rivales, pero la juventud entiende que los funcionarios son el enemigo, especialmente si el que está arriba es un hombre blanco heterosexual, independientemente de sus ideas políticas.  Por otro lado, el filme hace exploración además, del feminismo disimulado por parte de Eve Hammond, alumna y amante del propio V. Eve sólo reconoce la liberación interior, al transformar drásticamente su imagen en una marimacha de armas tomar, vaya ejemplo para generaciones de jovencitas, negando olímpicamente la femeneidad a la que tienen derecho todas las mujeres en el mundo.  La radical y “revolucionaria” épica en la que el fime y el tebeo son presentados, sirve para que los marginados, revoltosos, energúmenos, violentos, antisistema, encuentren no sólo un referente cultural para sus excesos, sino una manera didáctica y carismática de ocultar su rostro, en el más emblemático ejemplo de cobardía, muy digna de los grandes cobardes de este mundo, como los terroristas de ETA, los homicidas de las FARC, pero particularmente a los hackers frikis y esperpénticos de Anonymous, actualmente la única organización antisistema que opera desde el fácil anonimato que provee el internet.

 

It’s really hard to find a film so influential to the young people,   as V for Vendetta, by  Wachowski’s Brothers, based on the comic of the same name by Alan Moore. Influential in terms of the speed with which its volatile revolutionary flame ignites the marginalized and unhappy spirits of the young ones in the five continents. The comic and the film follows similar steps, in which an anarchist and anti-authoritarian message its shown, supported with other not very noble causes, such as the existence of the UK’s its the exclusive fault of the “totalitarian” England, the country wich its the traditional enemy of all the free peoples on  Earth, but especially for Scotland, Wales and Ireland, and England itself. The nature of V-character, which is both a mix of leftist intellectual with martial arts fighter, with bizarre phrases and romantic quotes, makes his way through enemies, who are none other than governments, police & authorities, or any other created to preserve the order against the “sacred” elixir called brute anarchism. The defense that make them different factions of protest, and the physical identification through the famous Guy Fawkes mask for the character of V, is based more on hormones and rebelliousness of youth, than in a real fight for individual and civil rights. That brings enjoyment to the left media and popular culture, the enemy always present, which are none other than governments, any kind of government, be it good, bad or evil, except the leftist government, which is above morally, intellectually and politically superior than the others. And it can be any government, leftist media cares anyhting  its that a democratically elected, if the goverment its some right-wing or social democratic, deserves no sympathy from that virginal mass called “the people”, which hits the streets to protest, because there is always something for to protest. V is  against a dictator and  a tyrant who does not hesitate to subdue and kill their opponents and rivals, but the young people understands that anyone in the Power  are the enemy, especially if that one in the top is a white heterosexual man, regardless of his political views. On the other hand, the film also makes exploration of feminism disguised by Eve Hammond character, a student and lover of  V himself. Eve recognizes only internal freedom, turning dramatically  her own  look  into a tomboy, a butch female to take arms, indoctrinating  to generations of girls, such as denying femininity ,  that actually its a right to all women in the world. The radical and epic  “revolutionary”,  in which the film and comics are presented, its for the outlaws, rebels, fanatics, violent, anti-establishment, the  only  cultural reference for their abuses and excesses, also  its  a way to hide and charismatic teaching his face, the most emblematic example of cowardice, very worthy of the greatest cowards in this world, like the ETA terrorists and murderers of the FARC, but particularly the grotesque party of geeks and hackers Anonymous, currently the only anti-establishment organization that operates from the easy anonymity that the internet provides.

agosto 21, 2011

Por favor, ¡Perdónenos! / Please, Forgive us!

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 4:33 pm

La Belle Verte (El Planeta Libre en Castellano) de Coline Serreau ,  es uno de esos  filmes que sirve para explicar el comportamiento progresista de los europeos en la actualidad: heredero directo de la estética hippie de los años 60, nos presenta un mundo “idílico” y “perfecto” que cree tener el derecho y la autonomía de criticar el nuestro y a nuestra historia. Venden a este mundo extraterrestre como el paraíso igualitarista ideal,  y a nuestra civilización (la occidental, que curioso que la extraterrestre protagonista del filme no aterrizara en Papua Nueva Guinea, en el Congo o en el Amazonas, sino , la Francia  del Siglo XX), como la atrasada y horrible réplica de todos los males posibles y existentes.  Aquí están presentes casi todas las correcciones políticas, aunque me da risa que se critique tanto al racismo desde el punto de viste de los extraterretres cuando todos ellos son blancos caucásicos.  La polémica sirve de lanza en ristre en esta producción, muy barata en todo: efectos, argumento, actuaciones e intención; y acaso acusa la leyenda de que fue prohibida en la Unión Europea y en Estados Unidos (lo cual sólo denosta el caracter victimista de la progresía en general) para enaltecer el épico carácter “revolucionario” del filme ( si es tan prohíbido, por qué cualquiera puede verlo en Youtube ( vaya ironía, se necesitan de los servidores gigantescos y para nada ambientales de Youtube para que cualquier progre ecologista pueda ver esto)). Esta producción llama la atención por su proselitismo descarado y estúpido, por sus bizarras y arquetípicas interpretaciones de la sociedad occidental ( a la que condenan en todo) , por su hippismo anacrónico y anquilosado y por su adoctrinamiento violento y para nada camuflado.  Sirve además , para entender la ideología y el pensamiento de los antisistema, estos recelosos profesionales de toda la cultura y la civilización occidental, que no escatiman a la hora de lanzar sus arengas llenas de intolerancia (como en el 15-M) e irrespeto.  El filme, como ya he dicho, legendario por su supuesta prohibición , carece de la más elemental cinematografía: la fotografía es pobre y mal editada; los ángulos de cámara , planos y para nada creativos; los diálogos, predecibles, sosos y cargados de proselitismo, pienso que ningún favor hace este filme para la mente progresista y el libre pensamiento.  Ese planeta bello y perfecto extraterrestre brilla por la ausencia de auténtico realismo, lo cual demuestra lo barato del filme, incluso a la hora de escoger las locaciones. El ecologismo se viste de correción política, y de autoridad moral aquí, los extraterrestres exhiben una arrogancia palatina al creerse moral e intelectualmente superiores a los seres humanos aún cuando ellos mismos son seres humanos, puestos en un contexto diferente: en un contexto idealista y para nada creíble. Sin duda ver este filme fue una pérdida de tiempo , no dice nada diferente a lo que gritan , muchas veces con violencia, todos los correctores políticos de nuestro tiempo, que creen que el mundo perfecto es aquel en el que no existen las diferencias.

La Belle Verte (Free Planet in spanish) by  Coline Serreau, its one of those films that helps to explain the anarchism and extreme liberal behavior of Europeans: this film its a  direct heir of the hippie aesthetic from 60’s, it shows a world of “idyllic” and “perfect” beings who believes that they  has the right and autonomy to criticize our own world  and our history. the film sells ​​this alien world as the ideal egalitarian paradise, and our civilization (the Western civilization, which its very curious that the film’s protagonist , the  alien doesnt  lands in Papua New Guinea, the Congo or the Amazon, she arrives in France in the Twentieth Century) as a backward and horrible source of all evils . Here are present almost all the political correctness, but it makes me laugh to criticize both the racism from the alien’s point of view,   when  they all are white Caucasians. The controversy serves as a lance in hand in this production, very cheap in everything: special effects, plot, action and intentions, and perhaps charged with the legend that was banned in the European Union and the United States (which would only insult the character of liberal’s and ecologist’s self-victimization  in general) to shows the epic “revolutionary” character of the film (if its so forbidden, why everybody can see it on Youtube (what such irony, this film need of huge  and not very  environmental servers from Youtube, for any Environmentalists and liberal  can see this)). This production is notable for its blatant and stupid politic proselytizing,  for their bizarre and archetypal interpretations of Western society (which they condemn in all) for their ossified and anachronistic hippie indoctrination, and violent and not at all disguised political correctness. It also serves to understand the ideology and thoughts of those   professionals haters of the whole culture and Western civilization,who doesnt restrains theirselves into their  full intolerance (as in the 15-M) and disrespect against who doesnt thinks in the strict same way as them. The film, as I said, hipotethic legendary for its “prohibition”, it lacks the most basic filmmaking: the picture is poor and badly edited; the  camera angles, planes and anything are lack  of creativeveness, even  in dialogues, very predictable, dull and full of proselytizing. I think that this film does a disservice to the liberal mind and free thought. This beautiful and perfect alien planet shines by the absence of genuine realism, which shows how cheap the film, even when they choosing locations for to film. Environmentalism Wears political correctness, and moral authority here, the aliens exhibit an arrogance to believe theirselves,  morally and intellectually superior to human beings, even when they themselves are human beings, placed in a different context: In an ideal context that are anything, except  credible. Definitely, to  see this film was a waste of time, says nothing different from what liberals they shout, often with violence, all political editors of our time, who believe that the perfect world is the one where everybody is equal to everybody.

agosto 1, 2011

Wall-E aquel robotcito tierno / Wall-E That cute little Robot

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 9:03 pm

Las primeras imágenes nos ofrecen un prolegómenos de lo que se verá en los minutos siguientes, en el filme entero: corrección política, feminismo, ecologismo descarado y anticapitalismo.No es una consigna del 15-M, no es unamanifestación de colectivos de izquiera en Europa, no es una protesta ecologista de greenpeace: es Wall-E y está a la vista de todos. Wall-E es  probablemente el filme animado de Disney con más sobrecarga de corrección política que he podido ver:  hipotético futuro de nuestra Tierra y nuestra humanidad, no sitúa en un planeta abarrotado de basura , despoblado y desprovisto de vida, en dónde el último sobreviviente es un compactador de basura robótico con mucha intención , tenacidad, pero sobre todo soledad. A este pequeño y conmovedor ser llega una robot del espacio, cuya búsqueda de vida se hace pobre en un mundo ocre con edificios hechos de cubos de basura compactada. Los primeros minutos de Wall-e son sorprendentes debido quizás a la evidente carencia de diálogos, puro arte  narrativo visual en dónde se explica por retazos el desastre ecológico planetario al que los ecologistas nos condenan desde hace más de un siglo. Por otro lado, el feminismo descarado y sin censura , encarnado en el personaje de Eve, es de lo más ofensivo para el espectador: Eve, es mucho más avanzada , inteligette, fuerte, poderosa e independiente que el sucio y contrahecho Wall-E cuyo único propósito es encontrar  una respuesta años de soledad estéril.  Por otro lado, Wall-E es torpe, pequeño, primitivo , una reliquia del pasado (que es como las feministas nos describen a los hombres en la actualidad), y dependiente emocianlmente, en este caso, de la vanguardista Eve.  El filme va más lejos en el adoctrinamiento severo al que someten a la población infantil: Colocan a los seres humanos como abotargados despojos inútiles , víctimas de su propia a fútil necesidad de comprar cosas en grande. El decisivo e incisivo desprecio hacia la industria, y el comercio son encarnados por la corporación BnL y su presidente, metáfora última que hace las delicias de los progresistas , al confirmar en el filme lo que tanto les dicen en otros medios: que los malos siempre son los empresarios y emprendedores, avatares últimos de la codicia. Wall-E es la prueba exquisita de lo que la corrección política ha hecho por la cultura pop, creo que no omite casi ninguna de sus consignas, excepto quizá , el racismo. Ese deseo innato deestos nuevos profetas, léase fanáticos ecologistas , de siempre pintar a la Tierra como víctima del hombre ( cuando la historia más bien ha probado lo contrario) , sumado  al lugar  en el que las feministas nos quieren poner a todos los hombres (como basura) , nos da un producto digno de elogio, por el cuidadoso y evidente desprecio hacia los logros humanos ( en última instancia, son las máquinas las que salvan a una humanidad fofa y hedónica) , metáfora última de que son los trabajadores (quién dijo que Disney no era de izquierdas) , han de salvar al mundo de esos voraces y desalmados empresarios. Wall-E  obedece así mismo a muchas metáforas, en particular con su relación con Eve: los hombres recogemos deshechos, somos productos de la  tierra sucia , mientras que las mujeres (Eve) , son bellas, poderosas  y perfectas creaciones que vuelan libres.

The first image give us a foreshadowing of what it will be seen within minutes, and  in the entire film: political correctness, feminism, environmentalism is a blatant and anti-capitalism. It is not a  15-M  slogan, it  is not aprotest  of comunist groups from  Europe, it  is not an environmentalist Greenpeace’s protest: it is Wall-E , the film. Wall-E is probably the Disney animated film with more overhead of political correctness that i ever  seen: an hypothetical future of our Earth and our mankind, now located in a crowded world of garbage, depopulated and devoid of life, where the last survivor is a robotic trash compactor with great intentions, perseverance, and above all, loneliness. This little  robot, moving along in the planet, whose pursuit of life is poor in a world with ocher buildings made of compacted trash cubes. The first minutes of Wall-e shows many surprises,  perhaps because of the apparent lack of dialogue, and pure visual narrative art where   planetary ecological disaster that environmentalists condemn us for over a century can be explained by some escenes. On the other hand, the bold and uncensored feminism, embodied in the character of Eve, is the most offensive one to the viewer: Eve is much more advanced, smart, strong, powerful and independent than the dirty and misshapen Wall-E which sole purpose is to find an answer in the  sterile world. On the contrary,  Wall-E is awkward, small, primitive, a relic of the past (which is how feminists  describe us, men, today), and emotinally dependant , in this case, the avant-garde Eve. The film goes further in that undergo severe indoctrination to children: putting human beings as useless offal bloated, victims of their own need to buy a futile things in large scales. The decisive and incisive contempt for the industry and commerce are  embodied by the BnL corporation and its president, last metaphor that has makes joy to the liberals, confirming with the film so much, what others  says  in public  media: the evil one always are a businessmen and entrepreneurs, the ultimate  avatars of greed. Wall-E is exquisite proof of what political correctness has done for pop culture, I think that they dont omits almost anynone of their slogans, except perhaps racism. That innate desire of this  new prophets (liberals , feminists and ecologists),  aka environmental zealots, that always paint the Earth as a victim of man (when history has proved rather the opposite), plus the place where feminists want us to put all men (as garbage), gives us a product worthy of praise for the careful and obvious contempt for human achievements (in last  instance, are the machines that save  soft and hedonistic mankind), last metaphor that they are workers (who said that Disney was not comunists), must save the world from those greedy and ruthless moguls. Wall-E is due likewise to many metaphors, particularly his relationship with Eve: the men collect waste, products of the land are dirty, less , primtive, brutes; while women (Eve), are beautiful, powerful and so smart and skillfull.

julio 26, 2011

Comunicación Interdimensional del Elefante / Interdimensional Elephant Speaker

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 10:02 pm

Horton y el Mundo de los quién pasará a la historia como un filme desapercibido de  Auténtica Ciencia Ficción Infantil. Este género , que durante años estuvo apresado por los tebeos animados e incluso el comic ligero , otorga una nueva perspectiva y una propuesta para un terreno no explotado: La Ciencia Ficción Infantil. Habrá quiénes cuestiones mi determinación de sugerir y nombrar a este filme como de Ciencia Ficción, pero toda la historia gira en torno a suposiciones y a una comunicación entre universos, uno contenido dentro del otro. Basado en la teoría del Universo Interior o Co-Universo , muy popular entre los herederos de  Hawking,  Un elefante torpe, pero bondadoso y tenaz, encuentra  toda una civilización en una partícula de un trébol en su selva hogar, lo cual supone una ulterior enseñanza: podreis encontrar universos contenidos en dónde sea. Con mucho humor, con una exposición visual honesta y hasta didáctica,  Horton se empeña en una cruzada personal por salvar este minúsculo mundo del que sólo él sabe , debido a que es el único que puede escuchar los débiles sonidos que de él provienen ( Horton es una metáfora orgánica de lo que hace la Radiostronomía en la actualidad).  Por otro lado, el segundo filme ocurre en el mundillo de los Quién, seres rápidos y prácticos los cuáles son intraterrestres bastante graciosos que tiene una civilización mucho más avanzada que la tosca y abundante  Jungla de Horton. El mundo de los Quién destaca por su diseño , fiel a tradiciones gráficas como las del propio Tim Burton en Nightmare Before Christmas , o Brian Froud: estilos curvilineos, arquitecturas imposibles, en los más finos detalles  como utensilios de cocina, mobiliario de oficina e incluso , obras civiles y espacios públicos, se parecia un notable desarrollo del Art Noveau de principios de siglo XX, con una sofisticación y coloridos muy propia de la imaginación de un Mimo parísino (No es una casualidad la sobre exagerada expresividad de los Quién) . La animación, mucho más fluida en el mundo de los Quién, revela su extraña naturaleza  hacia la exageración en términos de cantidad, proporción y espacios temporales, por lo que se antoja a partir de ellos, que el mundo de los quién tiene un arco  espacio temporal muy distinto al mundo de Horton. Por otro lado, los mensajes dedicados a la entereza y cordura  de  Horton , cuestionada entre otras cosas por una mamá cangura dominante y manipuladora, constituyen un llamado honesto a reavivar la imaginación infantil y a cumplir los sueños de la infancia ( en el caso de Jo-Jo el 98 hijo del Alcalde de Villa Quién). Una gran obra cinematográfica, divertida y fácil de entender, recomendable para todos.

Dr. Seuss hears a Who! will go down in history as an authentic Science Fiction Film for Kids. This genre, which for years was arrested by the animated comics and even  light media , it gives a new perspective and a proposal for an undeveloped land: Children’s Science Fiction. Some may question my determination for to  suggest and name this film as science fiction, but the whole story spins around  assumptions  and communication between universes, one contained inside the other. Based on the theory of the inner-universe or Co-Universe , thats very popular among  of  the Hawking’s heirs, a clumsy elephant, but determined  and tenaciousm, hears   an entire civilization in a particle of a shamrock on his home forest, which is a further lesson: universes can be find  wherever. With much humor,an  honestly  visual display , Horton is determined to his  personal crusade to save the tiny world that only he knows, because he is the only one who can hear the faint sounds coming from it (Horton an organic metaphor of what the Radio-astronomy does today). On the other hand, the second film takes place in the world of Who ones, rapid and practical beings which are quite funny intraterrestrials, and they has a civilization much more advanced than the coarse and abundant Jungle where Horton. lives.  The world of Who stands out for its design, graphic and true to the traditions of  Tim Burton’s Nightmare Before Christmas, or Brian Froud, curve shapes style, impossible architecture and buildings, and in the finer details such as utensils, kitchen, office furniture and even civil works and public spaces, they seemed a remarkable development of Art Nouveau of the early twentieth century, with a sophistication and very typical of the colorful imagination of a mime in Paris (its not a casuality that the Who ones be so expressive in their movements and gestures). The animation, much more fluid in the   Who world, reveals their strange nature toward exaggeration in terms of mass, proportion and temporary spaces,  in conclussion,  that world show and  has an alternative arc spac, e very different in matter of time from  world of Horton. On the other hand, there is  so many messages dedicated to Horton’s integrity and mental situation, among other things questioned by a dominant and manipulative mother kangaroo, the message its  an honest call to revive the children’s imaginations and fulfill their childhood’s dreams  (incarnated  in Jo- Jo, 98th son of the  of Villa Who’s Mayor ). A great film work, fun and easy to understand, recommended for everyone.

junio 16, 2011

Nuevo aire para un clasico / New Air to a great classic book

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 8:55 pm

 

Tropas del espacio es una de esas novelas que hace la ciencia ficción literaria, no precisamente por estar cronológicamente ubicada en la célebre Edad de Oro (1950- 1970) de la ciencia ficción , sino por que hizo posible un sub género que derivaría en cliché a lo largo de la ciencia ficción en general y de la cultura pop en particular: la formación militar del cadete espacial. El autor Robert Heinlen es ahora despreciado  por las ideas que plasma en su libro, no muy diferente a lo que hacía el filósofo griego Platón para con la formación  militar de los soldados espartanos , no sólo por los fanáticos de la ciencia ficción, sino por la cultura popular contemporánea; de su libro se han realizado 3 filmes:  el primero con toda la superproducción de Hollywood , el segundo enmarcado en el puúblico de televisión paga y el tercero en tebeos animados por 3-d. Todos un completo fracaso , por no mencionar la falta de respeto para con la historia, los personajes, y los escenarios presentados por Heinlen. Heinlen no sólo tiene el mérito de acercar la ciencia ficción al público en general, con un lenguaje sencillo y una prosa inspiradora, sino además infunde de carisma y valor a aquellos jóvenes que desean la honrosa y gratificante carrera  militar como su forma de vida. Heinlen además es un hito de la ciencia ficción, al tomarse el trabajo de  acaparar la atención en cuanto a los usos , las normas y los procedimientos castrenses, en un contexto futurista que todavía sigue siendo probable. La armadura de combate dinámico es su invencion, y serviría de inspiración para generaciones de filmes de acción que ven en las limitaciones del cuerpo humano un obstáculo para la épica del combate cuerpo a cuerpo, además de otras consideraciones e innovaciones militares que no pasan desapercibidos aún para el lector no muy entendido en las artes castrenses.  El filme de Paul Verhoeven desprecia todo esto para tratar al espectador como un verdadero idiota: si su intención era presentar una historia fresca , sencilla y sin mayores complicaciones, todo lo que tenía  que tenía que haber hecho era ceñirse al libro , Heinlen ya había hecho todo el trabajo. El director va todavía más lejos en su ofensa al trabajo de Heinlen, imbuído por el adoctrinamiento feminista imperante y descarado de los años 90 , coloca a las mujeres en el ejército, al mismo nivel, en la misma barraca que los célebres héroes , los cuelliduros de Rasczak, la tropa élite en la que el protagonista termina  tras mucho entrenamiento , no sólo físico, sino también mental, con lo cuál sólo demuestra su total ignorancia para con las instituciones y normas militares, ¿cómo le dieron la adaptación del libro a este hombre?. Jhonnie Rico es un gran héroe y protagonista por excelencia; no es héroe por su servicio y por su coraje en el ejército, sino héroe por haber logrado salir de una evidente inmadurez adolescente para convertirse en un hombre de bien, defensor de su nación, de las libertades civiles y democráticas , de las instituciones, y por sobre todo, de la familia. Eso, en nuestro contexto está lejos de ser un héroe, por aquella progresía antimilitarista ( en la cual encaja el propioVerhoeven). Ahí reside el valor de la obra de Heinlen, eso y en que su legado dentro de la ciencia ficción todavía es digno de admiración.  Se le ha criticado por militarista, fascista y racista , cuando lo único que ha hecho es homenajear a los héroes de su nación a través de la literatura.

 

Starship Troopers is one of those novels that makes the science fiction genre, not just because it chronologically located in the famous Golden Age (1950 – 1970) of science fiction, because it made possible a sub genre that derived in an archetype along the general science fiction and pop culture: the space cadet’s military training. Author Robert Heinlen is now despised by the ideas embodied in his book, not very unlike what the Greek philosopher Plato did for the military training of Spartan soldiers, not only for fans of science fiction, but the contemporary popular culture; from his book has made 3 films: the first with all the Hollywood blockbuster, the second framed in the  PPV television and the third made it in 3-d animation. All of them was a complete failure, not to mention the lack of respect for the story, characters and scenarios presented by Heinlen. Heinlen not only has the merit of bringing science fiction to the general public in simple language and inspiring prose, but also infused with charisma and courage to those young boys who wish the honorable and rewarding military career as a way of life. Heinlen is also a landmark of science fiction, taking the trouble to capture the attention in terms of uses, military rules and procedures in a future context that is still be very possible. The Dynamic combat armor is his invention, and serve to inspire generations of action films who see the limitations of the human body  to the epic melee combat, and other military considerations and innovations does not go unnoticed even for the reader not very knowledgeable in the military arts. Paul Verhoeven’s film despises all this to treat the viewer like an idiot, if his intention was to present a fresh story, simply and without further complications, all what he  should have done was stick to the book,  Heinlen did all the work. The director goes further in his offense to Heinlen’s book , imbued with the prevailing feminist indoctrination and brazen of the 90’s, puts women in the military at the same level in the same barracks that celebrated heroes, Rasczak’s Roughneck , the elite troops which the protagonist ends after much training, not only physical but also mental, with which he (Verhoeven) just shows his total ignorance to the institutions and military standards,  who gives  the adaptation of the book to this man?. Jhonnie Rico is a great hero and star par excellence: he  is noy a  hero for his service and his courage in the military, he is  a hero for having succeeded in leaving an obvious immature teenagering behavior to become into a good man, a defender of his nation, civil freedom and democratic institutions, and above all, family. That, in our context is far from being a hero, anti-militarist liberals  (in which fits Verhoeven himself). Therein lies the value of the Heinlen’s work , that and his legacy in science fiction is still impressive. He has been criticized for to be a  militarist, fascist and racist when what all he has done is to homage the heroes of their nation through literature.

junio 11, 2011

EL Titiritero Final – Tercera Parte. / The Ultimate Puppeteer – Stage Three.

Filed under: Cine,General — halsivon @ 9:34 pm

Amas de Casa Desesperantes. /  The maddening housewives.

¿Qué es un ama de casa deseperada? no me refiero acaso a la popular serie giri refiriéndose a aquellas mujeres maduras deseosas de la independencia en pleno estado de menopausia. Me refiero a caso al célebre libro de Ira Irvin, The Stepford Wives del cual se han realizado dos adaptaciones cinematrográficas, con 30 años de diferencia. Las 3 decadas de diferencia son escenciales para entender el por qué, a pesar del hecho de que ambos filmes, el de 1975 y el de 2006, narran exactamente la misma cosa, son tan difernets entre sí, siendo el primero un filme de terror clásico con tintes de serie B, y el segundo, una comedia negra barata con imbuida de populismo feminista. Escudriñando aún más en la realización del filme de 2006 nos encotramos al creador de la rana rené , el Titiritero Final Frank Oz, dirigiendo esta versión que pasó sin pena ni gloria por los cines. Eso es una suerte.  La versión moderna posee algo que no tenía la versión de 1975: 30 años de adoctrinamiento feminista en la cultura pop, es por ello, que el filme a duras penas se presenta como una comedia.  hay varias consideraciones a mencionar, la primera, es la aparante ambigüedad del filme: Johanna Eberhart es una “exitosa” ejecutiva de televisión, a quiénes sus propios hijos detestan, y su propio esposo ,  dócil y en general honesto, intenta sacar de sus crisis de nervios, por lo que toda la familia termina en un idílico pueblo llamado Stepford. Hastaahí el argumento que sigue una extraña coherencia progresista, el pueblo mismo es visto como una arbitrariedad, un contrahecho, un absurdo en unos Estados Unidos que se precia de tener las leyes más liberales del Planeta. ¿por qué un absurdo el pueblo Stepford? Por que , aparentemente en la sociedad moderna y civilizada norteamericana  no ocurre como en el resto del mundo, en donde los hombres van a l trabajo, consiguen los recursos, protegen a su familia, y las mujeres se quedan en casa, limpian, cocinan y atienden los niños. ¡Todo un paradigma de la modernidad! Se les denomina culturas atrasadas a aquellas que siguen el anterior modelo, de ahí a que el adoctrinamiento feminista al que me refiero sea tan profundo: al occidental que va al cine le parece este pueblo un ridículo. Por otro lado están los propios argumentos del feminismo expuesto en el filme: hombres patéticos, mujeres muy capaces, las cuáles han de ser controladas, de otro modo, alguno de los dos será infelíz. No hay más mensaje que este. Frank Oz, peca de progresista al imaginarse que todos los hombres son como los pusilánimes hombres de Stepford, y todas las mujeres son las exitosas ejecutivas puedelotodo. Pero ahí no termina la polémica. El aparente desprecio con el que el director se mofa del pensamiento y la condición masculina ( que es la suya propia) , es contrastado con un hecho para más singular: la idea de Stepford no fue creada por un hombre, ¡sino por una mujer!. Al final el director se rinde ante el pensamiento feminista , no sin antes colocar una minúscula dosis de igualdad, permitiendo que Walter ( el esposo de Johanna) , salve toda la situación, en nombre de los “valores” de los que se enorgullece la cultura norteamericana.  El filme deja varias enseñanzas ulteriores: la primera, la experiencia de Oz como titiritero va más allá del filme, manipulando al espectador y creando polémica acerca de la mal llamada guerra de los sexos; No existe una sola pareja que salga de ver Stepford Wives que no cree este clima de polémica , donde antes no existía. El segundo, las mujeres como marionetas de unos hombres déspotas y miserables ( aquí está el fuerte contenido feminista),como si todos los hombres fuésemos así ( la obvia excepción es la del tísico y obediente Walter, con lo cual el director desprecia muchos valores masculinos) y el hecho de que el Éxito profesional no da la felicidad en el caso de las mujeres.

What is a desperate housewife? I do not mean anything to the popular TV series,   referring to those mature women wanting full independence in the menopausal status. I mean if the famous Ira Irvin’s book , The Stepford Wives which there have been two film  adaptations , with 30 years each other. The 3 decades of difference are essential to understand why, despite the fact that both films, the 1975’s one  and 2006’s one, tells exactly the same thing, are so differents each other: the first ona its  a classic horror film, and the second one , a black comedy imbued with cheap  feminist propaganda. Digging deeper into the making of the 2006’s film,  we  will find  to the creator of Kermit the Frog, the Final Puppeteer Frank Oz, directing this version that it went unnoticed by the general media. That is a great luck. The modern version has something that has not the 1975’s version: 30 years of feminist indoctrination into the pop culture, which is why that the film hardly appears as a comedy. There are several considerations to mention, the first one,  its the ambiguity of the film: Johanna Eberhart is a “successful” television’s executive, who is hated by their own children, and beloved by her own husband, the docile and generally honest Walter, who tries to get out from her crisis nerve, so that the whole family ends up in an idyllic town called Stepford. Until here the argument follows an  strange liberal path, the town itself its seen as arbitrary, a counterfeit, an absurdity in an America that prides itself on having the most liberal laws  and beliefs on the planet. Why Stepford Town looks so absurd? Because, apparently in the American modern and civilized society does not occur as in the rest of the world, where men goes to work, manage resources, protect his family, and women stay in home, she cleans, she cook and raise children. A whole paradigm of modernity! This kind of secnarios its been called backward cultures , those ones that  doesnt follows the  feminist indoctrination, that its inside so deeper on our culture: the West people who  is going to see this movie uses to thinks that Stepford people are  a ridiculous people. Then there are the principal topics of feminism exhibited in the film: pathetic men, women that are very skillfull and capable, then they must be controlled, otherwise, one of the two will be unhappy. No more message than this. Frank Oz  suffers from the liberal propaganda, for  to imagine that all men are like the Stepford’s cowardly men, and all women are successful overpowered CEO or executive. But that does not end the controversy. The apparent contempt with which the director mocks the thought any male condition (which its his own condition), is contrasted with a fact  more singular: the idea of ​​Stepford was not created by a man, it was created  by a woman! . In the end the director surrenders to feminist thought and ideas, but not before placing a tiny dose of equality, allowing Walter (Johanna’s husband), to save the whole situation, on behalf and the good of the  “values” of the american culture. The film leaves many further lessons: first, the experience as a puppeteer Oz goes beyond the film, manipulating the viewer and creating controversy on the so-called war of the sexes, there is not one couple who comes to see that Stepford Wives doesnt ends in  this climate of controversy where none existed before. Second, women as puppets of despots and miserable meaninig men (there is the strong feminist content), as if all men were like that (the obvious exception is the consumptive and obedient Walter, whereupon the director rejects many masculine values ) and the fact that professional success does not bring happiness in the case of women.

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