La Máquina a Tiempo

mayo 24, 2011

La Visión del Dragón / The Vision of the Dragon

Filed under: Ciencia Ficción,Cine,Manga y Anime — halsivon @ 7:54 pm

En los años noventa, cuando el mundo comenzó a asimilar y a acoplar el manga y el anime a la cultura pop occdental, el Otaku promedio se debatía entre series y mangas apasionantes, dignos de recuerdo como evangelión, el cuál no sólo se presentó dentro de la variante alternativa de animación del mítico y ahora desaparacido canal de Televisión paga, Locomotion, sino que además vino con polémica incluída, al presentar por primera vez un sórdido tema inequívocamente religioso a nuestra sociedad, que por ese entonces presentaba una lozana estupidez en cuanto a animación se refiere ni qué decir de  los tebeos. Por aquella época , los Otakus definían su identidad basada en el tipo de manga, quiénes gustaban de Evangelion, eran una institución propia, y veían , curiosamente, en La Visión de Escaflowne , la competencia desde el Shoujo (manga para chicas) , a Evangelion desde el Shonen (manga para chicos) . Los seguidores  estaban equivocados en sus comparaciones que encendían acalorados debates en las neo con  aquí en Europa o en Estados Unidos, ni Evangelion era shonen, ni Escaflowne era Shoujo, pero ahí no terminarían las osadas comparaciones, ni los errores en las mismas. Para empezar, la visión de Escaflowne, no empezó con un manga exitoso que saltó a la animación, más bien fue a la inversa, y segundo, La visión de Escaflowne no es una serie, es un filme de 10 horas y media. Esto es relevante a la hora de enfrentar y entender a los personajes, los escenarios y por sobre todo , la mística de Escaflowne, si acaso, aparte de la música, lo  más inquietante e importante que mostrar del mismo. Es más, Escaflowne es hasta el día de hoy, revolucionario en cuanto a varias cosas, como el diseño de personajes, el dibujo y la coloración de las texturas. Por otro lado, el importante papel de la música ,  inherente y pertinente a la hora de generar la épica en las escenas presentadas,  es especial: escaflowne es un sentido homenaje a varias tradiciones de la cultura occidental, partiendo desde el barroco, pasando por el neoclasicismo y el romanticismo, e incluso el modernismo (La Ciudad de Zaibach), en cuanto a la arquitectura, los vestuarios y la música, que ayuda a dar énfasis y atmósfera a las sencillas pero dramáticas secuencias de combate y acción. La música está emotivamente realizada por una orquesta sinfónica, bastante lejos de los sintetizadores caseros que acompañan importantes trabajos , como por ejemplo el mismo Evangelion o Akira.  Por otro lado, el sentido clásico que los realizadores le otorgan al mundo de Gaia , en el cual se desenvuelve la trama, la intriga y el aristocrático manejo de la nobleza ayudan a una historia , que es romántica en parte, pero si en Evangelion el mensaje ulterior era la Psique y el Yo, en escaflowne es el destino y la suerte. Toda la historia gira en torno a esto , y al papel de Hitomi, la protagonista , que desde el principio es la primera ajena y extranjera a todos los acontecimientos, mas sin embargo termina cambiando literalemente el sino de todos los protagonistas, en parte por sus caprichos amorosos. Insisto , y esto me ha valido más de una bronca, en que el peor desatino de Escaflowne es Van Fanel, el protagonista. El chico es un personaje muy mal logrado, plano, vacío, sin propósito, mal diseñado, un tosco rebelde al que le imputan el ser Rey, que es un enchufado y no le llega ni a los talones a su Rival por el amor de Hitomi, Allen Shezar, ni que decir del villano principal, Folken Fanel. Folken es El Villano por excelencia: carismático, calculador, concentrado, imponente y Tenaz. Es tan villano a la serie como lo es al propósito de la misma: no cree en la suerte ni el destino y se revela contra ellos, bastante apartado de los otros dos villanos de la serie, Lord Dornkirk y el pusilánime y cruel Dilandou. Dilandou es en sí mismo el personaje más interesante de todo Escaflowne, entre otras razones por que su verdadera naturaleza no se revela sino hasta el final, y cuando el espectador ya tiene sobre él un odio acumulado, más sin embargo, es la metáfora perfecta de lo que el feminismo puede hacer con una tierna y dulce mujer: La convierte en un mosntruo sediento de venganza y lleno de odio, toda una lección para la moral convencional de occidente, que por los noventas ya estaba empezando a virar hacia otros lados. En cuanto a los paladines, Allen es a mi parecer, el verdadero campeón de la serie: Van nunca fue rival para él, y al final, uno de los peores finales que he prescenciado, el amor confesado por Van a Hitomi suena hueco e impuesto, de la misma manera , la realización de Hitomi de sus verdaeros sentimientos. Hitomi es una heroína decente, nunca me gustó su diseño poco femenino , se supone que es una atleta, pero eso no es un argumento a favor de su pobre diseño, que curiosamente , contrasta fuertemente con los de su Rival, la caprichosa y enamoradiza Millerna ( la cual a su vez, no es rival para su hermana, el verdadero amor de Allen). Por otro lado , Hitomi posee el carisma del que Van , y la misma Merle, carecen, y una inocencia en todas las materias que la llevan a cometer errores que son los que en definitiva dan estructura a Escaflowne. Por último, aquellos Otakus nostálgicos olvidan o ignoran algo de Escaflowne, es un Steam Punk, el primero y más pionero , mucho antes de que el manga se tiñera de célebres pero cutres series como Full Metal Alchemist. La gente habla de los espectaculares mechas de escaflowne, pero olvidan que estos no son Mechas, son armaduras gigantes mecanizadas, todo un logro de diseño y creatividad que está lejos en recursos, en dibujos y en texturas de los brazos y prótesis mecánicas de Alchemist. La serie presenta un formato en el que cada capítulo, tiene una carta del tarot diferente, y esto obedece a un motivo muy profundo, pero sólo accesible para alguien versado en tales temas: el órden de las cartas y su presentación, revelan una lectura posterior, acerca de un sino oculto, el del espectador , pero esa , es otra historia.

In the nineties, when the world it began to assimilate and engage the manga and anime to western pop culture, the average Otaku torn between great and exciting Tv series, like Neon Genesis Evangelion, which it be showed within the alternative animation  of the legendary and now vanished pay TV channel, Locomotion, but also included controversial topics, introducing a sordid religious theme  in our innocent society, which by then had a stupid  animated Tv series  and comics. At that time, the Otakus defined their own identity based on the type of manga: the ones who liked Evangelion, were a separate institution, and the saw, curiously, in The Vision of Escaflowne, the competition from the Shoujo (manga for girls), to Evangelion for the Shonen (manga for boys). The fans were wrong in their comparisons, they  ignited the debate in the neo con,  here in Europe or the United States:  Evangelion was  not shonen, and  Escaflowne was not Shoujo, but that would not end the bold comparisons, and the end of the mistakes. To start, the vision of Escaflowne, did not begin with a shot to successful manga converted into animation, it was rather the opposite, and second, Vision of Escaflowne is a not a series, is a 10 hours film. This is relevant when it comes to face and to understand the characters, scenarios and above all, the mystique of Escaflowne; begining with the music, the most disturbing and important to show it, inside the film itself. Moreover, Escaflowne is up today, revolutionary in terms of various things such as character’s design, drawing and coloring of the textures. The important role of music has inherent relevance in generating the epic scenes that be showed: Escaflowne is a tribute to various traditions of Western culture, starting from the Baroque, through the classical and romance, and even modernism (Zaibach City and their soviet-ucranian look), in terms of architecture, costumes and music, which it helps to emphasize the atmosphere and simple but dramatic fight sequences and action. The music is movingly performed by a symphony orchestra, far from home synthesizers that accompany important works, such as  Evangelion or Akira. On the other hand, the classical sense that the filmmakers give the world of Gaia, in which it operates the entire  history, where intrigue and aristocratic nobility  helps a plot, which is romantic in part; but if in Evangelion the further message was the Psyche and the Self perspective,  in escaflowne is the fate and the luck. The whole story revolves around this, and the role of Hitomi, the protagonist, who from the beginning is the first strange and foreigner to all events, but she  ends up literally changing the fate of all those involved, in part because their amorous whims. Again, and this  brings me more a lot of upset people, where the worst blunder of Escaflowne is Van Fanel, the protagonist. The boy is a very poorly managed, flat, empty, purposeless, poorly designed, a crude  rebel against everything, becoming king, who is plugged in and not even match of his rival for the Hitomi’s love: Allen Shezzar, not to mention the main villain, Folken Fanel. Folken is the villain par excellence: charismatic, calculating, focused, imposing and tenacious. He is even the villain of the series purpose itself: he does not believe in fate and destiny and he rebels against them, quite apart from the other two villains of the series, Lord Dornkirk and pusillanimous and Mean Dilandou. Dilandou is himself the most interesting character of all Escaflowne; among other reasons because its true nature is not revealed until the end, and aWhen the viewer already has on him an accumulated  hatred  , is the perfect metaphor what feminism can do with a tender and sweet woman: makes her a monster bent on revenge and hateful, a lesson to the conventional morality and political correctness of the West, that by the nineties and was beginning to turn to other side.  Allen Shezzar is in my opinion, the true champion of the series: Van were never a match for him, and finally, his poorly , confessed love to  Hitomi sounds hollow and tax, Similarly, the performance of their true Hitomi’s  feelings. Hitomi is a decent female hero. I never liked her  design, lesser feminine, is supposed to be an athlete, but that is not an argument for her poor design, which incidentally, in stark contrast to her  rival, the whimsical and amorous Millerna (which in turn, she  is no match for her sister). On the other hand, Hitomi has the charisma that Van, and the same Merle, they  lacks, and an innocence in all matters that lead to mistakes that are ultimately give structure to Escaflowne. Finally, those nostalgic Otakus forget or ignore some of Escaflowne: its a Steam Punk, the first and most pioneering, long before the unfamous but crappy series like Full Metal Alchemist. People talk about the spectacular robots of Escaflowne, but forget that these are not robots, they  are giant mechanized armors, a whole achievement from  design and creativity that is far in resources, designs and textures of mechanical prosthetic arms from Full Metal  Alchemist. The series features a format where each chapter has a different tarot card, and this follows a very deep reason, but only accessible to somebody versed in that such matters: the order of the cards and presentation, reveals a  further reading , about a hidden but the viewer, but that is another story.

abril 23, 2011

La Búsqueda del Dorado / The search of the Golden Boy

Filed under: Comic,Manga y Anime — halsivon @ 4:26 pm

Una vez, uno de mis Maestros, el colombiano Angel Marcel, describió el “Arte poética” como el homenaje, desde la poesía, a la poesía misma: era el sutil uso del lenguaje de las palabras, toda una lírica pictórica en la cual el poeta daba gracias a su razón de vida, y su ulterior forma de vida y sustento. Citando esta definición, en el mundo del manga y del anime son realmente pocas las alusiones que se hacen al trabajo del mangaka, aquel creador de  tebeos (tradicionalmente a blanco y negro, y que se leen a la inversa de los tebeos occidentales), y un sentido y conmovedor ( e incluso cómico) homenaje a su trabajo, como lo ha hecho Golden Boy. Golden Boy es una serie  muy corta, el manga consta de tan sólo 10 volúmenes , y la serie animada tan sólo de 6 capítulos, pero el mensaje es claro: nunca , nuca subestimes a los hombres. Por otro lado , el evidente homenaje que se hace a las artes gráficas y visuales japonesas , único en su tipo hasta el momento , refleja la condición masculina de un arte que no pasa desapercibido desde su tímido comienzos con Osamu Tezuka, quién quería emular al ratón Miguelito de Disney con su Astro Boy. El manga es el tebeo más prestigioso ( o lo fue) del universo del comic, y ha contemplado un sin fi de géneros y variantes a lo largo de la historia, y se precia de abordar casi todas las temáticas humanas ( y aveces no humanas) ; Golden Boy no es nada de eso, un irreverente y positivista Tío de 25 años, del cual sólo se sabe su historia al principio de cada episodio, intenta ganarse la vida aprendiendo. Suena ilógico, ya que nosotros adquirimos el conocimiento para ganarnos la vida y no a la inversa, pero es que ahí reside precisamente la peculiaridad de este personaje, el cual es estar por encima de las circunstancias a pesar de que no lo parezca. En su camino , cual vagabundo errante, se encuentra con muchas mujeres , muy atractivas ellas, que se caracterizan  más que por su físico, por su impertinente arrogancia. Y él, de corazón sencillo, bondadoso, pero tenaz, termina conmoviendo e incluso inspirando amor. Debo reconocer en nombre de la ecuanimidad, que aplicar los criterios y los conceptos de feminismo y progresismo a la cultura nipona es un error, en el sentido en el que para empezar, Japón no es una cultura occidental. Por este mismo motivo, y a pesar de que se identifican ciertos visos de lo que en occidente se puede llamar feminismo (como esas mujeres guerreras super poderosas que hacen las delicias de la comunidad otaku de ambos sexos) , no es aplicable al cien por cien. Lo mismo pasa con Golden Boy, es inútil hablar del sobredimensionado feminismo de algunas de sus protagonistas ( a las que Kintaro, el protagonista, termina domesticando) , cuando la realidad se basa en que precisamente , no sabemos nada del personaje principal, ni cuáles son todas sus cualidades, obviando por supuesto su Honestidad , integridad, caballerosidad , condición física, laboriosidad, y cándido, pero tenaz, optimismo.  No es de extrañar que al final de la serie, todas salgan a por él a fin de ganar lo que jamás pudieron con dinero o atractivo: Su corazón. Pertinente al final, es uno de los mejores finales de serie que he podido presenciar en el universo del manga: Una recopilación de personajes e historias que dan con un fin común, que no es otro que el de mostrar, de manera casi didáctica, cómo se hace un manga y a de otorgarle protagonismo a quiénes están detrás de ellos, que en la mayoría de ocasiones son sólo un nombre sin rostro. Y es ahí cuando la historia se vuelve más honesta: por que el mangaka no oculta lo artesanal y a veces precario de sus condiciones de trabajo, por el contrario, las enaltece y siente orgullo de las mismas , por que eso precisamente convirtió al manga en más que un referente cultural japonés: sin los recursos ni la tecnología de occidente, crear toda una estética , y una historia muy superiores, y no siempre para niños.

Once ,one of my teachers, The Colombian Poet’s Angel Marcel described the “Poetic Art” as a tribute, from poetry, the poetry itself: it was the subtle use of language of words, a whole lyrical painting in which the poet thanked her reason for living, and the subsequent lifestyle and livelihood. Citing this definition, in the world of manga and anime are really few allusions made to the work of manga, comics creator that (traditionally black and white and read in the reverse of Western comics), and one direction and moving (and even funny) tribute to their work, as  Golden Boy. Golden Boy its a very short series, the manga has only 10 volumes, and the only animated series in 6 chapters, but the message is clear: never, underestimate men. On the other hand, it is obvious homage to Japanese graphic and visual arts, unique in its kind until now, reflecting the male position of an art, not lost since its timid beginnings Osamu Tezuka, who emulate the  Disney’s Mickey with his Astro Boy.The manga is the most prestigious comic book (or was) in the universe of the comic, and has seen countless  genres and variations throughout history, and boasts of addressing almost all human subjects (and sometimes nonhuman); Golden Boy is not that, a positivist irreverent 25 years old Boy, which only knows his story at the beginning of each episode, trying to make a life learning. It sounds counterintuitive, since we acquired the knowledge to make a life and not vice versa, but that there is precisely the peculiarity of this character, which is to rise above the circumstances even though it does not seem. On his way, which fugitive and a wanderer, with many women is very attractive these, which are characterized by physical rather than for their impertinent arrogance. And he, simple-hearted, gentle, but persistent, stirring and even inspiring ending love. I acknowledge on behalf of fairness, to apply the criteria and concepts of feminism and liberalism to Japan’s culture is a mistake, in the sense that to begin with, Japan it is not western culture. For the same reason, and despite that identify certain overtones of what might be called Western feminism (like those super powerful warrior women who delight in the otaku community of both sexes) is not applicable to one hundred percent. Same with Golden Boy, is useless to talk of oversized feminism of some of their players (Kintaro, the protagonist ends up taming those girls), when the reality is based on precisely, we know nothing of the character, or what all qualities, ignoring of course his honesty, integrity, sportsmanship, physical fitness, hard work, and candid, but tenacious optimism.  This makes that at endes, the women always falls for him,  no matters how money or sex-appeal they has, they cannot gain what they most wants: His heart. It is relevant in the end, is one of the best finals series that I have witnessed in the world of manga: A collection of characters and stories that give a common goal, which is none other than demonstrative, almost didactic, how is a manga, and of giving prominence to who is behind them, which in most cases are just a faceless name.And that’s where the story becomes more honest, because the mangaka does not hide the handmade and often precarious working conditions, by contrast, has lifted and is proud of them, because that just made the manga more a Japanese cultural reference, without the resources or technology from the West, creating an aesthetic and an upper story, and not always for children.

abril 13, 2011

Ponyo, Más de lo mismo / Ponyo, The same thing as usual

Filed under: Cine,Comic,Manga y Anime — halsivon @ 8:23 pm

Ponyo, el más reciente trabajo cinematográfico de Hayao Miyazaki, es para mi un resultado inevitable; con el riesgo de crispar a los admiradores per sé de Miyazaki, que le creen el Rey Midas de la animación, Ponyo salta al ruedo con un tedioso Miyazaki, del cual se ve a leguas que está agotando sus propias fórmulas. El filme no pudo ser más aburrido, ni siquiera la tan esperada “revisión” (parafraseando a mi colega “F” de MAcrocaos) del cuento La Pequeña Sirena, De Hans Christian Andressen, logra un efecto contundente dentro del espectador, ansioso por descubrir qué nuevas maravillas trae Miyazaki. Ese el problema, no trae nada nuevo: la misma animación viscosa de siempre, el mismo sino ecologista con el que Miyazaki condena tan gratuitamente a cualquiera que no sea él mismo, la misma historia cuya moraleja es crear conciencia, la cual no dura ni siquiera lo suficiente  a la hora de arrojar la basura al cuenco del reciclaje destinado para tal fin en el cine; las mismas secuencias que pretenden ser poéticas y que sólo brillan por la magia del ordenador, que no es magia en todo caso ( ni que decir de la magia Ponyo) . Si el ánimo era enternecer o conmover con la inocencia infantil , ¿para qué Ponyo si Miyazaki ya tiene un Totoro? Me temo que Miyazaki hace ya tiempo que llegó a su climax creativo, (Spirited Away) , y desde entonces no ha hecho más que descender. Pretende ser poético , pero aglutinar peces en desorden y animados por ordenador está lejos de eso; pretende ser ecolojetas, pero le invito a que vaya a cualquier sala de cine en donde se proyecten sus filmes y se percate de qué tan lejos llegan sus mensajes. Pretende liderar la animación japonesa, cuando los fanáticos otakus todavía claman por re-ediciones de series clásicas como Evangelion o Ghost in The Shell.  Un largo bostezo con pequeñas dosis de biología marina.

Ponyo, the most recent film work of Hayao Miyazaki, is to me a very predictable film;   recklessly going onto  enrage the eternal fans of Miyazaki, who be claimed  the King Midas of animation, Ponyo jumps into the ring with a tedious Miyazaki, which is a t is overrunning his own formulas. The film could not be more boring, even the long awaited “review” (to paraphrase my colleague “F ”  from Macrocaos blog)  folk story  Christian Andressen’s The Little Mermaid, achieves a telling effect in the audience, eager to discover what Miyazaki brings new wonders. That’s the problem, he doesnt brings anything new:the same  viscous  animation always the same  ecologist message , with that Miyazaki judges  so cheaply to anyone other than himself, the same story whose moral is to create awareness, which does not last even enough time to throw the garbage forrecycling bowl for that purpose in the film, the same sequences that are intended to be poetic and shine only by the magic of the computer, it’s not magic in any case (not to mention Ponyo’s magic). If the intention was to soften or move with the innocence of childhood, what Ponyo if Miyazaki’s  already has a Totoro? I m afraid that Miyazaki has long since reached their creative climax (Spirited Away), and since then has only to go fall down. Intended to be poetic, but agglutinate fish in disarray and animated by computer is far from it, pretends to be an ecologist, but ask him to go to any movie theater where his films are projected and realized how far reaching their messages.Intends to lead the Japanese animation where fans are still clamoring for new shapes of classic series such as Evangelion or Ghost in the Shell. Ponyo its  a long yawn with small doses of marine biology.

marzo 14, 2011

Hierro Salvaje / Wild Iron

Filed under: Cine,Manga y Anime — halsivon @ 8:59 pm

Mononoke Hime es ya un citado clásico de la animación japonesa , y un referente directo a la hora de tratar el trabajo de Hayao Miyazaki. Con algunos de sus clichés, como la sobre carga de personajes enternecedores e independientes, el abultado y abotargado uso de la animación de lo viscoso y lo plástico, nos presenta por primera vez un drama trágico digno de la literatura tradicional japonesa con visos ecologistas ( del cual Miyazaki se ha declarado fanático confeso). Las metáforas no podían ser menos evidentes: la desmedida industrialización que perjudican un medio ambiente hermoso, y estable, y que termina corrompiendo a criaturas, dioses y hombres (tal manejo no es exclusivo, ni pionero en la obra de Miyazaki, 80 años antes J.R.R Tolkien ya había hablado del tema con la explotación del Bosque de Fangorn a manos de Saruman y sus orcos). Las consecuencias directas de la explotación y del progreso industrial ( al que Miyazaki condena en todas sus historias, sin embargo no tiene el menor reparo en ignorar cuánto plástico se fue en la hechura de los celuloides que transmiten su mensaje a través del cine, o en cuanto papel, grafito, colores, pigmentos y pinturas se gasta en su genial obra, si quiera en el diseño o concepción de sus ideas, o en la energía electrica que gastan sus ordenadores a la hora de animar sus más bellas secuencias), se centran en el heredero Ashitaka, último señor de una tribu al borde de la extinción, quien enfrenta el sino atroz impuesto por un semidios bastante grotesco y que al final termina salvando vidas humanas, criaturas y dioses; al respecto Miyazaki es un progresista bastante extraño:muchos de sus paladines resultan ser hombres ( como el caso de Ashitaka, quien , además posee fuerza sobrehumana , y un corazón de oro) , a la par que defiende con ahínco la libertad y las independencias femeninas (Chihiro es el ejemplo más expuesto, pero en este caso me refiero a San, la Princesa de los Lobos), por lo cual , en este particular caso, Miyazaki si es un igualitarista estricto.  Con respecto a la animación, el color , y las texturas del Bosque de los Dioses es lo que más llama la atneción: comparable en exuberancia y detalle al Tokyo de Akira de Katsuhior Otomo ( guardando eso si, las proporciones y el talento creativo, así como la intención). Es además importante mencionar, que las criaturas del bosque no son mejores que los seres humanos de quiénes tienen que defenderse, al poseer una tozuda impertinencia, una inteligencia limitada, y un complejo de superioridad que no dudan en exhibir, no importando lo salvaje de su comprotamiento, o en el caso del filme, la relación de las Criaturas con el Señor del Bosque, de quién sólo se tiene referencia como mesías y como salvador, y no resulta ser ni lo uno ni lo otro.  San, la Princesa de los Lobos es quien menos mereció , en mi opinión, de cariño por parte del autor: salvaje, irrespetuosa, ortodoxa, imprudente y temeraria, no es un personaje de contexto ( al que las feministas con gloria admirarían sólo por su fortaleza física y su agilidad, más que por su inteligencia) , es plano, vacío y sucio, hacen más los Lobos en la trama que ella como su representante.  Ashitaka por otro lado , es brillante , sabio ( a pesar de su juventud, lo cual es relevante ya que la sabiduría para los japoneses viene necesariamente con la edad) , ecuánime e integro, supo con contundencia ganarse el respeto de sus enemigos, y la admiración de los dioses ( no el amor de San) , es uno de los mejores personajes de Miyazaki. Hay otra mención en particular a la extraña diatriba feminista que Miyazaki maneja en el filme: La ciudad de Hierro es gobernada por una ambiciosa , pero noble Mujer , que contrara a ex prostitutas como operarias y al final como amazonas; el quid de la historia es precisamente que el desarrollo industrial ( en oocidente , culpa inequívocamente de los hombres) , ha afectado la vida del bosque en primer lugar , e indirectamente la de Ashitaka. pero en este particular, son las mujeres las que propician el expolio al Bosque de los Dioses, y las que en últimas se encaminan a la guerra en contra de ellos. Ying y Yang, Luz y Sombra; para los orientales, el equilibrio está fundamentado en esto, y en el filme , más oriental que nunca , el Yang son las mujeres. Puesto de manera más clara, con el Dios del Bosque, criatura que no obedece a nadie ( ni siquiera a las criaturas del Bosque que le reverencian ) y que es Señor de la Vida y de la Muerte al mismo tiempo ( por lo que al perder la cabeza, destruye el ecosistema entero) .

Princess Mononoke  is already a early classic of Japanese animation, and a direct reference tospeaks about  the work of Hayao Miyazaki. With some of his film archetypes, such as the overhead of touching incident and independent characters, the bulky and bloated use of animation in the viscous and plastic presents for the first time, a tragic drama worthy of the traditional Japanese literature with environmental overtones (that Miyazaki’s said that is   a vowed fan). The metaphor could not be less obvious: an obstacle to an unbridled industrialization against to a  beautiful environment,  that makes to corrupt  creatures, gods and men (such management is not unique or pioneering in the work of Miyazaki: 80 years before JRR Tolkien had already discussed the matter with the Fangorn Forest exploitation at the hands of Saruman and his orcs). The direct consequences of the forest’s exploitation and industrial progress (which Miyazaki condemned in all its of his stories, but has no qualms into ignoring how much plastic was in the making of celluloid that convey their message through film; or  paper’s use, graphite, colored pigments and paints is spent on his brilliant work, not even in the design or conception of their ideas, or electrical energy they spend their computer time to animate his finest sequences), focus Ashitaka’s heir, last ruler of a tribe on the brink of extinction, facing the terrible tax but a demigod rather grotesque and ends up saving lives, creatures and gods about Miyazaki is a progressive rather strange: many its champions are to be men (as the case of Ashitaka, who also possesses superhuman strength and a heart of gold), at the same time vigorously defend the freedom and independence women (Chihiro is the most exposed, but I am speaking to San, the Princess of the Wolves), so in this particular case, Miyazaki if a strictly egalitarian. Regarding animation, color, and texture of the Forest of the Gods is what stands out most attention: exuberance and detail comparable to Tokyo Katsuhior Akira Otomo (saving that if the proportions and the creative talent and as intended). It is also important to note that the woodland creatures are no better than human beings who have to defend themselves by possessing a stubborn impertinence, limited intelligence and a superiority complex who do not hesitate to exhibit, no matter how wild is their behavior, or in  the relationship with the Lord of Creatures of the Forest, who only have referred to as the messiah and savior, and there appears to be neither one nor the other. San, the Princess of the Wolves is the one who least deserved, in my own opinion, love for the author: she is wild, disrespectful, Orthodox, imprudent and reckless, not a character of context (which feminists admire just for his glory physical strength and agility, rather than their intelligence), she is flat, empty and dirty, lesser than  the Wolves in the plot that she and her representative. Ashitaka other hand, is bright, wise (despite his youth, which is relevant because the Japanese wisdom necessarily comes with age), fairness and integrity, was able to forcefully gain the respect of his enemies, and admiration of the gods (not the love of San), is one of the best characters in Miyazaki. There is another mention in particular the strange feminist diatribe that  Miyazaki manages in the film: Iron City is governed by an ambitious, but noble woman, who hires former prostitutes as operators and at the end as gun shooters, the crux of the story is precisely that industrial development (in western culture, unequivocally blamed for men), has affected the life of the forest first, and indirectly that of Ashitaka. But in this particular, women are favoring plundering the Forest of the Gods, and that ultimately are headed to war against them. Ying and Yang, Light and Shadow ; to the eastern people, the balance is based on this, and in the film, more Oriental than ever, women are Yang. Put more clearly, with the God of the Forest, a creature that does not follow anyone (not even the creatures of the forest that revere him) and he is Lord of Life and Death at the same time (so to lose head, destroy the entire forest).

junio 8, 2010

Robotech: Eterno

Filed under: Ciencia Ficción,Manga y Anime — halsivon @ 4:31 pm

Robotech es una franquicia doble ( figura inventada por los japoneses para el despliegue mercadotécnico de una infinidad de productos derivados de la misma idea o serie de ideas), que en conjunto con la saga Macross , cuenta un sin fin de historias que tienen como referente la robotecnología, la invasión extraterrestre y elcombate espacial, así como la vida y formaciónde los cadetes especiales. En este, así como en muchos otros sentidos, Robotech es “El” Space Opera por excelencia y un referente cultural, que entre otras cosas, no ha finalizado. Voy a hablar de La Serie original de 1985, producida por Carl Macek , quien entre otras cosas unificó las diferntes historias en un mismo formato y línea cronológica, y distribuida por Harmony Gold para América y el resto del mundo, que pone el telón para todo el arco definitivo de las que serán constituidas las diferentes épicas de las historias: Esta serie sobresale por tener un argumento sencillo, pero con puestas en escena ingeniosas y mal animadas. Para 1982 (en America y Europa llegó a 1985 por lo que se tiene esta como fecha para mencionar la saga original), la animación japonea todavía era muy artesanal y pobre, lo cual pone énfasis en el hecho de que las escenas tengan una deficiente claridad y y una dramatización irrisorias, mas no en si la historia , tan humorística como dramática, que se las arregla para cautivar. En cuanto al elemento que la definió como género, el combate espacial, está muy por encima en recursos argumentales, científicos y estratégicos que Star Trek; por lo demás, el exscesivo acartonamiento y arquetipización de los escenarios y  personajes, no pueden sino conmover, y supone una ingenuidad nipona a la hora de hacer animación. No soy el primero en calificar a Robotech como eterno, no por el hecho de que la historia aún no ha terminado, sino por el hecho de que gracias a Robotech se ha creado todo un imaginario que generó inspiración en ambos lados del océano, a escritores y artistas gráficos. El Varitech estándar es un ancestro directo del transformer de Hasbro, y sólo el impacto cultural que supone este último menoscaban el logro realizado por Robotech. De la misma manera, los personajes, que para nuestros ojos son clichés, suponieron una linea argumental y dramática que persiste hasta nuestros días en la industria del manga y del animé: quien haya disfrutado del trio amoroso de Rick Hunter, Lisa HAyes y Minmei, no puede sino confirmar el evidente paralelismo que estos acontecimientos engendran en otros trios amorosos famosos en la industria, como el de Ranma-Akane-Shampoo en Ranma 1/2. La musicalización, con tonadas pop de los idols japoneses, la animación pausada y encaminada al impacto visual, los escenarios difusos, pero enormes, servirían para dos decadas de anime y manga , de todos los subgéneros.  Robotech es al Shonen MAnga como lo es Mazinger a los Mecha. Si alguna vez, aquellas historias de la edad de oro,incluso esos tibios relatos espaciales de los años 30 que gozaban de la clandestinidad, encontraron alguna vez un eco gráfico, ha sido en Robotech. Así mismo, la saga demuestra que el combate espacial, sólo está de fondo, ya que el verdadero mensaje de la historia se traduce en el potencial humano para ser eso: seres humanos, esto expresado explícitamente a través de las emociones , de la fraternidad, y por sobre todo, del amor, del que carecen siempre los enemgos de turno.

mayo 31, 2010

El Lado Cristalino de la Realidad

Filed under: Ciencia Ficción,Cine,Comic,Manga y Anime — halsivon @ 4:46 pm

Paprika es un film animado japonés del director Satoshi Kon basado en la novela de Yasutaka Tsutsui, así como también es el nombre de la protagonista, que en realidad no existe. Es un programa diseñado para la guía terapeútica de sueños a través de un dispositivo revolucionario y polémico denominado DC MIni, el cual permite la monitorización de los sueños y el subconciente para propósitos psicológicos y psiquiátricos. El personaje como tal es así misma la representación divertida y extrovertida de una fría y académica doctora , Chiba, encargada de proveer dicha ayuda. Lejos de la representación alegre y optimista del personaje, incluso con visos de heroína clásica, Paprika desarrolla una personalidad propia y atrevida que choca fuertemente con el genio de su creadora, a la que tanto recrimina por su ostracismo. Por lo demás, y como todo dispositivo aún no regulado por un departamento de sanidad, el DC Mini se sale de control a través de la intervención de manos y mentes inescrupulosas, quiénes encuentran en tal aparato la manera efectiva de llevar el mundo de los sueños al de la realidad. Esto es relevante, ya que la estructura de la realidad y la estructura del mundo de los sueños son presentados como universos paralelos, e incluso intercambiables. Cabe mencionar que Paprika es al mismo tiempo, heroína, protegida y antagonista, en su deseo personal, no de que su creadora Chiba, no de liberar más extroversión dentro de su personalidad , sino incluso el deseo de reemplazarla en el mundo humano. Además la existencia de las diferentes líneas argumentales, uan de las cuales literalmente discurre en forma de un carnaval de objetos inanimados, criaturas antropomorfizadas e íconos religiosos y populares. Esta imagen es importante, ya que de principio a fin, el carnaval es el eje sobre el que giran todas las historias alternativas (curiosamente, el carnaval es el sueño del personaje que menos aparace en la historia). La otra historia que me parece mencionar importante, es la del detective Toshimi Konakawa, quien es a mi juicio, el protagonista junto a PAprika en lugar del obeso genio infantiloide de Tokita ( el inventor del dispositivo DC MIni). Su historia se trata del evidente elemento dramático del argumento, un trauma personal ligado a un deseo juvenil compartido con su mejor amigo, quien en el mundo de los sueños adquiere la forma ingeniosa de un cortometraje policiaco sin fin, en donde la víctima se comvierte en victimario, la huida del criminal se convierte en la culpa del policía que le persigue, en un evidente homenaje a las artes cinematográficas (lo cual también es puesto de patente en el hecho del uso de clichés fílmicos para la épica escapatoria de Paprika de sus enemigos, así como en la puesta en escena de los elementos constitutivos del cine como parodia a filmes como La Rosa Púrpura del Cairo , de Woody Allen, en done la realidad y el cine se muestran , e incluso se enfrentan cara a cara por disputarse la preferencia del ser humano por la realidad, así esta sea ficticia). La animación del filme es decente y sin grandes efectos o ambiciones, destacando el detallismo y la fluidez de la animación en escenas como las del carnaval donde la cantidad de personajes animados y mostrados es relativamente enorme, así como el uso del color, más estruturado y con más texturas en el mundo de los sueños que en la fría y lluviosa realidad. El uso de la morfogénesis, en elementos orgánicos o inorgánicos es es relevante, especialmente en los elementos inanimados (como el refrigerador que camina en dos patas por ejemplo), o en la pantalla de cine que se curva debido a la presión física ejercida por el detective Konakawa; pero donde es puesta de facto es en la escena en donde el Doctor Osanai aprisiona a Paprika cual si ella fuese una mariposa dispuesta a disecar.  Paprika y no Chiba, su alter ego, es la crisálida de donde emerge la tierna y hermosa Chiba, trastocándose por completo el papel engendrador de la una sobre la otra. Y es que al final, se hace posible demostrar que el mundo de los sueños genera nuestra realidad a través de cristales llamados personas, y que sólo somos el producto del mundo de los sueños.

abril 23, 2010

Un Mundo de Ciencia Ficción.

Filed under: Manga y Anime — halsivon @ 6:21 pm

Cuando lees ciencia ficción, te acostumbras tarde o temprano a comulgar mentalmente con el mundo que el autor te presenta, ya sea visual o narrativamente (o en algunos casos musicalmente), en algunos casos y dependiendo de la narativa, el resultado es sobrecogedor aun cuando el mundo que te describen es terrible ( me sucedió en Los Desposeídos de Ursula K. Leguin). El Colegio de Strawberry Panic es el único universo alternativo que me ha producido muchas emociones encontradas: desazón, paranoia, cierto atisbo de regresión infinita, y un vistazo pequeño pero tenaz hacia la eternidad. Para quien no se haya enterado de lo que es esta serie, o del manga , Strwaerry Panic es uno los intentos más sobresalientes dentro del mundillo o subgénero del Bishoujo Ai, el más rosado y empalagoso de todos los productos de la industria del manga japonés. Es tan rosado, que la presencia masculina es radicalmente suprimida, y sólo es visible a través de la masculinización de dos de las protagonistas. El colegio, que en realidad son 3, es un internado para chicas que adolece de contacto absoluto con el mundo exterior. Tal es el efecto, que en onasiones se tiene la sensación de que el instituo está asentado en un asteriode solitario que flota en caida libre por el espacio. El manga correspondió a una serie independiente de relatos , más o menos conectados entre si cuyo argumento aparente era el amor entre chicas, que tomaron forma de historia en el anime de 24 capítulos. Mas , y para corresponder un poco a las lesbianas fanáticas del mismo, Strawberry panic, a pesar de su simpleza, de lo romántico y épico de sus historias, es una hisotria de ciencia ficción. ¿Por qué? no es por que yo no crea posible el amor entre chicas, pero si la óptica no me falla, en el mundo de strawberry panic los hombres están extintos. La dismorfia sexual humana es compensada con la masculinización de los dos personajes conquistadores, Shizuma y Amane, en contraposición con las conquistadas, la tierna Hikari y el personje principal: Nagisa. La rival por el amor de Nagisa, que es la contraparte figurativa de la propia Nagisa, es Tamao, quien es descartada como contendora seria desde el primer capítulo, debido precisamente a la dismorfia sexual.   Para los autores del anime , Tamao no es una rival a consideración por el simple hecho de que no fue masculinazda como Shizumi ( es decir , carece del rol protector hacia la débil Nagisa). Por lo demás, la historia , que para algunos se puede tornar tediosa, repetitiva, discurrente, lenta, parsimoniosa y sútil , es en si un homenaje a lo nippon del género femenino: la manera de presentar la historia es tan suave como una caricia femenina. Por lo demás, no se advierte el continuo, pero progresivo intento de crear una historia eterna. Resulta que en este curioso universo, las alumnas mayores no se gradúan, el tiempo es perfecto , el paso de las estaciones es sólo correspondido por los cambios en los uniformes en las chicas y uno que otro festival en honor de la estación en si, pero la historia es interminable. Esto se hace patente durante los créditos del “final”, en donde la historia vuelve a comenzar en un ciclo (Nagisa , después de un años de permanencia en el instituo no ha terminado de llegar y aún no se decide entre Shizumi y Tamao). Ciertamente no había visto tal manejo del tiempo inconcluso desde el film de culto para pederastas Innocence de Lucile Hadzihalilovic. No sólo el tiempo es incluncluso, sino la historia en si misma, lo cual no es novedad en la industria japonesa: pasan 24 episodios y en realidad no ha pado nada, pero es que en Strawberry panic esto no sólo es categórico, es adrede. Puedo suponer que los autores quisieron hacer mofa de esto en particular. ¿Se engañan las lesbianas que encuentran en este producto su paraíso perdido? Yo pienso que si, aunque no soy lesbiana para asegurarlo, debido precisamente a que las relaciones entre mujeres no son proscritas en ningúna parte, ni siquiera por las directavias o profesoras del instituto; eso de salir del closet no tiene sentido en Strawberry panic; en Strawberry panic lo único que carece de sentido, aparte de la linealidad del tiempo, es el amor heterosexual, sencillamente por que ninguna de estas adorables y acomplejadas adolescentes no saben lo que es un hombre. También esta el amor homosexual, que es una expresión en definitiva en pro de lalibertad de expresión, choca consistentemente con la filosofía represiva del instituo, filosofía que es puesta de manifiesto de una manera tibia, pero tenaz, como el nadador del oceano que por más que nade sabe que el oceano lo posee y no a la inversa, lo cual no le impide disfrutar del agua. El instituo no es una carcel del mismo modo en que el planeta Tierra no es una prisión, porque sencillamente es el único mundo que conocen los personajes. La expresión máxima de la negación por el mundo real , vale decir, el mundo donde hombres y mujeres copulan entre si para engendrar nuevas crías de la especie, se pone de manifiesto en el hecho de que Strwaberry panic niega que las chicas algún día vayan a salir del instituto, de ahí la paranoia que genera la serie. El mundo no desea que las chicas alcancen el grado, por que eso significaría madurez  (si acaso el anime pudiera considerar las actitudes homosexuales como una falta de madurez), significaría que el sueño lésbico , idílico y perfecto, sería brutalmente reemplazado por una vida, una familia, unos niños, hombres. Por eso es que la historia onerosa y descaradamente vuelve a su comienzo en un ciclo infinito, ya que de otra manera, la estética lésbica se perdería.

enero 18, 2010

Lo prometido es una deuda de incerto pasado.

Filed under: Manga y Anime — halsivon @ 5:48 pm

Había mencionado alguna vez en mi post “El Gran Desastre de TRC” que apenas terminara de leer el manga realizado a Tsubasa Reservoir Chronicle escribiría al respecto; la razón de mi tardanza, entre otras fue la dificultad de conseguir completo el mismo, pero no tanto como el hecho de que el manga más largo que he leído en mi vida (244 volúmenes). Recordemos que el plan era de hacerlo de la misma cantidad de volúmenes que Card Captor Sakura ( el cual tiene la irrisoria cantidad de 13 en el manga). La historia, que se percibió fascinante , es dibujada toscamente por pésimos herederos de las chicas CLamp, siempre cudiadosas y hasta revolucionarias en cuanto al uso de las sombras, los claroscuros y por sobre todo, la acción. Se nota a leguas que el manga fue un éxito en su país y que correspondió a un alargue sucesivo y hasta imprudente, que no mejoró mucho los aspectos estéticos, lo que no puedo decir de la historia en si. Tal y como sucedió en CCS el inicio del manga y de la serie son prácticamente idénticos, más su posterior evolución recorrió caminos bien diferentes. La industria del comic japonesa es la única que se ufana de no hacer  las mismas historias para manga y para anime, por el simple hecho de que están diseñados para públicos diferentes. El manga, más cuidadoso con la historia, más elaborado y sin tantas pretenciones ( excpeto, indudablemnte, la de la extensión) es una historia complementaria a las patéticas historias del anime de TRC, y en donde suceden y se desarrollan los personajes de diferente manera. Inolvidable fue , los 13 volúmenes que dedicaron a Tomoeda en TRC , fueron brillantes, nostálgicos y bien cuidados, como si la franquicia de CCS fuera ese bello Arbusto de Cerezo que sólo florece en primavera unos días nada más. El final de TRC , los cuales describí en el post “El Gran acierto del final de TRC”, es otro universo aquí; aquí el final y los personajes cambian radicalmente , y evolucionan de distinta manera, precisamente por el hecho de que en el manga se tuvo mucho más tiempo para la gestión de los personajes, tiempo que evidentemente dilapidó la serie animada. Aunque el final (que si existió en el manga) es verdaeramente un dolor de cabeza y para algunos fans, en el alma, que genera esa paranoia clásica de la cual es marca registrada en la industria del comic japonés: ese interludio infinito de que las situaciones jamás tienen resolución, y que la historia es una rueda que gira en manos del destino ( muy sintoísta de parte de ellos) .  Nada de los traumas dramáticos de los Ovas de TRC y por supuesto, el manga tiene el mérito de haberse por fin independizado de XXXholic , cuestión que jamás pudo hacer el anime. Una sorpresa agradable, aunque en el universo de Clamp, todo es posible ( como el viaje de los protagonistas a casi todos los mundos de clamp, incluso wonderland de clamp con sus lésbicas y ecléticas apariciones), resulta conmovedor el hecho de que para el manga, TRC es la legítima segunda parte de CCS, aunque fuera sólo por esos trece volúmenes ( en los cuales se explica qué pasó en Tomoeda después de que Shyaoran regresara de Hong Kong para quedarse con Sakura).

septiembre 19, 2008

El Arte del Escapismo

Filed under: Ciencia Ficción,Manga y Anime — halsivon @ 4:00 pm

Relacionado con el post anterior, quiero hacer aparte acerca de este fenómeno que ocurre casi siempre en varones heterosexuales con timidez amorosa: el escapismo; Ciertamente mi colega “F” de macrocaos dijera alguna vez: “la próxima vez que vea o lea sobre un humano común y corriente que se transporte a otro mundo para salvarlo, voy a regurgitar”, y pienso que no estaba entrando en el terreno de la exageración. Asaso toda la fantasía heroica barata tratara el tema, el elemento no puede ser el más común de todos; y estamos hablando de gente que soñaba con escapar de esta realidad mucho antes de Second Life, en la que se es un mediocre, un bueno para nada, una persona bastante aburrida y corriente, para ir a un mundo fantástico, en donde se es el héroe, hay una hermosa y voluptuosa chica a la que hay que rescatar de un mago malvado. Esto se hacía con bastante regularidad y vergüenza incluso 50 años antes del advenimiento del videojuego, quien ahora puso estos conceptos en términos electrónicos. El escapismo posee elementos notables, como Alice de Lewis Carroll, y otros no tanto como el mismo Harry Potter. Precisamente fue Carroll quien introdujo el concepto, sólo que Carroll era un lingüista experto, enamorado de una preadolescente a quien le pusiera de protagonista en sus diatribas filosófico ideológicas y que Disney arruinaría, como hace siempre, con un filme animado. El escapismo es favorecido entre otras cosas, por la industria del juguete norteamericana, quien, cuando ve un producto medianamente exitoso, aprovecha para producir toneladas de basura sobre el tema: desde remeras hasta cajas para el almuerzo, incluso son los creadores del juego de rol. Ahora y gracias a la tecnología , el escapismo salió de los libros, de los tebeos y pasó al mundo de la red, con MPORG en línea, como “mundo de warcraft” y el mísmisimo Second Life, el campeón de todos los escapes digitales.  Casi todos los escapistas sufren de una vida sin sobresaltos, viven en casa de sus padres, carecen de novias y una vida social evidente, y se refugian y añoran estos mundos alternativos, en los que son héroes, bastante exagerados y fornidos. He aquí una lista, por cierto extensa de lo que hablo, y de por qué a mi colega “F” tiene razón en devolver al mundo sus atenciones sobre el tema, agradecería cualquier colaboración si se me pasa o he olvidado algo:

En Libros:

1. Alice in wonderland .

2. A Través del Espejo.

3. Crónicas de Narnia.

4. Serie Marciana y Serie de Venus,  de Edgar Rice Burroughs.

5. Ciclo del Campeón Eterno de Michael Moorcock.

6. La Historia Interminable.

7. Harry Potter y como hacerse rico con libros baratos y mediocres.

8. Mundo Perdido de Conan Doyle.

9. El Señor de los Anillos, si es que consideramos de que los Hobbits salen de su vida rutinaria, aburrida y normal en la Comarca , para sumergirse en un mundo de aventuras. (Pero si a eso vamos la lista se haría todavía más larga)

10. Gor, y sus 37 o no sé cuantas novelas; si creían que Harry Potter era malo, nadie le gana a Gor en perversidad.

En Cine:

1. Matrix , super recargado de puños , patadas y la falta de expresión Neo a través de sus lentes oscuros.

2. Spellbinder.

3. Stargate.

4. Todo Star Trek: o de lo contrario, revisen los capítulos sobre la holodeck.

5. Stardust.

6. Harry Potter Strikes back.

7. Labyritnh.

8. La Visión de Scaflowne, que para mí , es un filme muy largo.

9. He-Man y los amos del Universo.

10. Todos los Machinimas de Second Life.

11.  .Hack/sign, bueno, si me voy de cabeza con todos los tebeos del animé japonés, jamás terminaría, por lo que sólo he puesto a este como supremo ejemplar.

12. Realmente la lista es interminable, cada vez que Hollywood quiere dinero fácil, pone en cartelera la misma historia con nuevos personajes en la franja de verano, se hace un dineral, con todo el merchandising del tema y ya.

Y si se desea complementar al tema, ya que es el merchindising giri la droga de los varones heterosexuales con timidez amorosa, vamos, que podría ser cualquier droga, que produzca alucinación y delirios de grandeza, sobre todo esto último, ya que el mayor deseo de estos ejemplares masculinos es el poder, o aparentar tener poder (¿nunca se han preguntado el porqué los Klingons son tan populares entre esta comunidad?).

septiembre 10, 2008

Laberinto Online

Filed under: Ciencia Ficción,Manga y Anime — halsivon @ 5:46 pm

Soy uno de los que ha crecido con el Filme “Labyrinth” de Jim Henson, que  tuvo la participación del célebre músico David Bowie y con Jennifer Conelly, quien era una tierna (y muy bella) adolescente por ese entonces; El filme contó con el diseño de Brian Froud, quien supo darle un aire estupendo a los goblins del laberinto, así como a otras criaturas, y básicamente, el filme se resume en eso, en la participación de Froud en el diseño, en la de Henson en la animación y ambientación del Inframundo en donde está contenido el Laberinto, y en la participación de Bowie en la música, porque el argumento es más bien pobre y para nada novedoso: la aventura de un ser de este mundo, plano o universo, transportado/a a otro, de naturaleza fantástica y cuyo destino es slavarlo (¿les suena? el tema es tan viejo que Edgar Rice Borroughs lo tocó con sus aventuras marcianas; Narnia y sus crónicas no son más que eso, los treinta y tantos libros de Gor lo mismo, y si vamos más lejos y más actuales con esta limitación creativa, Harry Potter también lo es (y eso que no estoy mencionando el espectacularmente malo filme de He-Man y los amos del universo) por no mencionar que posiblemente el aporte más destacado y original al tema es Alice in Wonderland y A Través del Espejo de Lewis Carroll). Ciertamente y gracias a este filme, muchos de nosotros comenzamos leyendo fantasía heroica a Conan de Howard y al Silmarillion y El Señor de los Anillos de Tolkien, lo que condujo irremisiblemente a indagar en literatura de Ciencia Ficción, y lo que finalmente nos trajo a esta época. Para ir al grano, el sentimiento nostálgico que me produce este filme me hizo buscarlo para comprar la Versión en DVD , de alta calidad, cuando me he encontrado con esto, la supuesta segunda parte del Filme, y sería tamaña mi sorpresa cuando he visto el trailer en Youtube; resultaba que no era más que un engaño, efectuado por los fans de la saga, que tiene sentimientos similares al mío , sólo que con superlativos. La segunda parte incluso es patética, aludiendo al romance de Sarah y JAreth, por encima del diseño y la producción del filme original, que al fin de cuentas es lo que uno recuerda y aprecia aún en estos días. Lo que más lástima al ojo, es que los “deceivers” utilizan imágenes de filmes de Conelly, e inlcuso se las arreglaron para introducir a un Bowie (ya sexagenario) en algunas escenas. Intrigante si es lo siguiente: existe un manga (comic japonés) publicada con el mismo nombre bajo la producción del legendario estudio Tokyo Pop, lo cual me llenó de curiosidad al tema, y llegué a un sitio donde se pueden incluso leer las 3 novelas de Laberinto (hasta donde yo sabía era un guíon de filme y nada más) ; qué tanto de verdad o falsedad hay en esta marejada de información promulgada por los fans (hay que señalar que es bastante probable que si hayas visto laberinto, en este momento puedas tener más de 30 años) . Aqui les dejo la url del sitio y el video del falso trailer.

http://www.rattlebeak.com/go/writing/agrathea/lab2/chapters/01.htm

Las imágenes del manga:

y ahora el video de los fans:

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