La Máquina a Tiempo

enero 25, 2013

Gandahar

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 10:24 pm
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Gandahar

 

Gandahar es un filme animado francés de 1988  repleto de antiarquetipos, voluptuosidades y Sentido progresista. Pero una óptica más profunda supone para el espectador ciertas curiosidades innatas del  filme y de la historia presentada: Gandahar es un mundo extraterrestre en dónde humanoides viven en un idílico edén ecologista libres de guerras, enfermedades e incluso la vejez en dónde las mujeres son las que gobiernan con sólo la impronta de su poderío sexual. Pero Gandahar merece no una, sino muchas observaciones ulteriores dentro de la animación, ya que tanto escenario eclético sólo esconde metáforas, y otros mundos más interiores bastante alejados de este paraíso ecofeminista. Por un lado está el pueblo de los deformes: mutantes de piel oscura, marginados y excluídos por su fealdad (aunque el filme resalte de alguna manera su belleza intrínseca: su poder mental, su sociedad abierta y pluralista, su nobleza intelectual, y su creatividad) ; asumo que esta es una metáfora en contra del racismo, no tanto como el sino definitivo de este mundo: Los Hombres de Metal y su creador, El Cerebro Final. Es aquí cuando Gandahar se despoja de todo su erotismo para dar paso a una auténtica ciencia ficción: La trascendencia de la mente, encarnada en el Cerebro gigantesco, (el cual , es u vez es una creación y experimento fallido de las feministas en el poder) así como el viaje en el tiempo y el concepto de la inmortalidad Increada y no deseada: el cerebro se corrompe a sí mismo al vivir miles de años, y sólo su temor a la muerte (tal vez, su característica más humana) , lo pervierte hasta el punto que se desconoce  a sí mismo como una entidad gestada y lo hace tener delirios de dios. Tiene méritos en cuanto al diseño la excesiva femeneidad impuesta no sólo en los humanoides de Gandahar, sino en el diseño del mismo mundo, sus edificaciones  y armas, incluso plasmada en las hembras de los deformes, inequívocamente bellas y delicadas aún en sus cuerpos mutantes. El cerebro Final, asexuado , aún a pesar de ser un producto feminista, y sus esbirros, inequívocamente masculinos debido a la metáfora de quere poner siempre al Hombre como el mal, el destructor y el opresor. No obstante las acciones de los hombres del filme, no sólo del protagonista, Sylvain, sino también el consejero y los mismos Hombres deformes prueban una vez más que es sólo el ingenio, la fuerza, la tenacidad, la creatividad, y el sentido de protección es lo que hace la diferencia, y lo que en últimas el Cerebro Final se niega a reconocer ante Sylvain:  la superioridad moral , intelectual y física de los hombres incluso en un mundo ideal y feministizado como Gandahar.

Gandahar is a 1988’s French animated film filled by anti archetypes, voluptuousness and leftist ideas. But a deeper perspective  assumes certain innate curiosity of the film and the story presented: Gandahar is a humanoid alien world where some humanoids lives in an idyllic green paradise free of wars, illnesses and even old age, where women are the rule with only the imprint of their sexual prowess. But Gandahar deserves not one, but many observations further into the animation, as both eclectic scene hides only metaphors, and other interior worlds far removed from this ecofeminist paradise . On one side is the deformed people : dark mutants, marginalized and excluded by their ugliness (although the film somehow highlight their intrinsic beauty: their mind power, their open and pluralistic society, their intellectual nobility, and creativeness), I assume that this is a metaphor against racism, but not as much as the scheme of this world: The Metal Men and his creator, The Ultimate Brain. This is when Gandahar sheds all its eroticism to make way for a real science fiction: The significance of the mind, embodied in the gigantic brain, (which is or rather is a failed experiment, creation and feminists rulers) and the time travel and the concept of immortality and unwanted uncreation: the brain is corrupted himself for to live for thousands of years, and only his fear of death (perhaps, its most human’s quality), it perverted to the point it is not known himself as an entity gestated and does have delusions of god. It has merit in design imposed excessive femininity not only in Gandahar’s world itself, also withint the humanoids, their buildings and weapons, even the deformed females, yet unmistakably beautiful and delicate in their  mutant bodies. The Ultimate Brain, also sexless, yet despite being a product feminist, and his minions, unmistakably  the masculine metaphor because they wants to always put the man as the evil, the destroyer and oppressor. But the actions of the men of the film, not only the protagonist, Sylvain, but also the Counselor, and the deformed men,  proves once again that it is only the capability, strength, tenacity, creativity, and sense of protection of men, what makes the difference, and what ultimately the Final Brain refuses to admit to Sylvain: the moral , intellectual and physical superiority of men even in an ideal world and as the feministed Gandahar.

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octubre 24, 2012

La Máquina del Tiempo / The Time Machine

Esta es la época de los remakes: gracias a la tecnología en ordenadores, animación, captura de movimiento y CGI, es posible hacer con efectos de increíble muestra visual y realismo lo que no era posible en otros filmes de ciencia ficción anteriores, que recurrieron a todo tipo de artimañas y estrategias a la hora de presentar lo iverosimil o lo imposible: Plastilina, Stop-Motion, Modelos y maquetas a escala, animación en 2-D y marionetas.  En mi post número 99 quiero hablar de La Máquina del Tiempo de Simon Wells (Tataranieto de H.G. Wells) destaca por no ser un remake (aunque está catalogado como tal), sino por ser una apróximaciónnueva y novedosa de la Obra de Wells: en sí mismo el filme es una Máquina del Tiempo, cuyos sencillos homenajes al destacado filme de los años 60 más las incorporaciones del Sino del Protagonista, el Dr. Alexander Hartdegen (Guy Pierce), atormentado y torturado por lo que parece ser  la mano del destino, pero que se revela ser su propia mano contextualizando su dolor a través de las épocas en la búsqueda de una verdad para la que ningún ser humano (o máquina, léase la brillante aparición de Vox 114 (Orlando Jones)) parece ser capaz de responder. Este revolucionario profesor bastante distraído y obstinado, experimenta su propio viaje temporal interior , en el que las épocas se suceden como una animación en cámara rápida y que se ve interiorizado en el deseo inerte, y para qué, egoísta de salvar a su amada. Los Futuros dispuestos y consecuentes entre sí, tienen la particularidad de mencionar un desastre natural provocado no desde la Tierra , sino desde el espacio, lo cuál es una novedad teniendo en cuenta a los ya clásicos catastrofistas que no paran de hablar de calentamiento global y polución demográfica o industrial. Llama la atención la revisión de los Humanos en el Futuro, los tenaces pero diezmados Eloi (los cuáles son exhibidos aquí con grandes destrezas y fortalezas, pero enajenados aún por los Morlock) , y los Morlock, que son una extraña involución-evolución de la especie humana y que ahora tienen voz en la actuación discreta de Jeremy Irons (cuyo maquillaje y performance hace recordar a Elric de Melniboné, del escritor Michael  Moorcock). Sin duda , existen escenas cumbres, como el reencuentro fortuito de Alexander con Vox 114 , miles de años después, el cuál se ve forzado no sólo a dejar de ser sólo una base de datos parlantes, sino a evolucionar como inteligencia artificial y adaptarse a la hostilidad del mundo, a la soledad , y a la aparente  e indeseada inmortalidad; así como la entrevista con el rey de los Morlocks, cuyos argumentos tienen sin duda sustento en la competencia por los recursos y en el Destino, aquel al que se niega a plegar el protagonista. Hermoso filme lleno de introspecciones y reflexiones interiores, acerca de las consecuencias directas e indirectas el viaje en el tiempo.

This is the time of remakes: thanks to computer’s technology, animation, motion capture and CGI, its possible with visual effects and incredible realism sample which was not possible in other science fiction films that appealed to all kinds of tricks and strategies in presenting what unthinkable or impossible: Clay, Stop-Motion, models and scale models, 2-D animation and puppets. In my post number 99 I speak of The Time Machine Simon Wells (great grandson of HG Wells) stands out not to be a remake (although it is listed as such), but because it comes with new features to the classic novel  and Wells Artwork: itself The film itself is a Time Machine, whose simple tributes to  the 60’s film, but most  the fate of the protagonist, Dr. Alexander Hartdegen (Guy Pierce), who is tormented and tortured by what appears to be the hand of fate, but is revealed to be his own hand contextualizing their pain through the ages in the search for a truth that no human (or machine, refering the brilliant appearance of Vox 114 (Orlando Jones)) seems to be able to answers. This teacher (Pierce) who seems hisself as revolutionary but distracted and stubborn , latelly a time traveler who experiences its own fate, showed within which times occur as an fast animation and internalized his inert desire, the desire to save his former lover. The Futures showed comes one to another, and they has the particularity to mention a natural disaster caused not from Earth but from space, which is a novelty given to the classic doomsday, the one who not stop talking about global warming and pollution demographic or industrial. Its Particularly striking is the review of the Human Future, the tenacious but decimated Eloi (which are displayed here with great skills and strengths, but still alienated by Morlock), and Morlock, they are a strange involution-evolution of human species and now have a voice performed by actor  Jeremy Irons (whose makeup and performance reminds Elric of Melnibone, by Michael Moorcock ). Certainly, there are great epic scenes, like the one were Alexander meets again with Vox 114, thousands of years later, which is forced not only to stop being just a speaker database, but to evolve as artificial intelligence and adapt to the hostility of the world, to loneliness, and apparentunwanted  immortality , and  the other one its the interview with the King of the Morlocks, whose arguments are certainly living in the competition for resources and destiny, the same one that refuses to fold protagonist. Beautiful film full of insights and reflections indoors, about the direct and indirect consequences on time travel.

octubre 16, 2012

Futurama, de tentáculos e iconoclastas/ Futurama, tentacles and iconoclasts

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 2:57 pm

La bestia del Billón de Espaldas es un filme casero, distribuido en DVD de la popular serie Futurama de Matt Groening (Los Simpson); por el nombre y el contenido de la carátua, pareciera una apología, u homemaje, como se quiera ver, a ese Hentai monstruoso en dónde inocentes chicas son cruelmente violadas por desagradables criaturas con múltiples extremidades; no , esto no ocurre en este fime (aunque no dejan de perturbar ciertas similutudes para con el hentai).  Futurama es esa serie ambiciosa en dónde Groening puso en contexto todas esas ideas que deambulaban cada especial de la noche de Brujas de los Simpson: en un futuro claramente derivativo de como él ve a la sociedad norteamericana actual , el animador hace gala de cuanta corrección política se le ocurre, en dónde Fry, tal vez el más patético de todos los personajes que haya diseñado (hasta Barnie, el eterno ebriode los simpson tiene su encanto y una excelente voz de cantante), en contraposición con una evidente figura Feminista (no femenina) como lo es Leela. Mientras que Fry es flojo, tonto, influenciable, cobarde, y contrahecho, leela por el contrario es capaz, temeraria, atlética, poderosa, inteligente, todo un cúmulo de virtudes;  el personaje de bender es el que llama la atención, ya sea por su extrema vulgaridad, por su caracter vicioso y frívolo, por su falta de ética y compromiso, en bender, y en general en todos los robots de Futurama, Groening encarna la sociedad chauvinista y fanática que él tanto desea mostrar como su versión de es sociedad norteamericana fanática, materialista y degenerada. Volviendo al filme, el hecho de la existencia de una entidad en otro universo que invade a este gracias a una anomalía espacio temporal no es nuevo, pero Yivo (tal cuál se llama el monstruo de sexo indefinido), es quizás el más grande descalabro de Groening en la serie, ahíta de escenas escatológicas y asquerosas. Descalabro quizás por el evidente elemento iconoclasta que plasma en Yivo: el personaje es una entidad eterna, que siempre ha existido, lleno de amor para con todas las criaturas de este universo, que puede ejecutar miles de millones de acciones al mismo tiempo, estar en todas partes, dar o quitar la vida; ¿suena familiar? Es como la tradición judeocristiana describe a Dios nuestro señor, esas son cualidades de Dios; es aqui es en dónde realmente se percata uno de que Groening brilla por su falta de ideas originales o creativas, y las suple con elementos con los que pretende divertir, en el contexto de la ciencia ficción, que también puede ser humorística (veáse Guía del Viajero Intergaláctico de Douglas Adams), pero sin la bizarra interpretación de un progresista venido a más como Groening. Este animador va incluso más lejos, otorgándole a Yivo una inequívoca cualidad opresiva (metáfora de como él ve a la religión cristiana, no es una coincidencia que Fry en el filme se convirtiera en papa), al desplegar sin remordimiento sus tentáculos en todo el universo y obligar a todos los seres vivos a amarlo y quererlo, subvirtiendo la individualidad, de la cual leela, la feminista por excelencia de Groening, está libre y escapa exitosamente. Un pésimo filme de un hombre que ha aprovechado el éxito grotesco de los Simpson para lanzar en la cultura popular sus ideas en contra de la cultura y la tradición occidental.

The Beast with a Billion Backs is a home movie, released on DVD within the universe of the popular TV series Futurama by Matt Groening (The Simpsons); for the name and content of the DVD’s cover, it seems an apology, or homage, as you want to see, to a Hentai’s film  where innocent girls are cruelly raped by nasty creatures with multiple limbs; no, this does not happen in this film (although it has  certain likes for hentai genre). Futurama’s series its  ambitious in what Groening wanted to put all of his hidden ideas in the context thet he delivered in every  The Simpsons Halloween Specials: in a future  clearly derivative as he sees American society today, the animator shows off how much his political correctness comes to his mind, where Fry, perhaps the most pathetic of all the characters thet Groening designed (more than Barnie, the eternal drunk in the  Simpson, but even he has some charm and excellent singing voice), as opposed to an obvious  Feminist (not female ) figure  such as Leela. While Fry is lazy, stupid, suggestible, cowardly, and misshapen, Leela instead is able, fearless, athletic, powerful, intelligent, a whole host of virtue; Bender’s character is one that draws attention, either by its extreme vulgarity, for his vicious and frivolous personality, their lack of ethics and commitment; Bender, and generally  all robots Futurama, its embodies fanatical chauvinist society that Groening  wants to display as his own version of society , an  American fanatic and degenerate materialistic civilization. Returning to the film, the fact of the existence of an entity in another universe that pervades some  anomaly through a temporary space is not new, but Yivo (as it is called the indefinite sex monster), is perhaps the biggest debacle that Groening has in the series, satiated with scatological and filthy scenes. Perhaps by the apparent collapse iconoclastic element that Yivo shows: the character is an eternal entity, which has always existed, full of love for all creatures of this universe, which can execute billions of shares and tasks  at the same time, to be everywhere, give or take life, sound familiar? It’s like the Judeo-Christian tradition describes  our Lord God, these are qualities of God; its this  where one really notices that Groening conspicuously has a lack of original ideas or creativeness and replaces that lack with elements that aims to amuse, in the context of science fiction, which can also be humorous (see The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy by Douglas Adams), but without the bizarre interpretation of a more leftist such as Groening. This animator goes even further, giving Yivo an unmistakable quality  oppressive (metaphor for how he sees the Christian’s religion, it is no coincidence that in the film Fry became Pope), to deploy without remorse its tentacles throughout the universe and bind all living beings to love and force to  love him, subverting individuality, which Leela, the Groening’s ultimate  feminist , is free and escape successfully. A terrible film, Groening is a  man who has built on the success of grotesque Simpson, to launch in popular culture ideas against Western culture and tradition.

octubre 1, 2012

El Número 9 / The Number 9

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 11:50 pm
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9 (así  en número natural) , es un filme de Shane Acker, extensión del cortometraje del mismo nombre y director, es al mismo tiempo el nombre del personaje principal, un muñeco de guiñol de tamaño minúsculo cuya corta existencia transcurre en una notoria curiosidad en un mundo post apocalíptico.  Lo interesante del argumento, deriva no sólo en la capacidad creativa de 9 y sus congéneres, muñecos como él, cada uno con un nombre, cualidad, apariencia y comportamiento característicos, que se las arreglan a duras penas en este entramado de chatarra metálica y basura, sin ningún ser vivo a la vista.  El filme cautiva por el diseño, simple , pero detallado, de los guiñoles, cada uno con una particularidad y una historia personal , así como por el hecho de presentarnos un steam-punk post apocalíptico. El filme divaga por el misterio de la creación de los guiñoles, intrínsecamente ligada al sino del monstruo que les da caza, y el que al final, corrupto, envilecido y amargado, intenta robarles sus vidas para darse así misma un propósito. La Máquina final, de la cual sólo tenemos constancia como vástago de un creador , honesto, pero instrumentalizado por una dictadura muy parecida a la hitleriana, es inversamente proporcional a la simplicidad , pero tenacidad de los guiñoles, de los cuáles “9” destaca, no sólo por su negativa a la rendición, sino por  su innata curiosidad, su creatividad sin límites , y su inteligencia adaptativa. Cada guiñol tiene su encanto: 1, autoritarista y cobarde; 2 honesto y tenaz; 3 y 4, aplicados y meticulosos; 5 creativo y leal; 6 contrahecho y díscolo; 7 feminista, bizarra , independiente , aguerrida y obtusa (no me sorprende que sea una pésima metáfora de la Lilith bíblica, desobediente y de armas tomar, pero al final, aplacada y condescendiente); 8 bruto pero poderoso y finalmente 9, quién parece reunir las cualidades de todos los demás juntos. La simbología es relevante para la historia, rememora con cierto carisma otros trabajos en steam -punk, como full metal alchemist, así como la Máquina creadora, que se hace de la basura inerte para producir sus bestezuelas horripilantes a partir de los deshechos metálicos y la basura. 9 se ve en ocasiones así mismo como su némesis, la máquina, solitario y sin propósito, pero corrompido por su propia curiosidad que le trae más de una problema a la vez. las moralejas innatas , inemdiatamente aplicables y consecuentes a las lecciones que el mundo post apocalíptiuco suele dejar, derivan del hecho de que la creación de vida , de vida consciente, e inteligente, y emocional, siguen estando muy ligadas al concepto de los humano, y este es quizás, el rasgo más interesante pro parte del filme, que el humano, no es menos proscrito que la máquina, y se ven aquí como iguales.  No he visto , en ambientes post apocalípticos ya fueran presentados en los tebeos, la literatura o el cine/televisión, momentos en dónde la máquina y el hombre se saludan ambos como creaciones de sí mismos. Instrumentalizados sí, por el entorno, pero quizás , más avidos de encontrar respeuestas en el caos que les rodea, que en el señalar culpables, tal vez, esta aproximación estuvo en la se gunda temporada de Terminator. The Sarah Chonnor Chronicles. Por ello vale la pena ver el filme, ya sea por su meticuloso y tierno (aún en recreaciones tan sórdidas y hótiles, se logra esto) , o por su primera caracterización del Steam Punk Apocalíptico.

9 (thus natural number), is a film by Shane Acker, short extension and director of the same name, is both the name of the main character, a puppet doll in tiny size whose short existence takes on a notorious curiosity on a post apocalyptic world. The interesting argument, derives not only in the creative capacity of “9” and his fellowship, dolls like him, each with a number name, quality, characteristic appearance and behavior, which they manage with difficulty in their network of scrap metal and garbage with no living being in sight. The film captivates for the simple design, yet detailed, and the puppets, each with a particular and personal history, as well as by the fact present us with a  post-apocalyptic steam-punk. The film wanders through the mystery of the creation of the puppets, but intrinsically linked to the monster that chase them, and in the end, a corrupt, vile and bitter machine, whose attempts to steal their lives to give itsself a purpose. The final machine, of which we are aware only as an offshoot of its creator, honest, but manipulated by a dictatorship much like Hitler/Stalin, is inversely proportional to the simplicity, but the tenacity of the puppets, of which “9” stands, not only because of its refusal to surrender, but his innate curiosity, their boundless creativity, and adaptive intelligence. Each puppet has its charm: 1, authoritarian, cowardly; 2, honest and tenacious;  3 and 4, applied and meticulous; 5, creative and loyal;6 a misshapen and wayward; 7, a  feminist, bizarre, independent, brave and blunt (no wonder is a bad metaphor for the biblical Lilith, disobedient and unrespectful, but in the end, appeased and condescending); 8, raw but powerful and finally , 9, who seems to possess the qualities of all the the others. The symbolism is relevant to the story, recalls with some other work on charisma of the steam-punk, like  full metal alchemist , or steam boy, as well as the creative Final and evil Machine, which is made of inert waste to produce their gruesome beasts from the scrap metal and garbage. “9” is sometimes himself , his  own nemesis, the machine alone and without purpose, but corrupted by his own curiosity that brings more than one problem at a time, “9” resembles his innate morals, inmediatelly applicable and consistent with the lessons that post apocalyptic world  usually leaves, stem from the fact that the creation of life, of conscious , smart, and emotional life, remain closely linked to the concept of mankind and This is perhaps the most interesting feature that the film shows, the mankind side, and its no less proscribed by the machine, and there are seen here as equals, the Human being and the machine. I have not seen in post apocalyptic environments and were presented in the comics, literature and film / television series, moments where the machine and the man both as creations greet themselves. they have been Instrumentalized, yes, for the environment, but perhaps more eager to find answers into the chaos around them, that to find solutions, or to blame somebody; perhaps, this topic were approached  in the second season of Terminator – The Sarah Chonnor Chronicles Tv series. So worth seeing the film, either for their meticulous and tender (even with the  sordid  recreations), or its first characterization of the apocalyptic Steam Punk.

junio 12, 2012

El Último Hombre en Pie / The Last Standing Man

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 10:17 pm

Un colega me ha legado el enlace de un filme aboslutamente desconocido para mí , proveniente de los años 80’s; esa decada, ahíta de estrafalarios estilos y tendecias bizarras traía consigo , a manera especulativa , y todavía con los temores engendrados de la guerra fría , América 3000, un filme en dónde la paranoia nuclear se sublima ante otra no tan paranoica, pero muy actual ( no se necesita llegar hasta el año 3000 para que pueda suceder):  basado inequívocamente en el mito de las Amazonas griegas, un mundo post apocalíptico, en dónde las mujeres son la potencia militar mientras que los hombres son esclavos y hasta aún menos que eso. El filme dista de tener elementos originales, incluso tiene cierto aire al planeta de los Simios de Franklin J. Schaffner, pero si tiene elementos que llaman la atención por su contenido especulativo: el primero, que las mujeres como amos son crueles y y déspotas; el segundo, que la inventiva, la inteligencia, la capacidad , la manera de enfrentar la adversidad , las condiciones hostiles, la adaptabilidad, la toma de decisiones, y la capacidad para asumir riesgos de los hombres , en este caso del protagonista, Gorkis, encarnado por Chuck Wagner (Automan) a la hora de cambiar el mundo, literalmente. El punto es  que el mundo en dónde las mujeres dominan  no es ese idílico paraíso que describiera el colombiano gabriel García Márquez, por el contrario, es una tierra devastada, árida , sórdida y alienada. El curioso elemento del lenguaje usado, una jerga neoyorquina muy de los ochentas, llena de arquetipos y frases baratas comunes enaltece el hecho de que el mismo lenguaje, el arte, la música, la ingeniería, todas ellas invenciones masculinas se pervierten bajo el régimen de las Frau ( las mujeres) . Por otro lado, es pertinente señalar que , aunque las mujeres son inequívocamente masculinizadas hasta la saciedad, lo que realmente hace la diferencia no es la capacidad de Gorkis para crear , inventar y luchar, sino algo que las feministas olvidaron hace ya tiempo: la capacidad de amar. Y es que , curiosamente, el amor , es el catalizador de los cambios que han de venir al mundo, en este caso, el amor entre hombres y mujeres, proscrito por las mismas Frau (el director David Engelbach bien pudo haberse horrorizado por los movimientos feministas británicos, los más beligerantes y violentos de la época) . Hay metáforas que extraer aquí, muy  convincentes para nosotros, los hombres que tenemos que padecer los abusos del feminismo en pleno siglo XXI, 900 años antes de que lo descrito en América 3000 ocurra. El primero, Frau en castellano es Mujer, y viene del  alemán; sin duda el elemento Nazi del régimen de las Frau se basa en la esclavitud , el trabajo forzado, el campo de concentración, la mutilación genital y lingual (que son a su vez dos metáforas: la genital para eliminar el principal elemento característico masculino, la lingual, para quitarnos la libertad de expresión). En la jerga usada, “nuclear” significa matar, lo cuál no es desconocido en un filme heredero de la guerra fría, pero tiene qu ever más con la destrucción de la escencia. Al nuclear, las Frau no sólo mataban el cuerpo, sino también el alma.  El filme posee tintes de humor característicos, escondidos bajo la sordidez del paisaje, supongo que bien Engelbach podría haber influenciado y prestado elementos a la muy bizarra Big Bang de  Picha.  Qué curioso que el erial descrito en América 3000 es la mayor de todas las metáforas: dicho desierto seco, hóstil y radioactivo sólo puede ser producto del mando de las mujeres, más que de una posible guerra nuclear entre soviéticos y americanos.

A colleague of mime has left the binding of an unknow film  to me, from the 80’s: that decade, satiated of quirky styles and  bizarre tendencies , to speculative, and still fears begotten of the Cold War, America 3000, a film where the nuclear paranoia is sublimated to other not so paranoid, but very current (no need to get to the year 3000 so that it can happen: based unequivocally on the Greek myth of the Amazons) , a post apocalyptic world, in where women are military power while men are slaves and to even less than that. The film is lack onto  brings original features, even has a certain air to the  Franklin J. Schaffner’s Planet of the Apes, but i has items that attract attention for their speculative content: first, that women as masters are so cruel and so despotic; the second and the relevant one,  the will, intelligence, ability, how to face adversity, hostile conditions, adaptability, decisions made , and the ability to take risks of the Men; in this case the protagonist, Gorkis, played by Chuck Wagner (Automan) at the time of changing the world, literally. The point is that the world where women dominates is not that idyllic paradise  describes by  a Gabriel García Márquez; by contrast, is a wasteland, barren, sordid, alienated world. The curious element of the language used,  New Yorkish slan, full of archetypes and common and cheap phrases praises the fact that the same language, arts, music, engineering, all male inventions are perverted under the system of the Frau ( the women). On the other hand, its pertinent to note that, although women are clearly masculinized, what really makes the difference is the ability to Gorkis to create, invent and fight, but something that feminists have long forgotten: the capacity to love. And, curiously, love is the catalyst for change to come into the world, in this case, the love between men and women, outlawed for the same Frau (director David Engelbach might well have been appalled by British feminist’s movements, the most militant and violent at the time). There metaphors be drawn here, very convincing to us, men who have to suffer the abuses of feminism in the XXI century, 900 years before 3000 described in what this film do describes. Theword Frau, taken from german language, it means women in english, this its  undoubtedly came from Nazi’s regime is based on slavery, forced labor, labor camps, genital  and lingual mutilation(which are in turn two metaphors: the genital to remove the main characteristic feature male, the tongue, for take away the freedom of expression). In the slan used, “nuclear” means killing, neither of which is unknown in a film heir of the Cold War, but has ever related with the destruction of the essence. When nuclear, not the Frau only kill the body but also the soul. The film has toonish comedy characteristic schemes, hidden beneath the squalor of the background, I ts very possible that Engelbach influenced  and borrowed items to the very bizarre Picha’s Big Bang (Both films has the same background). How odd its the wasteland described America 3000 is the largest of all metaphors: the dry desert, hostile and radioactive product may only be the result of  women in command, rather than a possible nuclear war between the Soviets and Americans.

marzo 18, 2012

La Moribunda Hechicería / The Dying Sorcery

Filed under: Ciencia Ficción,Cine,General — halsivon @ 9:44 pm

Confieso que leí primero la Tierra Moribunda de Jack Vance, que haber visto el filme Wizards de Ralph Bakshi; a pesar de las obvias similtudes en cuanto a la atmósfera que se pretende recrear, el tema de la tierra post-apcalíptica llena de misticismo hechiceril es algo que ambos trabajos explotan, siendo Wizards una caricaturización sobre-expuesta de la cultura occidental de los 70’s, y al mismo tiempo, de la fantasía heroíca de Espada y Hechicería. Wizards tiene mérito en cuánto al diseño de los personajes, siendo incluso pionera en técnicas de animación bastante impresionistas. La apología al nazismo que Baski encarna exclusivamente en el villano principal, tan cómico en su animación y presentación , como el héroe Ávatar, deja pocas dudas acerca de la metáfora a concluir en este filme; ya en los 70’s con un aservo hippie, se criticaba con ahínco la excesiva industrialización de occidente en detrimento de la naturaleza, o mejor, de sus encantos ( léase el personaje Elinore). Con Wizards, Bashki adobaría el terreno para futuros proyectos de animación: siempre fiel al uso de lo grotesco, del absurdo, del sin sentido, de la teatralidad y coulfinalidad de sus personajes, que cobrarían forma muchos años más tarde en su Cool World. La temática del bien contra el mal, pervertida en Wizards, es extraída y copiosamente retomada por el artista Frank Fazzeta en  Fire and Ice; pero ambos filmes no dejan de tener similitudes, y es muy probable que Elinore inspirase a la voluptuosa Teegra.  Wizards brilla más por sus escenarios , esa tierra amorfa y verde, una extraña mezcla de toxinas nucleares con toxinas vegetales, que por su animación,  siempre fiel al minimalismo , y haciendo énfasis en la dramatización y caricaturización de los personajes, que son caricaturas de caricaturas. Un filme de culto que vale la pena ver.

I confess that I first read the Dying Earth by Jack Vance, that I  have seen the Ralph Bakshi’s film Wizards; despite the obvious similarities in terms of atmosphere that is intended to recreate the issue of post-apocalyptic sorcery worldl its full of mysticism something that both works exploits, being  Wizards cartoons overexposed and resembling Western culture from the 70’s, and at the same time,  Sword and Sorcery’s fantasy. Wizards has much merit in the design of the characters, even being a pioneer in animation techniques rather impressionistic and low modeled. The apology to Nazism that  Bashki plays into exclusively on the main villain, also so comical in his animation and presentation, and as the main hero: Avatar, it leaves little doubts about the metaphor to conclude in this film, and in the 70’s with a stream hippie enviroment that criticizes excessively hard the industrialization of the West to the detriment of nature, or rather of its most evidentcharms (take a look one the character Elinore). With Wizards, Bashki farms the way for future animated projects: always faithful to the use of the grotesque, the absurd, the meaningless, and the clownish purposeswith  theatricality of his characters, that he rathers would charge so many years later in his  Cool World. The theme of good versus evil, perverted in Wizards, is heavily mined and taken up by the artist Frank Fazzeta in Fire and Ice’s movie, but both films remains with many  similarities,  and Elinore is likely to inspire the voluptuous  Teegra. Wizards shines more for its scenery, the  amorphous and green land , a strange mixture of nuclear toxins with plant toxins,  which by its animation, always faithful to minimalism, and emphasizing the drama and caricature of the characters who are toons of toons . A cult film worth be seeing.

febrero 23, 2012

iGirl v 1.0

Filed under: Ciencia Ficción — halsivon @ 6:18 pm

 

Tengo la teoría de que el feminismo , antes de ser una respuesta social o psicológica, es una respuesta biológica. En el mundo hay apróximadamente 6.840.507.003 seres humanos,  el 65% de ellos están en Asia; pero el feminismo es un fenómeno occidental, nace después de la segunda guerra mundial, se concentra en Inglaterra y de ahí se exporta con éxito a las naciones nórdicas , que sirven de modelo para Europa y para el mundo, y a Estados Unidos, y de Estados Unidos, a todo el continente americano y a Japón. ¿Porqué un respuesta biológica? Precisamente, por que nuestra reproducción sexual está basada en el gusto, la atracción y el gozo de la relación sexual, a diferencia de casi todas las especies de reproducción sexual de la Tierra. Cuando el feminismo habla de independencia, autodeterminación, igualdad de oportunidades , igualdad ante la ley , trato y demás, sólo está llevando a la población femenina a una condición evidiada y/o deseada que se presume para los hombres, pero en todo caso, el de enaltecer la masculinidad en las mujeres. Esto trae consecuencias, evidentemente, tanto para las hembras como los machos de nuestra especie; provoca que existan menos matrimonios, más divorcios, hijos de padres separados, incertidumbre, inseguridad, un alto costo de vida, y el hecho de que haya menos hombres dispuestos a comprometerse,  a sabiendas de los riesgos financieros, económicos y emocionales que puede acarrear un matrimonio con una mujer que se declare a sí misma como independiente. En Conclusión, menos niños, ya que la Familia, entidad diseñada para proteger a las nuevas generaciones, se disuelve, se pervierte y se corrompe. Además, el evidente apoyo hacia el aborto que las feministas muestran , va más allá del proceso de androgeneización al que el feminsimo desea someter a todas las mujeres (dicho de otra manera, convertirlas en hombres) : el aborto es la manera más extrema y bizarra de impedir el nacimiento de nuevas generaciones, con la excusa de los llamados “derechso reproductivos” que en todo  caso parecen ser exclusivos de las mujeres. Total, la sociedad andrógina que soñara Ursula K.Leguin se hace cada vez más posible, y , motivada y apoyada por los medios de comunicación, los políticos y la cultura popular , dejan a la población masculina cada vez más el lugar de ciudadanos de segunda, prescindibles y vulnerables.  La respuesta evidente que todo hombre ha de acometer ante tal amenaza, es simple,  pero impensable dentro del canon cultural de la sociedad occidental: prescindir de las mujeres.  Los japoneses, a los que el feminismo ha tocado de una manera extraña , llevan años trabajando en el tema, tanto desde su cultura popular ( el manga (saber marionette, catgirl NUkuNuku, Video Gir AI, entre otras) , como desde la robótica. ¿Cuánto hará falta para que cada vez más hombres tengamos que recurrir a representaciones artificiales de la hembra de nuestra especie, por quela hembra de nuestra especie es un peligro para la especie?

 

I have a theory that feminism, rather than being a social or psychological response, ts a biological response. In the world there are approximately 6,840,507,003 human beings, 65% of them are in Asia, but feminism is a Western phenomenon, born after World War II, focuses on England and then successfully exported to the Nordic nations , which serve as a model for Europe and the world, and the United States, that exported to  the  rest of Americas and Japan. Why it would be a biological response? Precisely because our sexual reproduction is based on the pleasure, attraction and enjoyment of the sexual relationship, unlike almost all sexually reproducing species on Earth. When feminism speaks of independence, self-determination, equal opportunities, equality before the law, and other treatment, only the female population being an envied condition and / or desired presumed for men, but in any case, the to raises masculinity in women. This has consequences, of course, for both females and males of our species, cause there are fewer marriages, more divorces, divorced parents, uncertainty, insecurity, most expensive way  of living, and the fact that fewer men willing to engage and to embraces marriage, knowing the financial, economic and emotional disaster that can have a marriage with a woman who declare themselves as independent. In conclusion, fewer children; as the Family, an organization designed to protect the younger generations, it dissolves, perverted and corrupted. Furthermore, the apparent support for the abortion feminists show goes beyond the process to which the feminism  wants to turn women more masculine  (in other words, make them like men): abortion is the most extreme and bizarre to prevent the birth of new generations, with the excuse of  called “reproductive rights” in any case , aright that be exclusive to women. Overall, the androgynous society that Ursula  K.Leguin dreamed, is increasingly possible, and, motivated and supported by the media, politicians and pop culture, leaving the male population increasingly the place of second-class citizens , dispensable and exploited. The obvious answer every man has to rush to such a threat, it is simple, but unthinkable in the cultural canon of Western society: to live without women. The Japanese, wich  that feminism has played in a strange way, have been working on the topic from both popular culture (the manga (saber marionette, catgirl Nukunuku, Video Gir AI, etc.), as from robotics. How long will it take for men increasingly have to resort to artificial representations of the female of our species, when the  female of our species is a threat to the species?

diciembre 26, 2011

Siente el Ritmo / Feel the Rush

Filed under: Ciencia Ficción,Cine,Música — halsivon @ 5:06 pm

 

August Rush de la  Directora Kirsten Sheridan es probablemente , junto al Violín Rojo de François Girard uno de los filmes de los que se podría decir que es “EL Filme de Música” por excelencia. Siendo el Cine la hibridación entre Las Artes Escénicas y la Fotografía, difícilmente se podría imaginar desde sus mudos comienzos que serviría también para la presentación de otras artes, pero, siguiendo el espíritu de la Camerata Florentina, tenemos un espacio en el que se pueden visualizar Todas las Artes, o en este caso, la Música.Lla Directora nos ofrece, gracias a una fotografía brillante, y una narrativa simple pero conmovedora, los diferentes pasos que ha de recorrer Evan (August Rush) , huérfano y olvidado por el mundo, para convertirse en un brillante wünderkind, un niño prodigio de esos que hacen  las delicias en los conservatorios austriacos y suizos. Pero si queríamos una fría y arrogante biografía del wünderkind, sólo teníamos que visitar a Mozart.  La épica del viaje personal de August es de un sino más bien particular y diferente, descubriendo la música en todas partes: en las calles, en los sonidos de los objetos y utensilios, en las bocinas de los coches, en el monocorde parloteo de la gente , en la puesta de sol, en las luces y luminarias de de una ciudad fría y estéril ( si acaso, la brillante fotografía realiza el mayor aporte narrativo en este sentido, otorgándole a la Academia Jilliard, y al parque de Chicago una especial atención en cuanto a humanidad y al calor humano se refiere, con la posible excepción en la Iglesia en dónde August aprende la notación musical, ya que es una metáfora religiosa del Cielo) .  August, lejos de arrogancias propias de niños genio, se presenta con mucha honestidad ante el público ,  con la sola  intención de llamar a sus padres perdidos , una violoncellista  que añora a su hijo, y un Músico de Rock  que ha olvidado el sentido de la música, con la misma música que él compone, lo cuál le transfiere mucha épica a este filme. Sobresale la actuación de Robin Williams (El Mago) , quién combina su histrionismo rocambolesco con el papel de un villano inmaduro y posesivo.  El doble propósito de august de encontrar a sus padres , y servir él mismo de Instrumento para la musica, y de isntrumento musical, le confieren una humanidad trascendente, una esacala evolutiva adicional que sólo este chico aprovecha con una didáctica y alegre actuación.

 

August Rush by  Kirsten Sheridan is probably, close to theFrançois Girard ‘s  Red Violin, one of the films which could call it “The  Music Film” per excellence. As the hybridization between The  Drama Arts and Photography, one could hardly imagine from its silent beginnings would also serve for the presentation of other arts, but, in the spirit of the Florentine Camerata, we have a space that can be viewed All Arts, or in this case, the Music.  What Kristen offers, thanks to a glossy photograph and a simple but emotional  narrative, the various steps that has to follow main character  Evan (August Rush), an orphan and forgotten by the world, to become a brilliant wunderkind, a prodigy of those who delight in the Austrian and Swiss conservatories. But if we wanted a cold and arrogant biography of the wunderkind, just had to visit Mozart. The epic and  personal journey of August is a rather special and different, discovering the music everywhere: in the streets, the sounds of objects and tools, in car horns in the monotonous patter of the people in the sunset, the lights and city lights of a cold and sterile (if anything, the bright picture narrative makes the greatest contribution in this direction, giving the Jilliard Academy, and the Chicago Park special attention about humanity and spiritual warmth its concerned, with the possible exception of the Church  where August  learns the music notation, since it is a religious metaphor of Heaven). August, very far from the arrogance of genius children, presents hisself with a lot of honesty to the public, with the sole intention of calling his parents lost: a cellist who longs and tears  for his son, and a rock musician who has forgotten the meaning of what music means, with the same music that he composed, which gives it much epic in this film. Something to name it out , its  the good acting performance of Robin Williams (The Wizard), who combines his bizarre histrionics in the role of a villain immature and possessive. The dual purpose of August to find his parents and himself to serve as an instrument for music, and musicalinstrument hisself  give it a transcendent humanity, an additionalscale  evolutionary,  this kid  just takes a didactic and joyful performance.

 

 

 

noviembre 24, 2011

Sueño de una noche de Invierno / A Midwinter Night’s Dream

Filed under: Ciencia Ficción — halsivon @ 8:29 pm

Heliconia Invierno de Brian Aldiss demuestra que si  hay tercero malo, pero no sólo a través de este libro se  aprecia y enaltece Heliconia Verano.   No me malentiendan: el cierre del ciclo Heliconia no pudo ser más pertinente y decente. El libro es precioso, pero no le llega ni a los talones a Heliconia Verano en cuanto a riqueza narrativa, complejidad y estructura de los personajes, escenarios presentados, arcos argumentales y Ciencia Ficción. Es gracias a Heliconia Invierno que aprendí a querer Heliconia Verano, que cuando lo he leído por primera vez me parecía un gran título por sí mismo. Hay momentos incluso en que la segunda entrega llega a desprenderse de sus dos pares, para ser independiente , y sin exageraciones, y sin subestimar los anteriores trabajos (léase Primavera) , Heliconia bien pudo haaberse quedado allí. Aldiss comete muchos errores argumentales en Invierno , es evidente su animosaidad en contra de dicha estación, pero el libro es tan correcto en cuanto a la metáfora de lo que el invierno supone  emocional y personalmente para el autor, que menoscaba su propio trabajo. El texto es como el Monstruoso Libro de los Monstruos de Harry Potter: es el gélido , apático , gris y entumecido libro de Invierno, sólo hace falta que al abrir la tapa una fría escarcha le envuelva a uno. Aldiss se queda sin ya nada que oferecer en esta entrega , todo ya lo había dicho, y acaso pretende salvar la partida ofreciéndonos su peculiar perspectiva de lo que ocurría en la Tierra mientras el Gran Año Heliconiano estaba por cumplirse. Este ha sido su gran desaguisado;  no lo necesitaba , hubiera sido mucho más preferible una mejor óptica de lo sucedido en el Avernus y los exiliados de Aganip, que traer a colación una Tierra que jamás le interesó en el pasado narrado en el Saga Heliconia.  El Avernus no pudo ser más metafórico y correcto para con la intención de finalizar Heliconia: si Avernus muere, las transmisiones y de paso, nuestro interés para con Heliconia muere con la mítica estación, por otro lado , su manejo para con su final es digno de una producción  Hentai. Me gustaba que el Avernus, cuyo nombre proviene precisamente del Averno, uno de los infiernos griegos, ofreciera un tipo de Infierno diferente, donde el del  tedio , la rutina, la claustrofobia y el estoicismo gris aprisionase y alienase a sus habitantes, en lugar de convertirse en un infierno del Bosco de manera tan literal; hasta en ello el autor vulnera su propia obra anterior.  Como ya no tiene nada que contar, pretende convencer con una humanidad descarnada e idílica , tan pálida y aburridora  como los geonautas que con tanto ahínco exhibe. Sólo el episodio en la Rueda de Kharnabhar hace lo que la propia Rueda hace con Luterin, salvarlo, y en esta caso, la Rueda salva el libro: es quizá el único aporte importante en cuanto a narrativa y contexto se refiere, una prisión móvil que expía los pecados del protagonista para darle la madurez necesaria para formar un hogar en el cada vez más inhóspito invierno en compañía de Toress Lahl, quizá , la mejor protagonista femenina que vez haya  creado Aldiss,  incluso por encima de figuras de la talla de Shay Tal o MyrddenIngala. Ella es uno de los errores argumentales de los que hablaba al principio: si el autor se hartaba de comparar a los heliconianos con los humanos terrestres, ningún ejército llevaría a sus mujeres al frente de batalla, sobre todo cuando corre el peligro  que ha corrido esta protagonista, el de convertirse en una esclava del vencedor. La tenacidad y entrega, obediencia y determinación de Toress hacia su Amo, y luego su esposo , dan notable ejemplo de la profundidad de este personaje, cualidades que carecieron en casi todos los protagonistas  del libro, empezando por el mismo Luterin  antes de la Rueda.  Los Phagors, aquellos némesis que cobraron relieve en Verano , se ven absolutamente diluidos en Invierno; descubiertos sus misterios, el autor ya nada más tenía que ofrecer por ellos en esta edición, la cual paradójicamente era su estación y momento.  Sin la Rueda, el libro hubiera sobrado , al no poder darle un final digno a una gran saga literaria como lo es Heliconia.

Brian Aldiss Helliconia Winter shows that there its a bad third , and  only through this book I do appreciates and praises Helliconia Summer. Do not misunderstand me,  Heliconia closing cycle  could not be more decent, the book is beautiful, but has anything to do against of  Helliconia Summer in wealth , narrative ,complexity and character’s structure , scenarios presented, arcs plot and Science Fiction. Thanks to Helliconia Winter, I learned to love Summer, I read that when I first looked like a great title for himself. There are times that even the second Book are independant from the two others,, and without exaggeration, without underestimating his previous work (meaning Spring), Heliconia chrooting well to have stayed there. Aldiss  makes many plot mistakes in  Winter, is obviously that he is  against this season, but the book is so right about the metaphor of what the winter its emotionally and personally to the author, who undermines his own work. The text is like the Cloverfield Monster Book of Harry Potter: the cold, apathetic, numb gray Winter’s book, it only takes that opening the lid to wrap a cold frost one. Aldiss loses nothing in this release, offering features, everything had already said, and perhaps intended to save the game by offering his unique perspective of what was happening on Earth as the Great Year Heliconiano was to be fulfilled. This was his big mess, he did not need it, it would have been much better a better perspective of what happened in the Avernus and Aganip exiles, who bring up an Earth that never interested him in the past told in the Helliconia Saga . The Avernus could not be more metaphorical and correct for the intended to put an end : If Avernus dies, theincoming transmissions and incidentally, our interest in Heliconia dies with the legendary space station, on the other hand, handling to its final its look like a Hentai production. I liked the Avernus from before, whose name derives precisely from the underworld, one of the  Greek’s Hells, offered a different kind of punishment where the boredom, routine, claustrophobia and gray stoicism  imprisoned and alienate its inhabitants, instead of become a  Bosco’s Hell so literally, up in it the author undermines his own earlier work. As he has nothing more to tell, trying to convince  us a about a stark and idyllic mankind, so pale and tired as the Geonauts  that he is so proud to  exhibits. Only  Kharnabhar Wheel’s episode itself does what it does with Luterin, to save, and in this case, the wheel saves the entire book, and  its perhaps the only significant contribution in terms of narrative and context taht Aldiss offers in   this mobile prison atones for the sins of the protagonist to give the necessary maturity to make a home in the increasingly inhospitable winter with Toress Lahl,  with perhaps the best female character that the author ever created , even above great women   like Shay This or Queen MyrddenIngala . She is one of the plot mistakes of those what I  spoke at the beginning: if the author was tired of comparing heliconians with earth humans, no army would take their women to the frontline of battle, especially when the danger that has suffered this character, that of becoming a slave of the winner. The Toress tenacity and dedication,determination  and obedience to her Master, and later  her husband are notable example of the depth of this character, qualities they lacked in almost all the protagonists of the book, starting with  Luterin himself, before the Wheel. The Phagors, those that claimed relief nemesis in summer, are quite diluted in Winter: been discovered they  mysteries, the author had nothing more to offer for them in this edition, which ironically was their station and time. Without the wheel, the book would would be wothless, unable to give a fitting end to a great book series such as Helliconia.

noviembre 8, 2011

El Corazón de la Noche / The Night’s Heart

Filed under: Ciencia Ficción,Cine — halsivon @ 8:32 pm

M. Night shyamalan  podría ser considerado como el peor Director de Cine Comercial  por una sola circunstancia: su total incapacidad de realizar y hacer filmes perdurables, duraderos y con suficiente  conmoción como para que alguien quiera ver una de sus películas más de una ocasión. Su fórmula, basada en despistar el suficiente tiempo al espectador, para luego derribarlo por Knock-Out en el último asalto,  hace que sus trabajos sólo puedan ser vistos por una vez.  No sucede así con el filme Dark City de Alex Proyas (The Crow), el cual, y siguiendo pasos similares , se convierte en un filme de ciencia ficción de Culto , entretenido y memorable, con una excelente puesta en escena , la cual , en definitiva , hace a esta producción. Situada en una Ciudad contaminada, lustrosa pero con cierto arraigo nostálgico por los años 30 , nos presenta a una particular visión de la vida citadina , enclaustrada en sí misma , absorta por los problemas del día a día, inmutable como la noche que no parece terminar jamás, y todo esto es una cruel broma perpetrada por un gang de telépatas cuadriculados , cuya motivación constante de la búsqueda de la psique y la naturalexa humana les hace experimentar con los habitantes de esta sempiterna ciudad sin que estos se percaten; Sólo John Murdoch (Rufus Sewell), asesino de prostitutas serial , permanece despierto para descubrir lo que oculta Dark City, al tiempo que  describe una épica huída detectivesca muy al estilo de John Dillinger,  con un escenario que recuerda esa Chicago señorial de Al Capone.  La contraposición de memorias es relevante para Murdoch, que no comprende el cómo posee el cuerpo de un asesino, cuando todo lo que desea es  llegar a la playa de su infancia en la que entre otras cosas, pasó su Luna de Miel con su esposa, clásica y brillanetmente interpretada por Jennifer Connelly.  pronto se percataría de que la claustofóbica ciudad,  con edificios barrocos y  avenidas que no parecen ir a ningún sitio,  corresponden al patio de juegos de los telépatas, entidades estrictas y prácticas, carentes de toda compasión y virtudes humanas , los cuáles funcionan de metáfora para las hostiles y frías condiciones de las ciudades norteamericanas en muchas de sus épocas, especialmente en la Depresión.  Por otro lado, el significado que Murdoch otorga a la Playa Shell, aquel olvidado pero siempre añorado lugar de la infancia habla mucho , sobre todo para un hombre al que le imputan dos cargos por homicidio justo al comienzo del filme: el protagonista siente que ha perdido su infancia , y que no la perdió por voluntad propia , sino por los crueles designios de los telépatas , que allí en la playa está el último recodo honesto y cuerdo de lo que queda de la humanidad en una ciudad estéril, inmutable y asfixiante. Es aquí donde la trascendencia humana , encarnada en Murdoch, cobra forma física ,  la evolución del hombre acosado por circunstancias que no puede controlar lo transforma en mucho más que un simple humano y lo eleva hasta convertirse en dios. Murdoch es acusado injustamente de matar mujeres, pero en su épica investigación descubre más que su propia inocencia, descubre  la fórmula para conquistar todas las fronteras y derribar todos los obstáculos, aunque parezca imposible, algo que sólo los hombres podemos hacer.

 

M. Night Shyamalan might be considered the worst commercial Filmmake for one simple fact: his complete inability to perform and make films lasting durable and shocking films, enough for anyone to want to see one of his films more than once. His formula, based on long enough mislead the viewer, then shot down him by KO at the last assault, makes his works can be seen only once. That doesnt happens with the  Dark City film by Alex Proyas (The Crow), which, following similar steps, it becomes a science fiction film of Worship, entertaining and memorable, with excellent staging, which in ultimately makes this production. Located in a polluted city, but with a glossy nostalgia rooted in the 30’s, it shows a particular vision of the city life, cloistered itself, absorbed in the problems of everyday, immutable as the night that does not seem to end never, and this is all a cruel joke perpetrated by a gang of telepaths beings, whose  constant motivation and search for the human nature and psyche , makes them throws the experience with the inhabitants of this eternal city,without their aknowledgement; only John Murdoch ( Rufus Sewell), serial murderer of prostitutes, awakes to discover what hiddens the  Dark City, involved into an epic  detective search , much like John Dillinger’s , with a scenario reminiscent of the   Al Capone’s Chicago. The contrast of memories is relevant to Murdoch, who does not understand why he possesses the body of a murderer, when all what he wants its to reach the beach of his childhood in which, among other things, spent his honeymoon with his wife, performed so  classicly by  Jennifer Connelly. Soon he (Murdoch) would realize that the claustrophobical city with baroque buildings and avenues that seem to go anywhere, are the playground of the telepaths, very strict managers ,  unable to feel and experiences  all compassion and human virtues, which function as a metaphor for hostile and cold conditions in many American cities of their times, especially in the 30’s Depression. On the other hand, the meaning that gives Murdoch Shell Beach, this forgotten but always missed childhood rather than talk a lot, especially for a man who accused  of murder twice at the very beginning of the film: the protagonist feels that he has lost his childhood, and lost not by choice but by the cruel designs of the telepaths, there on the beach is the last turn honest and sane for the rest of humanity in a barren city, immutable and stifling. This is where human transcendence embodied in Murdoch, takes shape, the evolution of man beset by circumstances and an enviromente that he can not control what becomes more than a mere human and rises to become a god. Murdoch is wrongly accused of killing women, but in his epic investigation reveals more than his own innocence, find the formula to conquer all boundaries and tear down all obstacles, even if seems  impossible, something that only Men we can do.

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