De si se trata o no de un documental, si, es mi opinión, de que el tebeo Persépolis de Marjane Satrapi , así como el filme animado del mismo nombre bien podría servir para tal propósito, sobre todo a la hora de denunciar la tiranía Iranía desde el el levantamiento de los Ayatollahs;  Este Persépolis es único en varios aspectos, sobre todo a la hora de hacer lo que en occidente no se hace: denunciar , a través de la óptica de una feminista (Satrapi), el abusivo régimen islamista de Irán. Siempre me he preguntado el porqué las feministas occidentales , en lugar de denunciar los excesos cometidos por la Sharia (ley islámica) hacia las mujeres, sólo les importa lo que hacen los hombres occidentales, que en el común de los casos, son buenos hijos de vecino, que pagan sus impuestos, y son bastante alfabetizados y civilizados. Pero no, sucede en países tan feministas como Suecia, que cualquier condición masculina proveniente de un hombre es ridiculizada y atacada a tal extremo, mientras que se dan la vuelta cuando estos comportamientos surgen de musulmanes inmigrantes (Los casos y los gettos islamistas de Malmö son sólo un ejemplo); llegue a la conclusión de que las feministas occidentales y los musulmanes radicales tienen exactamente el mismo enemigo: Nosotros, los Hombres occidentales. Es por ello, que se les permite , aún en sociedades tan feminitizadas como la sueca, hacer y deshacer para con la población femenina, mientras que a los hombres de su propia cultura y religión no nos pasan ni  una. Es por ello que Persépolis es diferente, pero igual a lo de siempre:  con un antiamericanismo y antieuropeísmo  contundentes, Marjane describe su propia y trágica vida , desde un punto de vista humorístico , con lo cuál hace un homenaje evidente a las artes dramáticas.  Va más lejos en esto, al contextualizar sus recuerdos en gamas de claroscuros, usando el negro como patrón para casi todo, rememora ese cine clásico y otorga una dimensión dramática a la excesiva caricaturización de los personajes dibujados.  Por otro lado, su desdén hacia la cultura europea, no es menor que su desdén hacia su propia nación, en la que las libertades civiles e individuales son onerosamente despreciadas por un régimen fanático y obtuso.  Su pensamiento, claramente de izquierdas, se deriva entre su educación como iraní (no propiamente una educación musulmana, teniendo en cuenta que su infancia fue en la Irán del Sha), y las influencias occidentales que tanto desprecia, caminando a manera de funánmbula entre su revulsión hacia occidente y a oriente más o menos por igual.  La independencia que tanto desea su madre y su abuela , avatares primeros de su formación como feminista, se ve abducida en gran parte por la propia arrogancia de Satrapi, la cual ella misma confiesa de manera, eso sí, honesta, a través del filme, en dónde desnuda su alma en tebeos animados graciosos y conmovedores.  El filme ridiculiza por igual, el fanatismo de los matones del régimen, así como al islam que les da argumentos y energías, a los hombres y mujeres imbuídos y desecados por la Sharia y por el terror de las armas y la opresión, así como el arte, la historia y el aservo de los europeos, que no se cansa de criticar y de hostigar.  El resultado , es una verdadera caricatura con ciertas inclinaciones hacia el odio, Marjane desea una Irán libre y plural, una Irán , curiosamente, europea; pero al mismo tiempo desea una Europa Iraní y uniforme, de manera tan evidente como el contraste entre el tocado negro de su  Shador con el de su rostro blanco , pálido y bidmensional.

Of whether or not a documentary, if it is my opinion, that the comic book , Persepolis by Marjane Satrapi, as well as the animated film of the same name could well serve for this purpose, especially when denouncing the Iranian tyranny since the rise of the Ayatollahs, The Persepolis is unique in several aspects, especially when inside happens where in the West doesnt: to denounce, through the lens of a feminist (Satrapi), the abusive Islamist regime in  Iran. I’ve always wondered why Western feminists, rather than denounce the excesses committed by the Sharia (Islamic law) to women, they only actually cares about what they  Western men do, who in ordinary cases, they are good  neighbosr, who pay their taxes, and are quite literate and civilized. But, as happens in countries like Sweden , where feminists damns  any male condition from a man, who is ridiculed and attacked to such an extent, while they turn around when these behaviors arise from Muslim immigrants ( Cases in Malmö town, where Islamists are just one example), concludes that Western feminists and radical Muslims have exactly the same enemy: We, the Western men. This is why they are allowed, even in societies such as the feminist Sweden’s one , doing and undoing for the female population, while the men of their own culture and religion we are not allowed to do anything. That is why Persepolis is different, but equal to the same thing: Marjane is an anti-Americanist and anti-Europeanist , she  describes her own tragic life from a humorous point of view, so what makes an obvious tribute to the performing and dramatic  arts. She  goes beyond this, to contextualize their memories in shades of gray areas, using black as the standard for almost everything that recalls classic films and gives a dramatic dimension to excessive caricature drawned into her  characters. On the other hand, his disdain for European culture, there is less than its disdain toward her own nation, in which civil and individual freedoms are despised by grievously fanatic regime. Her thinking clearly on the left political side, is derived from her education as an Iranian (not exactly a Muslim education, considering that his childhood was in the Shah’s Iran), and Western influences that so despises, walking among her way with  revulsion toward the West and East more or less equally. The independence that she  craves, from her mother and grandmother, first  avatars  of her formation as a feminist, is abducted in large part by her own arrogance . Satrapi, which she herself admits so, yes, honestly, throughout the film and comics, where bares her own soul in comics funny cartoons. The film mocks alike the bigotry of the thugs of the regime and Islam as arguments and gives them energy, men and women imbued and dried by the Sharia and the terror of the weapons and the oppression; and the art, history and culture of Europeans, who never she get tires of criticizing and harassing. The result is a real cartoon with certain inclinations toward hatred, Marjane wants a free and pluralistic Iran, and  curiously,  an Europe Iranian, but also , so obviously the contrast between the headdress  black Shador  , and  her white face , pale and two dimensional.

August Rush de la  Directora Kirsten Sheridan es probablemente , junto al Violín Rojo de François Girard uno de los filmes de los que se podría decir que es “EL Filme de Música” por excelencia. Siendo el Cine la hibridación entre Las Artes Escénicas y la Fotografía, difícilmente se podría imaginar desde sus mudos comienzos que serviría también para la presentación de otras artes, pero, siguiendo el espíritu de la Camerata Florentina, tenemos un espacio en el que se pueden visualizar Todas las Artes, o en este caso, la Música.Lla Directora nos ofrece, gracias a una fotografía brillante, y una narrativa simple pero conmovedora, los diferentes pasos que ha de recorrer Evan (August Rush) , huérfano y olvidado por el mundo, para convertirse en un brillante wünderkind, un niño prodigio de esos que hacen  las delicias en los conservatorios austriacos y suizos. Pero si queríamos una fría y arrogante biografía del wünderkind, sólo teníamos que visitar a Mozart.  La épica del viaje personal de August es de un sino más bien particular y diferente, descubriendo la música en todas partes: en las calles, en los sonidos de los objetos y utensilios, en las bocinas de los coches, en el monocorde parloteo de la gente , en la puesta de sol, en las luces y luminarias de de una ciudad fría y estéril ( si acaso, la brillante fotografía realiza el mayor aporte narrativo en este sentido, otorgándole a la Academia Jilliard, y al parque de Chicago una especial atención en cuanto a humanidad y al calor humano se refiere, con la posible excepción en la Iglesia en dónde August aprende la notación musical, ya que es una metáfora religiosa del Cielo) .  August, lejos de arrogancias propias de niños genio, se presenta con mucha honestidad ante el público ,  con la sola  intención de llamar a sus padres perdidos , una violoncellista  que añora a su hijo, y un Músico de Rock  que ha olvidado el sentido de la música, con la misma música que él compone, lo cuál le transfiere mucha épica a este filme. Sobresale la actuación de Robin Williams (El Mago) , quién combina su histrionismo rocambolesco con el papel de un villano inmaduro y posesivo.  El doble propósito de august de encontrar a sus padres , y servir él mismo de Instrumento para la musica, y de isntrumento musical, le confieren una humanidad trascendente, una esacala evolutiva adicional que sólo este chico aprovecha con una didáctica y alegre actuación.

August Rush by  Kirsten Sheridan is probably, close to theFrançois Girard ‘s  Red Violin, one of the films which could call it “The  Music Film” per excellence. As the hybridization between The  Drama Arts and Photography, one could hardly imagine from its silent beginnings would also serve for the presentation of other arts, but, in the spirit of the Florentine Camerata, we have a space that can be viewed All Arts, or in this case, the Music.  What Kristen offers, thanks to a glossy photograph and a simple but emotional  narrative, the various steps that has to follow main character  Evan (August Rush), an orphan and forgotten by the world, to become a brilliant wunderkind, a prodigy of those who delight in the Austrian and Swiss conservatories. But if we wanted a cold and arrogant biography of the wunderkind, just had to visit Mozart. The epic and  personal journey of August is a rather special and different, discovering the music everywhere: in the streets, the sounds of objects and tools, in car horns in the monotonous patter of the people in the sunset, the lights and city lights of a cold and sterile (if anything, the bright picture narrative makes the greatest contribution in this direction, giving the Jilliard Academy, and the Chicago Park special attention about humanity and spiritual warmth its concerned, with the possible exception of the Church  where August  learns the music notation, since it is a religious metaphor of Heaven). August, very far from the arrogance of genius children, presents hisself with a lot of honesty to the public, with the sole intention of calling his parents lost: a cellist who longs and tears  for his son, and a rock musician who has forgotten the meaning of what music means, with the same music that he composed, which gives it much epic in this film. Something to name it out , its  the good acting performance of Robin Williams (The Wizard), who combines his bizarre histrionics in the role of a villain immature and possessive. The dual purpose of August to find his parents and himself to serve as an instrument for music, and musicalinstrument hisself  give it a transcendent humanity, an additionalscale  evolutionary,  this kid  just takes a didactic and joyful performance.

Heliconia Invierno de Brian Aldiss demuestra que si  hay tercero malo, pero no sólo a través de este libro se  aprecia y enaltece Heliconia Verano.   No me malentiendan: el cierre del ciclo Heliconia no pudo ser más pertinente y decente. El libro es precioso, pero no le llega ni a los talones a Heliconia Verano en cuanto a riqueza narrativa, complejidad y estructura de los personajes, escenarios presentados, arcos argumentales y Ciencia Ficción. Es gracias a Heliconia Invierno que aprendí a querer Heliconia Verano, que cuando lo he leído por primera vez me parecía un gran título por sí mismo. Hay momentos incluso en que la segunda entrega llega a desprenderse de sus dos pares, para ser independiente , y sin exageraciones, y sin subestimar los anteriores trabajos (léase Primavera) , Heliconia bien pudo haaberse quedado allí. Aldiss comete muchos errores argumentales en Invierno , es evidente su animosaidad en contra de dicha estación, pero el libro es tan correcto en cuanto a la metáfora de lo que el invierno supone  emocional y personalmente para el autor, que menoscaba su propio trabajo. El texto es como el Monstruoso Libro de los Monstruos de Harry Potter: es el gélido , apático , gris y entumecido libro de Invierno, sólo hace falta que al abrir la tapa una fría escarcha le envuelva a uno. Aldiss se queda sin ya nada que oferecer en esta entrega , todo ya lo había dicho, y acaso pretende salvar la partida ofreciéndonos su peculiar perspectiva de lo que ocurría en la Tierra mientras el Gran Año Heliconiano estaba por cumplirse. Este ha sido su gran desaguisado;  no lo necesitaba , hubiera sido mucho más preferible una mejor óptica de lo sucedido en el Avernus y los exiliados de Aganip, que traer a colación una Tierra que jamás le interesó en el pasado narrado en el Saga Heliconia.  El Avernus no pudo ser más metafórico y correcto para con la intención de finalizar Heliconia: si Avernus muere, las transmisiones y de paso, nuestro interés para con Heliconia muere con la mítica estación, por otro lado , su manejo para con su final es digno de una producción  Hentai. Me gustaba que el Avernus, cuyo nombre proviene precisamente del Averno, uno de los infiernos griegos, ofreciera un tipo de Infierno diferente, donde el del  tedio , la rutina, la claustrofobia y el estoicismo gris aprisionase y alienase a sus habitantes, en lugar de convertirse en un infierno del Bosco de manera tan literal; hasta en ello el autor vulnera su propia obra anterior.  Como ya no tiene nada que contar, pretende convencer con una humanidad descarnada e idílica , tan pálida y aburridora  como los geonautas que con tanto ahínco exhibe. Sólo el episodio en la Rueda de Kharnabhar hace lo que la propia Rueda hace con Luterin, salvarlo, y en esta caso, la Rueda salva el libro: es quizá el único aporte importante en cuanto a narrativa y contexto se refiere, una prisión móvil que expía los pecados del protagonista para darle la madurez necesaria para formar un hogar en el cada vez más inhóspito invierno en compañía de Toress Lahl, quizá , la mejor protagonista femenina que vez haya  creado Aldiss,  incluso por encima de figuras de la talla de Shay Tal o MyrddenIngala. Ella es uno de los errores argumentales de los que hablaba al principio: si el autor se hartaba de comparar a los heliconianos con los humanos terrestres, ningún ejército llevaría a sus mujeres al frente de batalla, sobre todo cuando corre el peligro  que ha corrido esta protagonista, el de convertirse en una esclava del vencedor. La tenacidad y entrega, obediencia y determinación de Toress hacia su Amo, y luego su esposo , dan notable ejemplo de la profundidad de este personaje, cualidades que carecieron en casi todos los protagonistas  del libro, empezando por el mismo Luterin  antes de la Rueda.  Los Phagors, aquellos némesis que cobraron relieve en Verano , se ven absolutamente diluidos en Invierno; descubiertos sus misterios, el autor ya nada más tenía que ofrecer por ellos en esta edición, la cual paradójicamente era su estación y momento.  Sin la Rueda, el libro hubiera sobrado , al no poder darle un final digno a una gran saga literaria como lo es Heliconia.

Brian Aldiss Helliconia Winter shows that there its a bad third , and  only through this book I do appreciates and praises Helliconia Summer. Do not misunderstand me,  Heliconia closing cycle  could not be more decent, the book is beautiful, but has anything to do against of  Helliconia Summer in wealth , narrative ,complexity and character’s structure , scenarios presented, arcs plot and Science Fiction. Thanks to Helliconia Winter, I learned to love Summer, I read that when I first looked like a great title for himself. There are times that even the second Book are independant from the two others,, and without exaggeration, without underestimating his previous work (meaning Spring), Heliconia chrooting well to have stayed there. Aldiss  makes many plot mistakes in  Winter, is obviously that he is  against this season, but the book is so right about the metaphor of what the winter its emotionally and personally to the author, who undermines his own work. The text is like the Cloverfield Monster Book of Harry Potter: the cold, apathetic, numb gray Winter’s book, it only takes that opening the lid to wrap a cold frost one. Aldiss loses nothing in this release, offering features, everything had already said, and perhaps intended to save the game by offering his unique perspective of what was happening on Earth as the Great Year Heliconiano was to be fulfilled. This was his big mess, he did not need it, it would have been much better a better perspective of what happened in the Avernus and Aganip exiles, who bring up an Earth that never interested him in the past told in the Helliconia Saga . The Avernus could not be more metaphorical and correct for the intended to put an end : If Avernus dies, theincoming transmissions and incidentally, our interest in Heliconia dies with the legendary space station, on the other hand, handling to its final its look like a Hentai production. I liked the Avernus from before, whose name derives precisely from the underworld, one of the  Greek’s Hells, offered a different kind of punishment where the boredom, routine, claustrophobia and gray stoicism  imprisoned and alienate its inhabitants, instead of become a  Bosco’s Hell so literally, up in it the author undermines his own earlier work. As he has nothing more to tell, trying to convince  us a about a stark and idyllic mankind, so pale and tired as the Geonauts  that he is so proud to  exhibits. Only  Kharnabhar Wheel’s episode itself does what it does with Luterin, to save, and in this case, the wheel saves the entire book, and  its perhaps the only significant contribution in terms of narrative and context taht Aldiss offers in   this mobile prison atones for the sins of the protagonist to give the necessary maturity to make a home in the increasingly inhospitable winter with Toress Lahl,  with perhaps the best female character that the author ever created , even above great women   like Shay This or Queen MyrddenIngala . She is one of the plot mistakes of those what I  spoke at the beginning: if the author was tired of comparing heliconians with earth humans, no army would take their women to the frontline of battle, especially when the danger that has suffered this character, that of becoming a slave of the winner. The Toress tenacity and dedication,determination  and obedience to her Master, and later  her husband are notable example of the depth of this character, qualities they lacked in almost all the protagonists of the book, starting with  Luterin himself, before the Wheel. The Phagors, those that claimed relief nemesis in summer, are quite diluted in Winter: been discovered they  mysteries, the author had nothing more to offer for them in this edition, which ironically was their station and time. Without the wheel, the book would would be wothless, unable to give a fitting end to a great book series such as Helliconia.

M. Night shyamalan  podría ser considerado como el peor Director de Cine Comercial  por una sola circunstancia: su total incapacidad de realizar y hacer filmes perdurables, duraderos y con suficiente  conmoción como para que alguien quiera ver una de sus películas más de una ocasión. Su fórmula, basada en despistar el suficiente tiempo al espectador, para luego derribarlo por Knock-Out en el último asalto,  hace que sus trabajos sólo puedan ser vistos por una vez.  No sucede así con el filme Dark City de Alex Proyas (The Crow), el cual, y siguiendo pasos similares , se convierte en un filme de ciencia ficción de Culto , entretenido y memorable, con una excelente puesta en escena , la cual , en definitiva , hace a esta producción. Situada en una Ciudad contaminada, lustrosa pero con cierto arraigo nostálgico por los años 30 , nos presenta a una particular visión de la vida citadina , enclaustrada en sí misma , absorta por los problemas del día a día, inmutable como la noche que no parece terminar jamás, y todo esto es una cruel broma perpetrada por un gang de telépatas cuadriculados , cuya motivación constante de la búsqueda de la psique y la naturalexa humana les hace experimentar con los habitantes de esta sempiterna ciudad sin que estos se percaten; Sólo John Murdoch (Rufus Sewell), asesino de prostitutas serial , permanece despierto para descubrir lo que oculta Dark City, al tiempo que  describe una épica huída detectivesca muy al estilo de John Dillinger,  con un escenario que recuerda esa Chicago señorial de Al Capone.  La contraposición de memorias es relevante para Murdoch, que no comprende el cómo posee el cuerpo de un asesino, cuando todo lo que desea es  llegar a la playa de su infancia en la que entre otras cosas, pasó su Luna de Miel con su esposa, clásica y brillanetmente interpretada por Jennifer Connelly.  pronto se percataría de que la claustofóbica ciudad,  con edificios barrocos y  avenidas que no parecen ir a ningún sitio,  corresponden al patio de juegos de los telépatas, entidades estrictas y prácticas, carentes de toda compasión y virtudes humanas , los cuáles funcionan de metáfora para las hostiles y frías condiciones de las ciudades norteamericanas en muchas de sus épocas, especialmente en la Depresión.  Por otro lado, el significado que Murdoch otorga a la Playa Shell, aquel olvidado pero siempre añorado lugar de la infancia habla mucho , sobre todo para un hombre al que le imputan dos cargos por homicidio justo al comienzo del filme: el protagonista siente que ha perdido su infancia , y que no la perdió por voluntad propia , sino por los crueles designios de los telépatas , que allí en la playa está el último recodo honesto y cuerdo de lo que queda de la humanidad en una ciudad estéril, inmutable y asfixiante. Es aquí donde la trascendencia humana , encarnada en Murdoch, cobra forma física ,  la evolución del hombre acosado por circunstancias que no puede controlar lo transforma en mucho más que un simple humano y lo eleva hasta convertirse en dios. Murdoch es acusado injustamente de matar mujeres, pero en su épica investigación descubre más que su propia inocencia, descubre  la fórmula para conquistar todas las fronteras y derribar todos los obstáculos, aunque parezca imposible, algo que sólo los hombres podemos hacer.

M. Night Shyamalan might be considered the worst commercial Filmmake for one simple fact: his complete inability to perform and make films lasting durable and shocking films, enough for anyone to want to see one of his films more than once. His formula, based on long enough mislead the viewer, then shot down him by KO at the last assault, makes his works can be seen only once. That doesnt happens with the  Dark City film by Alex Proyas (The Crow), which, following similar steps, it becomes a science fiction film of Worship, entertaining and memorable, with excellent staging, which in ultimately makes this production. Located in a polluted city, but with a glossy nostalgia rooted in the 30′s, it shows a particular vision of the city life, cloistered itself, absorbed in the problems of everyday, immutable as the night that does not seem to end never, and this is all a cruel joke perpetrated by a gang of telepaths beings, whose  constant motivation and search for the human nature and psyche , makes them throws the experience with the inhabitants of this eternal city,without their aknowledgement; only John Murdoch ( Rufus Sewell), serial murderer of prostitutes, awakes to discover what hiddens the  Dark City, involved into an epic  detective search , much like John Dillinger’s , with a scenario reminiscent of the   Al Capone’s Chicago. The contrast of memories is relevant to Murdoch, who does not understand why he possesses the body of a murderer, when all what he wants its to reach the beach of his childhood in which, among other things, spent his honeymoon with his wife, performed so  classicly by  Jennifer Connelly. Soon he (Murdoch) would realize that the claustrophobical city with baroque buildings and avenues that seem to go anywhere, are the playground of the telepaths, very strict managers ,  unable to feel and experiences  all compassion and human virtues, which function as a metaphor for hostile and cold conditions in many American cities of their times, especially in the 30′s Depression. On the other hand, the meaning that gives Murdoch Shell Beach, this forgotten but always missed childhood rather than talk a lot, especially for a man who accused  of murder twice at the very beginning of the film: the protagonist feels that he has lost his childhood, and lost not by choice but by the cruel designs of the telepaths, there on the beach is the last turn honest and sane for the rest of humanity in a barren city, immutable and stifling. This is where human transcendence embodied in Murdoch, takes shape, the evolution of man beset by circumstances and an enviromente that he can not control what becomes more than a mere human and rises to become a god. Murdoch is wrongly accused of killing women, but in his epic investigation reveals more than his own innocence, find the formula to conquer all boundaries and tear down all obstacles, even if seems  impossible, something that only Men we can do.

Han pasado ya varios años desde que leí Marte Rojo, de Kim Stanly Robisnon. Lo volví a leer, para intentar rescatar lo inrescatable: Marte Rojo siempre me ha parecido uno de los libros más tediosos de toda la historia de la Ciencia Ficción, pero no sabía el porqué. En mis relecturas, intentaba dilucidar qué tenía este libro que le hacía tan popular, incluso entre grandes bloggeros de Ciencia Ficción, como mi colega “F” del blogg Macrocaos, quién mencionara alguna vez que Marte Rojo era EL Libro de Ciencia Ficción.  Debido quizá a esos estándares en el que Marte Rojo era elevado, no sólo por “F”, sino por la crítica especializada y el Premio Nébula, leí tal adefesio como si se tratase de un “deber moral”.  Y con dicha motivación sufrí de una lectura pasimoniosa y bastante repetitiva, las múltiples voces de lso primeros 100 llegados a MArte , resultan ser todas Una sola, la de Kim Stanley Robinson, lo cual prueba que el gran científico no siempre es el gran escritor de ciencia ficción; y es que ahí reside el problema, aunque en la época en la que ha llegado Marte Rojo a mis manos  por primera vez no lo sabía: Marte Rojo es un Libro de Ciencia Ficción, pero no es Literatura de Ciencia Ficción. La Falta evidente de esas maravillas y detalles que hacen la literatura, tales como el uso de metáforas, poesía y ensoñaciones o caracterizaciones  que enriquezcan y enaltezcan lo narrado y descrito, (y en el caso del Planeta Rojo, y su relación y experiencias para  con los protagonistas), brilla por su ausencia. Si acaso existe una sola escena conmovedora en todo el Libro, la cual fue la expedición al polo Norte marciano. Por lo demás, Robinson se limita a ser un documentalista gris; Marte Rojo sufre de Hiperrealismo, pero el Hiperrealismo en sí no es un problema, de lo contrario no existirían maravillas como Sector-9 de Neill Blomkamp; pero su uso aquí ni siquiera es descarado, es gris y pertinente, e incluso desauciado en las voces y pensamientos de los protagonistas, los primeros 100 marcianos + el coyote, los conservacionistas estrictos y los terraformadores ambiciosos, Robinson sólo pone el el telón un voz con diferentes puntos de vista, lo cual le daría mérito como ensayista ( no tengo nada contra El ensayo, de hecho , para mí es el Más Literario de los Géneros) , si tan sólo fuera verdad lo que menciona en Marte Rojo. Si, hay ciencia ficción, mucha tecnología, detallada en lo más mínimo, pero nula literatura, por lo cual su aporte desde mi punto de vista sólo es enciclopédico.  Ni siquiera la belleza de Marte es retratada con justicia, Robinson pretende que ésta, a través de los ojos de los conservacionistas, derive en una nueva raza de MArcianos amantes de su planeta,  rebeldes y opositores de los terrestres, avatares de todos los males existentes y posibles, contra la santidad inmaculada de un planeta estéril , pobre y fracasado. Marte Rojo como libro si es , en efecto, una Metáfora del Planeta Marte: estéril, pobre y Fracasado.

It’s been passed several years since I readed Red Mars by Kim Stanly Robinson. I re-read it to try to rescue what it cannot be rescued: Red Mars has always seemed one of the most tedious and boring books in the history of science fiction, but did not know why. In my re-reading, i was trying to figure out what this book had taht made it so popular, even among great Science Fiction bloggers, as my colleague “F” from Macrocaos blogg, who ever mentioned that Red Mars was THE Book of Science Fiction. Perhaps because of these standards in the Red Mars was so high, not only for “F”‘s opinion, also by the critics and the Nebula Award; I readed this monstrosity as if it were a “moral duty”. And with such a reading motivation suffered and quite repetitive boreness, the multiple voices of the  first 100 humans in  Mars, turn out to be all just one voice, the one from Kim Stanley Robinson, which proves that the great scientist is not always the great writer,and  its where   lies the problem, although at the time the Red Mars has come to my hands for the first time I did not know: Red Mars is a science fiction book, but it is not science fiction literature. The apparent lack of these wonders and details that make the literature, such as the use of metaphors, poetry and dreaming or characterizations that enrich and exalt what its narrated and described (and in the case of the Red Planet, and its relationship and experiences with the protagonists), is conspicuous by its absence. If anything there is one poignant scene in the whole Book, which was the Martian North Pole’s expedition. Furthermore, Robinson was limited to being a gray documentary,  Red Mars are ill of Hyperrealism , but the Hyperrealism itself its not a problem, otherwise there would be no wonder as Sector-9 movie picture by  Neill Blomkamp; ​​but its use in Red Mars is not even Sassy, ​​its gray and irrelevant, and even kileed by the voices and thoughts of the protagonists, the first 100 Martians plus The Coyote; the strict conservationists and ambitious terraformers , Robinson puts the curtain just a one voice with different points of view, which would give him credit as an essayist (I have nothing against Essay literary genre, in fact, to me is the ultimate literary genre), if only it were true what he mention in Red Mars. Yes, there is science fiction, a lot of technology, detailed in the least, but no literature, so its contribution from my point of view is only encyclopedic. Not even the beauty of Mars is portrayed fairly, Robinson claims that it, through the eyes of conservationists, resulting in a new race of Martians who love their planet and rebels and opponents of the earthlings, avatars of all existing evils  possible, against the immaculate holiness of the Red Planet. Red Mars as a book if it is, in effect, a metaphor of the Planet Mars itself: barren, poor and failed.

Gattaca de Andrew Niccol es uno de esos  filmes que requiere tenacidad y paciencia, tanto al verlo como al disfrutarlo.  Su narrativa es tan simple y antiséptica , como el mundo perfecto (emulando a Aldous Huxley) que describe: Un futuro Anacrónico, con ciertos visos a la estética retro de los años 40 y 50, en donde la segregación genética hace lo que no pudo hacer la racial, la sexual o la lingüistica, separar a los genéticamente superiores del resto. El propio Aldous Huxley ya había estado tentado por estos temas, añadiendo a su vez, toda una perspectiva degenerativa lúdica en su distopía; pero Gattaca no es una distopía, es una utopía bastante higiénica, en donde el protagonista está para probarse a sí mismo , y al indiferente y cruel mundo que le somete, que el potencial de los hombres es infinito. La puesta en escena, en primera persona narrando como el sueño de un hombre por conquistar un espacio que ya es sólo dominio de los genéticamente superiores, nos somete a ciertos impactos emocionales, bastante tenaces , en los cuáles Vincent (Ethan Hawke) dibuja un mundo pare el cual él no tiene cabida, ni en el contexto laboral, ni en el contexto genetista. Se vale de la desgracia de un Nacido in vitro (Jude Law), para poder realizar sus sueños, quien en últimas se convertiría en su mejor amigo, a falta de comprensión , y sobre todo, amor (del cual incluso su propia familia le negó).  La ambientación gráfica y visual brilla por hermosos y conmovedores claroscuros: las escenas claves están en los atardeceres y amaneceres, metáforas del cambio interior y exterior al que Vincent se somete para cumplir sus sueños, incluso a costa de su propia vida e integridad emocional y física. La trascendencia del Hombre y la de sus infinitas capacidades se ponen de manifiesto, en cada obstáculo que se le presenta Vincent sale airoso por su tenacidad, su negativa a rendirse, su comrpomiso con la realización de su sueño, que incluso logra que gane la admiración y el respeto de los genéticamente superiores.  Cabe destacar el limpio manejo en todo, Niccol pone de relieve en su filme, lo que el contexto puritanista del mundo perfecto de Gattaca exhibe, incluso a la hora del viaje espacial.  Un gran filme, con una enseñanza ulterior: Nunca subestimes el potencial del Hombre.

Andrew Niccol’s Gattaca is one of those films that requires persistence and patience, so as to enjoy seeing it. Its narrative is so simple and antiseptic, such as pretty described Perfect World (emulating Aldous Huxley’s book at the same name): An Anachronistic future, with some retro overtones to the aesthetics of the 40′s and 50′s, where does the genetic segregation  do what racial, sexual or linguistics cant done: genetically superior beings  above from the rest ones. Aldous Huxley himself had been tempted by these issues, adding in turn all degenerative playful perspective in his dystopia, but  Gattaca is a very hygienic utopia, where the protagonist is to prove himself and the indifferent and cruel world that he submits, that themen potential its infinite. The staging, first-person recounting the dream of a man (Vincent) to conquer a space domained  only by the genetically superior beings;Vincent (Ethan Hawke) is  quite tenacious  , and he  draws a world  which he has no place, nor in the employment context, in the geneticist one. He uses the misfortune of a Born in vitro (Jude Law), to realize his dreams, who ultimately became his best friend, in a world where a lack of understanding, and above all, love (which even his own family denied to him ). The graphics and visual ambience shines with beautiful and methaphoric: the key scenes are in the sunsets and sunrises, visual representations of inner and outer change that Vincent is submitted to fulfill his dreams, even at the expense of their own life and emotional and physical integrity . The significance of men and their infinite capabilities are evident in every obstacle that presents itself out gracefully Vincent for his tenacity, his refusal to surrender, his compromise with the achieve of his dream, which even manages to win the admiration and respect for the genetically superior beings.The film includes a clean throughout, Andrew Niccol highlighted in his film, what the context of Puritanism  its exhibited withoin a  perfect world, even when space travel. A great film, with a further teachingh: Never underestimate the potential of man.

Es realmente difícil encontrar una filme tan influyente para la juventud actuaal como V de Venganza, de los Hermanos Wachowski, basado en el tebeo del mismo nombre de Alan Moore.  Influyente en cuanto a la rapidez con la que su volátil flama revolucionaria enciende los espíritus de marginados e inconformes en los cinco continentes. El tebeo y el filme siguen pasos similares, en los cuáles el mensaje anarquista y antiautoritarista es puesto de manifiesto, secundado con otras innobles causas identitarias, como que la existencia del  Reino Unido es  culpa exclusiva de la “totalitaria” Inglaterra, enemiga tradicional de todos los pueblos libres de la Tierra, pero en especial de Escocia, Gales e Irlanda, y de Inglaterra misma. La naturaleza de V, que es a la vez  una mezcla de  intelectual de izquierdas con peleador artes marciales, con frases rocambolescas y citas románticas, se abre paso entre enemigos , que no son otros que los Gobiernos, las autoridades policiacas, o cualquier otra institución creada para conservar el órden entre este elixir sagrado llamado anarquismo bruto. La defensa que hacen diferentes grupúsculos de protesta, y la identificación física a través de la célebre máscara de Guy Fawkes , para con el personaje de V, se basa más en las hormonas y la rebeldía propias de la juventud, que en una lucha auténtica por los derechos individuales y civiles.  De eso saca usufructo la izquierda mediática, y la cultura popular , siempre con el enemigo presente, que no son otros que los Gobiernos, cualquier clase de Gobierno, sea este bueno , malo o perverso, excepto el gobierno de izquierdas, que está por encima moral, intelectual y políticamente que los otros. Y puede ser cualquier gobierno, a la izquierda mediática poco le importa que este sea elegido democráticamente, si es de derechas o socialdemócrata,  no merece compasión por parte de esa masa virginal llamada “el pueblo”, que sale a la calle a protestar, por que hay que protestar siempre por algo.  V lucha contra un dictador que no duda en someter y asesinar a sus detractores y rivales, pero la juventud entiende que los funcionarios son el enemigo, especialmente si el que está arriba es un hombre blanco heterosexual, independientemente de sus ideas políticas.  Por otro lado, el filme hace exploración además, del feminismo disimulado por parte de Eve Hammond, alumna y amante del propio V. Eve sólo reconoce la liberación interior, al transformar drásticamente su imagen en una marimacha de armas tomar, vaya ejemplo para generaciones de jovencitas, negando olímpicamente la femeneidad a la que tienen derecho todas las mujeres en el mundo.  La radical y “revolucionaria” épica en la que el fime y el tebeo son presentados, sirve para que los marginados, revoltosos, energúmenos, violentos, antisistema, encuentren no sólo un referente cultural para sus excesos, sino una manera didáctica y carismática de ocultar su rostro, en el más emblemático ejemplo de cobardía, muy digna de los grandes cobardes de este mundo, como los terroristas de ETA, los homicidas de las FARC, pero particularmente a los hackers frikis y esperpénticos de Anonymous, actualmente la única organización antisistema que opera desde el fácil anonimato que provee el internet.

It’s really hard to find a film so influential to the young people,   as V for Vendetta, by  Wachowski’s Brothers, based on the comic of the same name by Alan Moore. Influential in terms of the speed with which its volatile revolutionary flame ignites the marginalized and unhappy spirits of the young ones in the five continents. The comic and the film follows similar steps, in which an anarchist and anti-authoritarian message its shown, supported with other not very noble causes, such as the existence of the UK’s its the exclusive fault of the “totalitarian” England, the country wich its the traditional enemy of all the free peoples on  Earth, but especially for Scotland, Wales and Ireland, and England itself. The nature of V-character, which is both a mix of leftist intellectual with martial arts fighter, with bizarre phrases and romantic quotes, makes his way through enemies, who are none other than governments, police & authorities, or any other created to preserve the order against the “sacred” elixir called brute anarchism. The defense that make them different factions of protest, and the physical identification through the famous Guy Fawkes mask for the character of V, is based more on hormones and rebelliousness of youth, than in a real fight for individual and civil rights. That brings enjoyment to the left media and popular culture, the enemy always present, which are none other than governments, any kind of government, be it good, bad or evil, except the leftist government, which is above morally, intellectually and politically superior than the others. And it can be any government, leftist media cares anyhting  its that a democratically elected, if the goverment its some right-wing or social democratic, deserves no sympathy from that virginal mass called “the people”, which hits the streets to protest, because there is always something for to protest. V is  against a dictator and  a tyrant who does not hesitate to subdue and kill their opponents and rivals, but the young people understands that anyone in the Power  are the enemy, especially if that one in the top is a white heterosexual man, regardless of his political views. On the other hand, the film also makes exploration of feminism disguised by Eve Hammond character, a student and lover of  V himself. Eve recognizes only internal freedom, turning dramatically  her own  look  into a tomboy, a butch female to take arms, indoctrinating  to generations of girls, such as denying femininity ,  that actually its a right to all women in the world. The radical and epic  “revolutionary”,  in which the film and comics are presented, its for the outlaws, rebels, fanatics, violent, anti-establishment, the  only  cultural reference for their abuses and excesses, also  its  a way to hide and charismatic teaching his face, the most emblematic example of cowardice, very worthy of the greatest cowards in this world, like the ETA terrorists and murderers of the FARC, but particularly the grotesque party of geeks and hackers Anonymous, currently the only anti-establishment organization that operates from the easy anonymity that the internet provides.

La Belle Verte (El Planeta Libre en Castellano) de Coline Serreau ,  es uno de esos  filmes que sirve para explicar el comportamiento progresista de los europeos en la actualidad: heredero directo de la estética hippie de los años 60, nos presenta un mundo “idílico” y “perfecto” que cree tener el derecho y la autonomía de criticar el nuestro y a nuestra historia. Venden a este mundo extraterrestre como el paraíso igualitarista ideal,  y a nuestra civilización (la occidental, que curioso que la extraterrestre protagonista del filme no aterrizara en Papua Nueva Guinea, en el Congo o en el Amazonas, sino , la Francia  del Siglo XX), como la atrasada y horrible réplica de todos los males posibles y existentes.  Aquí están presentes casi todas las correcciones políticas, aunque me da risa que se critique tanto al racismo desde el punto de viste de los extraterretres cuando todos ellos son blancos caucásicos.  La polémica sirve de lanza en ristre en esta producción, muy barata en todo: efectos, argumento, actuaciones e intención; y acaso acusa la leyenda de que fue prohibida en la Unión Europea y en Estados Unidos (lo cual sólo denosta el caracter victimista de la progresía en general) para enaltecer el épico carácter “revolucionario” del filme ( si es tan prohíbido, por qué cualquiera puede verlo en Youtube ( vaya ironía, se necesitan de los servidores gigantescos y para nada ambientales de Youtube para que cualquier progre ecologista pueda ver esto)). Esta producción llama la atención por su proselitismo descarado y estúpido, por sus bizarras y arquetípicas interpretaciones de la sociedad occidental ( a la que condenan en todo) , por su hippismo anacrónico y anquilosado y por su adoctrinamiento violento y para nada camuflado.  Sirve además , para entender la ideología y el pensamiento de los antisistema, estos recelosos profesionales de toda la cultura y la civilización occidental, que no escatiman a la hora de lanzar sus arengas llenas de intolerancia (como en el 15-M) e irrespeto.  El filme, como ya he dicho, legendario por su supuesta prohibición , carece de la más elemental cinematografía: la fotografía es pobre y mal editada; los ángulos de cámara , planos y para nada creativos; los diálogos, predecibles, sosos y cargados de proselitismo, pienso que ningún favor hace este filme para la mente progresista y el libre pensamiento.  Ese planeta bello y perfecto extraterrestre brilla por la ausencia de auténtico realismo, lo cual demuestra lo barato del filme, incluso a la hora de escoger las locaciones. El ecologismo se viste de correción política, y de autoridad moral aquí, los extraterrestres exhiben una arrogancia palatina al creerse moral e intelectualmente superiores a los seres humanos aún cuando ellos mismos son seres humanos, puestos en un contexto diferente: en un contexto idealista y para nada creíble. Sin duda ver este filme fue una pérdida de tiempo , no dice nada diferente a lo que gritan , muchas veces con violencia, todos los correctores políticos de nuestro tiempo, que creen que el mundo perfecto es aquel en el que no existen las diferencias.

La Belle Verte (Free Planet in spanish) by  Coline Serreau, its one of those films that helps to explain the anarchism and extreme liberal behavior of Europeans: this film its a  direct heir of the hippie aesthetic from 60′s, it shows a world of “idyllic” and “perfect” beings who believes that they  has the right and autonomy to criticize our own world  and our history. the film sells ​​this alien world as the ideal egalitarian paradise, and our civilization (the Western civilization, which its very curious that the film’s protagonist , the  alien doesnt  lands in Papua New Guinea, the Congo or the Amazon, she arrives in France in the Twentieth Century) as a backward and horrible source of all evils . Here are present almost all the political correctness, but it makes me laugh to criticize both the racism from the alien’s point of view,   when  they all are white Caucasians. The controversy serves as a lance in hand in this production, very cheap in everything: special effects, plot, action and intentions, and perhaps charged with the legend that was banned in the European Union and the United States (which would only insult the character of liberal’s and ecologist’s self-victimization  in general) to shows the epic “revolutionary” character of the film (if its so forbidden, why everybody can see it on Youtube (what such irony, this film need of huge  and not very  environmental servers from Youtube, for any Environmentalists and liberal  can see this)). This production is notable for its blatant and stupid politic proselytizing,  for their bizarre and archetypal interpretations of Western society (which they condemn in all) for their ossified and anachronistic hippie indoctrination, and violent and not at all disguised political correctness. It also serves to understand the ideology and thoughts of those   professionals haters of the whole culture and Western civilization,who doesnt restrains theirselves into their  full intolerance (as in the 15-M) and disrespect against who doesnt thinks in the strict same way as them. The film, as I said, hipotethic legendary for its “prohibition”, it lacks the most basic filmmaking: the picture is poor and badly edited; the  camera angles, planes and anything are lack  of creativeveness, even  in dialogues, very predictable, dull and full of proselytizing. I think that this film does a disservice to the liberal mind and free thought. This beautiful and perfect alien planet shines by the absence of genuine realism, which shows how cheap the film, even when they choosing locations for to film. Environmentalism Wears political correctness, and moral authority here, the aliens exhibit an arrogance to believe theirselves,  morally and intellectually superior to human beings, even when they themselves are human beings, placed in a different context: In an ideal context that are anything, except  credible. Definitely, to  see this film was a waste of time, says nothing different from what liberals they shout, often with violence, all political editors of our time, who believe that the perfect world is the one where everybody is equal to everybody.

Las primeras imágenes nos ofrecen un prolegómenos de lo que se verá en los minutos siguientes, en el filme entero: corrección política, feminismo, ecologismo descarado y anticapitalismo.No es una consigna del 15-M, no es unamanifestación de colectivos de izquiera en Europa, no es una protesta ecologista de greenpeace: es Wall-E y está a la vista de todos. Wall-E es  probablemente el filme animado de Disney con más sobrecarga de corrección política que he podido ver:  hipotético futuro de nuestra Tierra y nuestra humanidad, no sitúa en un planeta abarrotado de basura , despoblado y desprovisto de vida, en dónde el último sobreviviente es un compactador de basura robótico con mucha intención , tenacidad, pero sobre todo soledad. A este pequeño y conmovedor ser llega una robot del espacio, cuya búsqueda de vida se hace pobre en un mundo ocre con edificios hechos de cubos de basura compactada. Los primeros minutos de Wall-e son sorprendentes debido quizás a la evidente carencia de diálogos, puro arte  narrativo visual en dónde se explica por retazos el desastre ecológico planetario al que los ecologistas nos condenan desde hace más de un siglo. Por otro lado, el feminismo descarado y sin censura , encarnado en el personaje de Eve, es de lo más ofensivo para el espectador: Eve, es mucho más avanzada , inteligette, fuerte, poderosa e independiente que el sucio y contrahecho Wall-E cuyo único propósito es encontrar  una respuesta años de soledad estéril.  Por otro lado, Wall-E es torpe, pequeño, primitivo , una reliquia del pasado (que es como las feministas nos describen a los hombres en la actualidad), y dependiente emocianlmente, en este caso, de la vanguardista Eve.  El filme va más lejos en el adoctrinamiento severo al que someten a la población infantil: Colocan a los seres humanos como abotargados despojos inútiles , víctimas de su propia a fútil necesidad de comprar cosas en grande. El decisivo e incisivo desprecio hacia la industria, y el comercio son encarnados por la corporación BnL y su presidente, metáfora última que hace las delicias de los progresistas , al confirmar en el filme lo que tanto les dicen en otros medios: que los malos siempre son los empresarios y emprendedores, avatares últimos de la codicia. Wall-E es la prueba exquisita de lo que la corrección política ha hecho por la cultura pop, creo que no omite casi ninguna de sus consignas, excepto quizá , el racismo. Ese deseo innato deestos nuevos profetas, léase fanáticos ecologistas , de siempre pintar a la Tierra como víctima del hombre ( cuando la historia más bien ha probado lo contrario) , sumado  al lugar  en el que las feministas nos quieren poner a todos los hombres (como basura) , nos da un producto digno de elogio, por el cuidadoso y evidente desprecio hacia los logros humanos ( en última instancia, son las máquinas las que salvan a una humanidad fofa y hedónica) , metáfora última de que son los trabajadores (quién dijo que Disney no era de izquierdas) , han de salvar al mundo de esos voraces y desalmados empresarios. Wall-E  obedece así mismo a muchas metáforas, en particular con su relación con Eve: los hombres recogemos deshechos, somos productos de la  tierra sucia , mientras que las mujeres (Eve) , son bellas, poderosas  y perfectas creaciones que vuelan libres.

The first image give us a foreshadowing of what it will be seen within minutes, and  in the entire film: political correctness, feminism, environmentalism is a blatant and anti-capitalism. It is not a  15-M  slogan, it  is not aprotest  of comunist groups from  Europe, it  is not an environmentalist Greenpeace’s protest: it is Wall-E , the film. Wall-E is probably the Disney animated film with more overhead of political correctness that i ever  seen: an hypothetical future of our Earth and our mankind, now located in a crowded world of garbage, depopulated and devoid of life, where the last survivor is a robotic trash compactor with great intentions, perseverance, and above all, loneliness. This little  robot, moving along in the planet, whose pursuit of life is poor in a world with ocher buildings made of compacted trash cubes. The first minutes of Wall-e shows many surprises,  perhaps because of the apparent lack of dialogue, and pure visual narrative art where   planetary ecological disaster that environmentalists condemn us for over a century can be explained by some escenes. On the other hand, the bold and uncensored feminism, embodied in the character of Eve, is the most offensive one to the viewer: Eve is much more advanced, smart, strong, powerful and independent than the dirty and misshapen Wall-E which sole purpose is to find an answer in the  sterile world. On the contrary,  Wall-E is awkward, small, primitive, a relic of the past (which is how feminists  describe us, men, today), and emotinally dependant , in this case, the avant-garde Eve. The film goes further in that undergo severe indoctrination to children: putting human beings as useless offal bloated, victims of their own need to buy a futile things in large scales. The decisive and incisive contempt for the industry and commerce are  embodied by the BnL corporation and its president, last metaphor that has makes joy to the liberals, confirming with the film so much, what others  says  in public  media: the evil one always are a businessmen and entrepreneurs, the ultimate  avatars of greed. Wall-E is exquisite proof of what political correctness has done for pop culture, I think that they dont omits almost anynone of their slogans, except perhaps racism. That innate desire of this  new prophets (liberals , feminists and ecologists),  aka environmental zealots, that always paint the Earth as a victim of man (when history has proved rather the opposite), plus the place where feminists want us to put all men (as garbage), gives us a product worthy of praise for the careful and obvious contempt for human achievements (in last  instance, are the machines that save  soft and hedonistic mankind), last metaphor that they are workers (who said that Disney was not comunists), must save the world from those greedy and ruthless moguls. Wall-E is due likewise to many metaphors, particularly his relationship with Eve: the men collect waste, products of the land are dirty, less , primtive, brutes; while women (Eve), are beautiful, powerful and so smart and skillfull.

Horton y el Mundo de los quién pasará a la historia como un filme desapercibido de  Auténtica Ciencia Ficción Infantil. Este género , que durante años estuvo apresado por los tebeos animados e incluso el comic ligero , otorga una nueva perspectiva y una propuesta para un terreno no explotado: La Ciencia Ficción Infantil. Habrá quiénes cuestiones mi determinación de sugerir y nombrar a este filme como de Ciencia Ficción, pero toda la historia gira en torno a suposiciones y a una comunicación entre universos, uno contenido dentro del otro. Basado en la teoría del Universo Interior o Co-Universo , muy popular entre los herederos de  Hawking,  Un elefante torpe, pero bondadoso y tenaz, encuentra  toda una civilización en una partícula de un trébol en su selva hogar, lo cual supone una ulterior enseñanza: podreis encontrar universos contenidos en dónde sea. Con mucho humor, con una exposición visual honesta y hasta didáctica,  Horton se empeña en una cruzada personal por salvar este minúsculo mundo del que sólo él sabe , debido a que es el único que puede escuchar los débiles sonidos que de él provienen ( Horton es una metáfora orgánica de lo que hace la Radiostronomía en la actualidad).  Por otro lado, el segundo filme ocurre en el mundillo de los Quién, seres rápidos y prácticos los cuáles son intraterrestres bastante graciosos que tiene una civilización mucho más avanzada que la tosca y abundante  Jungla de Horton. El mundo de los Quién destaca por su diseño , fiel a tradiciones gráficas como las del propio Tim Burton en Nightmare Before Christmas , o Brian Froud: estilos curvilineos, arquitecturas imposibles, en los más finos detalles  como utensilios de cocina, mobiliario de oficina e incluso , obras civiles y espacios públicos, se parecia un notable desarrollo del Art Noveau de principios de siglo XX, con una sofisticación y coloridos muy propia de la imaginación de un Mimo parísino (No es una casualidad la sobre exagerada expresividad de los Quién) . La animación, mucho más fluida en el mundo de los Quién, revela su extraña naturaleza  hacia la exageración en términos de cantidad, proporción y espacios temporales, por lo que se antoja a partir de ellos, que el mundo de los quién tiene un arco  espacio temporal muy distinto al mundo de Horton. Por otro lado, los mensajes dedicados a la entereza y cordura  de  Horton , cuestionada entre otras cosas por una mamá cangura dominante y manipuladora, constituyen un llamado honesto a reavivar la imaginación infantil y a cumplir los sueños de la infancia ( en el caso de Jo-Jo el 98 hijo del Alcalde de Villa Quién). Una gran obra cinematográfica, divertida y fácil de entender, recomendable para todos.

Dr. Seuss hears a Who! will go down in history as an authentic Science Fiction Film for Kids. This genre, which for years was arrested by the animated comics and even  light media , it gives a new perspective and a proposal for an undeveloped land: Children’s Science Fiction. Some may question my determination for to  suggest and name this film as science fiction, but the whole story spins around  assumptions  and communication between universes, one contained inside the other. Based on the theory of the inner-universe or Co-Universe , thats very popular among  of  the Hawking’s heirs, a clumsy elephant, but determined  and tenaciousm, hears   an entire civilization in a particle of a shamrock on his home forest, which is a further lesson: universes can be find  wherever. With much humor,an  honestly  visual display , Horton is determined to his  personal crusade to save the tiny world that only he knows, because he is the only one who can hear the faint sounds coming from it (Horton an organic metaphor of what the Radio-astronomy does today). On the other hand, the second film takes place in the world of Who ones, rapid and practical beings which are quite funny intraterrestrials, and they has a civilization much more advanced than the coarse and abundant Jungle where Horton. lives.  The world of Who stands out for its design, graphic and true to the traditions of  Tim Burton’s Nightmare Before Christmas, or Brian Froud, curve shapes style, impossible architecture and buildings, and in the finer details such as utensils, kitchen, office furniture and even civil works and public spaces, they seemed a remarkable development of Art Nouveau of the early twentieth century, with a sophistication and very typical of the colorful imagination of a mime in Paris (its not a casuality that the Who ones be so expressive in their movements and gestures). The animation, much more fluid in the   Who world, reveals their strange nature toward exaggeration in terms of mass, proportion and temporary spaces,  in conclussion,  that world show and  has an alternative arc spac, e very different in matter of time from  world of Horton. On the other hand, there is  so many messages dedicated to Horton’s integrity and mental situation, among other things questioned by a dominant and manipulative mother kangaroo, the message its  an honest call to revive the children’s imaginations and fulfill their childhood’s dreams  (incarnated  in Jo- Jo, 98th son of the  of Villa Who’s Mayor ). A great film work, fun and easy to understand, recommended for everyone.